Analízame

BRAVO en Santiago

2005-11-16T08:28:00.000-03:00

Hay que atinar ahora ya: tal como lo dice Vera Meiggs en la nota que aparece en hoy en El Mercurio, Sergio Bravo es un maestro mayor del documental chileno. Nunca pensé que Vera-Meiggs y yo pudiéramos estar de acuerdo en algo, y tate, aquí está. El destacado de la crítica me encanta:

Bravo transforma la fabricación de una rueda de carreta en una epifanía cósmica.

¡Vera-Meiggs sicodélico! No voy a seguir dando la lata al respecto: ya he escrito demasiado en este blog sobre lo que fue la retrospectiva de Sergio Bravo en Valdivia, y la oportunidad única que se está dando en Santiago para ver sus películas. Es hasta este viernes en el Centro de Extensión UC. Hoy es la ÚLTIMA OPORTUNIDAD de ver todos sus hits: "Mimbre", "Día de organillos", "Láminas de Almahue" y "Banderas del pueblo" (a las 16 y 19 horas). A las 21:30 hrs, en tanto, darán "Pan minero" y la ya de culto "La glane", para mi gusto, uno de los más bellos y desoladores documentales que he visto en mi vida.

Bravo, que este año recibió la Medalla Orden al Mérito Pablo Neruda (Neruda era amigo suyo, y ahora recibe medallas con su nombre) vive en Viña, y nunca muestra sus películas. Éstas han estado guardadas con décadas. Según lo que he investigado, fueron sus películas las que veían Raúl Ruiz y Miguel Littin antes de hacer "Tres tristes tigres" y "El chacal de Nahueltoro". La influencia del documental en el cine de esa época viene de Bravo.

En fin. Son todos ustedes personas adultas y saben lo que hacen.

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"EL BAÑO" VERSUS "EN LA CAMA": Mañana jueves se estrenan tres películas chilenas, "Todas las mujeres van al cielo", "El baño" y "En la cama". La de Bize adelantó su estreno para no chocar con Harry Potter y se ha levantado una mini polémica via e-mails, en la que la gente de "El Baño" protestó por la actitud de Bazuca Films ("Rompieron el código de honor del cine chileno", dice el productor y distribuidor de El Baño, Rodrigo Orellana):

El argumento entregado por la distribuidora Bazuca Films, respecto de que este adelanto se debe a que prefieren no coincidir con el estreno de Harry Potter, es una gran falacia. La fecha de estreno de Harry Potter está anunciada hace cinco meses, por lo que no era ningún secreto”, señala Orellana y agrega: “La verdadera razón que se esconde detrás de todo esto es que “El huésped”, la otra película chilena que se acaba de estrenar, está con baja asistencia de público, por lo que no durará más de dos semanas en cartelera. Obviamente, Bazuca Films se quiere aprovechar de esto y adelantar “En la cama” para no perder esos días, sin considerar que está programado el estreno de “El Baño”.

Ayer, según veo en otro correo, esta vez de Gregory Cohen, la gente de "El Baño" habría sido "presionada" para cambiar su fecha de estreno.

El pedido de ir los primeros días a “El Baño” ahora se redobla, considerando que nos anduvieron presionando para postergar el estreno y no estar en el Hoyts la Reina, a causa del adelanto inconcebible de la película "En la Cama". Finalmente logramos revertir la situación y estrenamos tal como estaba planeado en las mismas salas.

Por eso sería muy bonito hacer un gran tapabocas a la arrogancia, estos cuatro días, jueves 17, viernes 18, sábado 19, domingo 20, y demostrarles que hay público suficiente para ver películas como "El Baño", película diferente y que muestra imágenes que el cine chileno pocas veces se ha atrevido a mostrar.

Sólo quiero decir algo: en lo que se demoró Cohen en hacer "El Baño", Bize hizo un cortometraje y dos películas completas. Ambos directores (más bien, sus distribuidores) están en su derecho de velar porque sus películas las vaya a ver la mayor cantidad de gente. Pero... ¿así? ¿Es tanto el stress?

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Este blog tendrá novedades en el corto plazo. Por eso mis posteos han sido pocos esta semana. Pera ya verán.

CLEAN: Sentimientos en fuga

2005-11-12T18:33:00.000-03:00

"Clean" es la primera película que se estrena comercialmente en Chile del francés Olivier Assayas. Apareció en cartelera el jueves antepasado. Ahora está en su segunda y, al parecer, última semana en nuestras pantallas. Tuvo su pre-estreno en Sanfic de este año. La protagoniza Maggie Cheung, la ya diva asiática de "Con ánimo de amor", quien se ganó con justicia el premio a Mejor Actriz en Cannes 2004, el año en que Tarantino fue presidente del jurado. Cheung estuvo casada con Assayas, pero ya estaban separados cuando hicieron esta película juntos. Tricky, el músico electrónico, es un personaje clave de la película (no es cameo: actúa de Tricky, la estrella de la electrónica), así también como la música de Brian Eno, y claro, Nick Nolte, que ya viene a ser el padre del todo el mundo después de verlo aquí.

No puedo decir mucho más que esto: datos. Aún estoy digiriéndola. Podemos agregar que se trata de una mujer china que es pareja de un rockero de cierto renombre, con quien tiene un hijo que no vive con ellos, sino que con los padres del rockero. Y el músico muere de una sobredosis de heroina. La mujer no tiene culpa directa: compró la heroína, pero no estaba en el lugar de los hechos cuando todo ocurrió. Pero, de todas maneras, se va seis meses a la cárcel. Cuando sale, debe empezar todo de nuevo. Debe volver a encontrar trabajo. Debe intentar reconstruir una vida para recuperar a su hijo. Pero no se la hacen fácil. "Tú has recibido golpes, pero también los diste", le dicen. "Pero te mantuviste de pie, y por eso te respeto", le hace de sparring moral Sandrine, una fan y especie de amiga que encuentra en el caos.

Es el mundo de la música: el mundo de Mojo, Austin, Dreamworks, Q, Limp Bizkit, Mazzy Star, todos nombres que se entremezclan entre los diálogos de los personajes. Es el mundo de los desarraigados, que viven entre Londres, París y Vancuver. Y los que quieren ser mejor persona. Es el mundo de los que intentan explicar lo que no se explica: "Es fácil ser valiente cuando todo va bien", dice Albritch, el personaje de Nick Nolte. "Lo difícil es ser valiente cuando el mundo se te viene encima". Albrith es un buen tipo, honesto, algo misterioso: "Los niños me intimidan", le dice a su mujer, que está enferma. "Entienden todo, me leen el pensamiento". Y es el ancla esperanzadora entre todo este frío interno y de soledad que es la vida de Emily (Cheung): "Creo en el perdón. La gente cambia", le lanza para tranquilizarla.

La película tuvo buena crítica: no sólo la encontraron buena; también dijeron cosas interesantes de ellas. Las buenas películas. en general, te hacen escribir mejor. Leopoldo Muñoz en Las Ultimas Noticias habla de "la humanista óptica de la voluntad contra el destino"; Ascanio Cavallo en El Sábado tuvo problemas con el uso de la cámara de Assayas (elemento que a nadie deja muy indiferente: todas la críticas hacen referencia al tema); Pamela Bienzobas, en Mabuse, hace un atinado perfil de Assayas; Sebastián Lorenzo en La Fuga hace referencia al modelo discriminatorio al que debe enfrentarse toda adicta; para Lídice Varas de La Nación la suciedad de las ciudades que se muestran son el marco para la suciedad de los personajes; y Ernesto Ayala en Wikén da en el clavo con "cierta épica" que late en lo más profundo de la película:

"La forma en que nos esforzamos por llegar a acuerdo con nosotros mismos, con nuestra historia y nuestro entorno, si es que lo logramos, nunca está del todo desprovista de cierta épica".

¿Alguien más la vio?

MABUSE al ataque

2005-11-11T09:55:00.000-03:00

Apareció un nuevo número de Mabuse, la revista de cine en internet a cargo de Letelier, Morales y compañía. Viene peso pesado: un dossier de Raul Ruiz (que incluye dos entrevistas, una antigua hecha por René Naranjo antes de caer en el flagelo de la tele, y otra más actual de Yenny Cáceres), además de críticas a todas las películas del ciclo Ruiz, donde destaca el linkeo poético que hace Morales a partir de "El dominio perdido"; una atinada entrevista a Jacqueline Mouesca por su libro "El documental chileno" (este blog tiene una deuda con ese libro); y otra a Sebastián Campos, por "La sagrada familia". Lo más curioso son los dos críticas sobre "Se arrienda" (una en contra y una tibia crítica a favor de Garratt), y una más curiosa y furibunda nota personal en contra de Fuguet de Jorge Letelier, donde se acusa de la "complicidad" de los medios nacionales en apoyar la película (desde The Clinic hasta El Mercurio), poco menos como si Fuguet fuera Pinochet y viviéramos en 1984. Por si todo esto fuera poco, los incansables de Mabuse también hacen una más reposada cobertura de Valdivia. Hiper nutritiva. Linkeala antes de que se agote.

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Esto es lo más ridículo que he leído hoy.

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Hablando de Fuguet, desde hace unos días ya tiene funcionando no uno sino que TRES blogs. Las películas de mi vida, sobre cine, Alberto Fuguet: escritor/lector, sobre libros y frases y su sitio personal transformado en blog. Sanamente, en los sitios no están habilitados los comentarios. Roberto Arancibia, blogger de blogger locales, le da la bienvenida.

FIDOCS en La Tercera

2005-11-10T09:05:00.000-03:00

La Tercera de hoy hace un adelanto del Festival de Documentales, FIDOCS (1 al 7 de diciembre). "La pesadilla de Darwin" abre los fuegos, y se muestra un documental sobre Julio Verne que Guzmán hizo para la TV francesa.

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Según Guillermo Luksic, entre otras cosas, presidente de CCU y Quiñenco, y dueño del 99% del pisco en Chile, el modelo económico está super bien como está. "El único modelo efectivo para producir desarrollo y empleo es el que tenemos", dice hoy en la postada de Economía y Negocios de El Mercurio.

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Fin de semana de estrenos europeos, algo no demasiado común en nuestra cartelera. "5x2, vida en pareja" de Francois Ozon (sobre cinco etapas en una relación de pareja...), "La pequeña gran estafa" de Jean Francois Poulliot (sobre la necesidad de un doctor en un pequeño poblado para que se instale una fábrica) y "Planta 4A" de Antonio Mercero (sobre la vida diario de los enfermos en el cuarto piso de un hospital). Además, es momento de que veamos la muy comentada "El exosrcismo de Emily Rose" (hasta la sinopsis da miedo), la chilena "El huesped" (monstruo 3D incluido, que aparece un par de segundos), y "Super escuela de héroes" con Kurt Russell tratando de ganarle el quien vive a Robert Rodriguez y sus "Spy kids" .

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"Dias de campo" pasa a su tercera semana en cartelera (y puede que última). Esta en el Tobalaba y Hoyts La Reina.

Muestras y festivales de aquí a fin de año

2005-11-08T08:35:00.000-03:00

Como se dice en estas fechas: ¡se nos vino la pascua encima! Este año, a esa sensación de fatiga de material, los cinéfilos deben agregar dos sobrecargas. Los dos festivales de documental más importantes que se hacen en Chile, el Festival de Cine de Valparaíso y el Festival Internacional de Documentales de Santiago (Fidocs), se atrasaron este año por diversas razones (aunque no tan diversas: mucho tuvo que ver el atraso de la entrega de los Fondos de Cultura, es decir, el Fondo de Fomento Audiovisual). El Festival de Valparaíso, que habitualmente es en agosto, este año parte en dos semanas más (19 al 27 de noviembre); el Fidocs, que habitualmente es en noviembre, ahora se pasó para la primera semana de diciembre (1 al 7 de diciembre).

Estos van a ser dos eventos importantes: el Festival de Valparaíso, aparte de su habitual competencia documental, trae un versión restaurada de "El acorazado Potemkim" (no me pongan caritas de aburrimiento... ¡esta copia está espectacular! Si somos afortunados, es la misma versión que se exhibió en Santiago una mañana de domingo en el Centro de Extensión UC hace unos meses, con música de Bitman... una experiencia única, copia nueva, a 18 cuadros por segundo, estrenada en el Festival de Berlin este año); y un ciclo de películas de la Casa Hammer, entre otras delicias programadas por el gran Alfredo Barría.

El Fidocs no se viene con chicas: este año se traslada al Cine Hoyts La Reina, no sin cierta polémica... Hay gente que se pregunta si los documentales brillarán como se merecen entre los megatrasatlánticos norteamericanos, y otros, como yo, que pensamos que los documentales no hay que "protegerlos" ni mostrarlos solo para la elite de amigos que hace documentales, sino que deben ponerse pantalones largos y llegar a los cinéfilos habituales... que son los que deambulan por el Hoyts. Sin embargo, las dudas son válidas. Y no tengo mucho más que decir: de metiche que soy, terminé formando parte de la organización. Y meti la cuchara: este año editaré el llamado DIARIO DE FIDOCS por segundo año consecutivo (una hojita informativa para enterarnos y vernos las caras en el festival)... y preparamos lo que me tiene muy contento: una completa retrospectiva de Pedro Chaskel. Si alguien quiere saber quien es Pedro Chaskel, quizás podamos decir un par de cosas: fundador del Cine Club de la Universidad de Chile; montajista de "El chacal de Nahueltoro" en Chile, y "La batalla de Chile" en el exilio; camarógrafo de esos "avioncitos" que bombardearon La Moneda; documentalista integral que tiene entre sus trabajos una trilogía dedicada al Che Guevara, películas fundamentales del documental chileno con Héctor Ríos ("Aborto", ganadora del Festival de Viña de 1968), Pablo Salas ("Somos +"), Francisco Gedda (fue montajista y dirigió un puñado de los mejores trabajos de este programa documental de Canal 13 que fue "Al sur del mundo"). En fin: lo que se dice un fundador, y un referente obligado para el movimento documental en Chile.

Me ha tocado ver esta semana la totalidad de sus películas, y estoy seguro de que van a quedar tan impresionados como yo. Pero no quiero adelantar más. Ya verán.

Por si fuera poco, y hablando de Chaskel, en el Centro de Extensión UC finalmente programaron la retrospectiva de Sergio Bravo, compañero de ruta de Chaskel en esa epoca, y fundador del Centro de Cine Experimental de la Universidad de Chile. Ambos recibieron merecidamente este año la medalla al mérito Pablo Neruda. Valdivia le dedicó este año una muestra a Bravo, de la que hablamos repetidamente en este blog, una serie de películas imperdibles para cualquiera que desea hablar con propiedad del cine chileno del pasado sin caer en prejuicios y reduccionismos. Y para cualquier que le guste el cine, al verdad. Ya lo conversábamos con un amigo: esta es la clase de muestra que podría estar perfectamente en el Bafici del próximo año. Sin problemas ni pudores de ningún tipo.

Así que, efectivamente, se nos vino la pascua encima.

CINE EN U. DEL DESARROLLO: La derecha también tiene derecho a tener cineastas

2005-11-05T08:50:00.000-03:00

El próximo año parten dos nuevas escuelas de cine: la de la Universidad de Chile (dependiente del Instituto de la Comunicación y la Imagen, que ya realiza el Postitulo de Cine Documental), y la de la Universidad del Desarrollo. La primera está a cargo de Francisco Gedda (director de la serie más cinematográfica que ha habido en la televisión chilena, "Al sur del mundo"), y la segunda tiene como director a Marcelo Ferrari ("Subterra").

Estas dos escuelas se agregan a las ya existentes en la Escuela de Cine de Chile (Carlos Flores y Carlos Alvarez), en la Universidad Arcis (Esteban Schroeder), en el Instituto Profesional Arcos, Universidad de Valparaíso (Sergio Navarro) y en el Uniacc (Gonzalo Justiniano). En la Universidad Católica no existe la carrera de cine propiamente tal, sino que en periodismo se puede optar a terminar como "director audiovisual".

Los cineastas que tengamos hoy tendrán influencia en las películas que veremos en el futuro. Quienes los formen y cómo los formen es clave. Me llama mucho la atención una nota de hoy en El Mercurio, en la que se presenta una encuesta hecha por la nueva escuela de cine de la Universidad del Desarrollo, en la que se plantea que lo peor del cine chileno, según sus propios realizadores (aunque no queda muy claro quién respondió la encuestas... ¿sólo directores? ¿también críticos? ¿técnicos?) son los guiones, la falta de identidad, el poco compromiso de la empresa privada y los canales de TV y la ausencia de buenos productores ejecutivos. O sea, todo. Quizás habría sido más fácil poner un título que dijera, "Según la Universidad del Desarrollo, el cine chileno no tiene por dónde".

Más allá de compartir esa evaluación, más me preocupa otra cosa: qué clase de directores quieren formar estas escuelas. Sólo mirar el consejo directivo de la Universidad del Desarrollo me da miedo. Qué rollo transmitirán estas escuelas a sus estudiantes. Me consta, la Escuela de Cine de Chile tiene una vocación por la realización, por darle para adelante, por el "avance irreflexivo y el retroceso metódico" (frase que copié como tag aquí en mi blog). Eso se nota en sus dos egresados más destacados: Matías Bize y Sebastián Campos. La Chile desde ya tiene una mirada documental (que se emparenta con sus orígenes en el Centro de Cine Experimental de 1957). Del resto, se hace dificil colegir algo a partir de sus profesores, sus egresados, o sus mallas académicas. ¿Alguien tiene una pista de qué rollos, qué intereses profundos, corren en las venas de las otras escuelas? Si existe alguno, claro. ¿Será el escuela de cine de la UDD, tal como lo indican mis prejuicios, una escuela de cine de derecha?

30 años

2005-11-04T08:04:00.000-03:00

¿Qué tienen en común gente tan detestable como Matthew McCoughnahey, Ralph Macchio, Laura Bush (madre de George W.), Sean "Puffy" Combs (ex Puff Daddy) y Alberto Espina (RN)?

¿Nadie?

Todos están de cumpleaños hoy.

Al igual que yo.

Llevo años buscando gente más interesante que esté de cumpleaños hoy. Lo más lejos que he llegado es considerar interesante al actor Martin Balsam. Y el único choro es el fotógrafo Robert Mapplethorpe.

Les juro: no hay mucho más.

Yo nací el 4 de noviembre de 1975, a las 16:50 hrs, en el Hospital Alemán de Valparaíso.

Hoy, a las 16:50 hrs, cumplo 30 años.

Me gusta pensar más en la gente que nació en 1975. Los destacados son todos mujeres: Drew Barrymore, Lauryn Hill, Angelina Jolie, Kate Winslet y Milla Jovovich.

Lo otro es pensar quién falleció días antes de que yo naciera, a ver si se reencarnó en mí. Sobre esto, Wikipedia dice: Pier Paolo Pasolini fue asesinado el 2 de noviembre de 1975.

Los años terminados en 5 siempre me han parecido importantes. Son años precisos en los que ocurren eventos precisos. En los años terminados en 5 falleció mucha gente notable. Einstein, Charlie Parker, James Agee, Thomas Mann y Jamen Dean murieron en 1955; T.S. Eliot, Malcolm X, W. Somerset Maugham y Churchill murieron en 1965; Bernard Herrmann en 1975; Orson Welles en 1985; Dean Martin en 1995.

En 1945 se acabó la Segunda Guerra Mundial (el apocalipsis segun Gastón Soublette), tiraron una bomba atómica, crearon la ONU y a Gabriela Mistral le dieron el Nobel (algo que este país machista apenas pesca).

Para el cine chileno, el Cine Club de la Universidad de Chile (que exhibiera películas que mostró por primera vez a los chilenos que existía otro cine) fue fundado por Pedro Chaskel en 1955, hace 50 años. En 1975, Patricio Guzmán terminó su primera parte de "La batalla de Chile". En 1985, Ignacio Agüero agarró su cámara para partir a entrevistar a los principales directores chilenos que empezaban a hacer sus precarias películas ("Cómo me da la gana").

Y este 4 de noviembre de 2005 es el primer día del resto de mi vida.

Una noticia tan rara que no pude evitar linkear

2005-11-03T01:17:00.000-03:00

Un ex intendente de la UP, llamado Alfredo Fuchslocher, falleció cuando se encontraba viendo los primeros minutos de "Allende", en una sala en Osorno. Más curioso aún, el finado no tenía ganas de ir a ver la película porque sabía que lo impresionaría. Patricio Guzmán está impactado y se pregunta qué escena lo habrá impactado tanto. ¿A alguien se le ocurre?

RUIZ: Lo que me quedé pensando después de ver "Días de campo"

2005-10-30T19:06:00.000-03:00

Esta idea no es mía, es de Udo Jacobsen, profesor en el Instituto Arcos, cinéfilo y motor del sitio Fuera de Campo. Tuve la suerte de compartir una cerveza con Udo, y Renato Villegas (de Chileindependiente) y José Luis Torres Leiva (el director de "Obreras saliendo de la fábrica") el sábado en la noche, después de la función de "Días de campo". La idea de Udo, que quiero ocupar acá con su permiso, es el punto de partida de lo que quiero decir: las películas de Raúl Ruiz están estructuradas de manera muy parecida a las páginas web.

Son hipertexto.

Si se quiere, un hipertexto cinematográfico. Son películas contruidas en base a links. Su gramática no es lineal: es multidimensional. De cada diálogo entre personajes, o sonido de fondo, o frase disparada al aire, o decorado en las paredes (no exagero, de cada uno de los elementos que componen sus planos), nuestra atención puede saltar hacia otro lado: una referencia literaria, o la conexión con alguna pintura (la foto de acá al lado es un plano de "Días de campo": impresionismo a partir de un vidrio esmerilado). El enlace puede ser cinéfilo (muy especialmente con el cine B, y el cine negro) o cultural (en particular, Ruiz conecta los imaginarios de los árabes, chinos, franceses, suizos o turcos, como si todos fuéramos chilenos, como si el guiño risueño, o el juego de palabras, o las contradicciones lingüisticas y los eufemismo fueran patrimonio universal... No quiero alargar más este paréntesis, pero los espectadores chilenos estamos en ventaja con respecto a cualquier otro espectador de Ruiz: nos damos cuenta mejor que nadie de que ese absurdo cotidiano, esa contradicción entre discurso y realidad, esa impasibilidad ante lo extraordinario son parte de nuestro territorio vivencial, nos pertenecen).

Ver una película de Ruiz es una fiesta para la sinapsis cerebral: incluso para aquellos espectadores que se aburren.

Si uno se hace aficionado a esos estímulos (y no le importa no tener conocimiento ni de un cuarto de esos links), una película de Ruiz puede verse unas seis veces (por decir un número al voleo, pero que también es el número de funciones que tiene un plano, según Ruiz), y en cada pasada las capas que recubren capas se pueden ir resquebrajando, como si estuviera revelando el color con el que había sido pintada por primera vez una pared que se descascara.

Por supuesto, esto no explica la fascinación que produce una película de Raúl Ruiz. Más bien, puede explicar lo contrario. Un espectador habituado a la estructura dramática de los tres actos (es decir, todos nosotros), bien puede aburrirse con películas así de saltarinas, sin conflicto central, si no que, más bien, con variados conflictos elípticos, que van y vuelven en una misma película, casi como planetas orbitando alrededor de un sol. O varios soles.

Qué decir de la constante referencia cultural: tanta cita no solo puede parecer tediosa, sino que bastante angustiosa. Qué estoy haciendo acá que no estoy leyendo. Pero no hay que asustarse: Raúl Ruiz es lo que se llama un name-dropper, un lanza-nombres. Una raza de artista bastante inofensivo. No pretende abrumarnos con su conocimiento, ni reirse de una nuestra "ignorancia". Más bien, nos pide que le sigamos el juego de su propia sinapsis cerebral: como un niño que dice barbaridades en medio de la fiestas familiares para vergüenza de sus padres, Ruiz espera lo mismo de sus interlocutores-espectadores: una mezcla de fascinación y espanto ante la clase de desvaríos en los que puede adentrarse. Borgiano, nuevamente.

Ruiz lo ha dicho en varias entrevistas: "Para qué hacerlo fácil si se puede hacer difícil".

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Hipertexto hecho cine. No dejemos de lado todavía esta idea. Esta noción de hipertexto es la que hace que muchos espectadores simplemente se harten de sus películas, y se salgan de la sala a los 20 minutos, con mucha razón: una película, a diferencia de una página web, es visitada en un tiempo limitado, esto es, lo que dura la película. Podemos estar horas visitando y descubriendo los múltiples enlaces que nos encontramos en una página web; pero de comienzo a fin, no pasamos más de 90 minutos mirando "Días de campo". Hay otro punto: no todos los links son en sí interesantes. Muchas veces, encontrar una página llena de links nos abruma. Muchas veces, preferimos partir leyendo la página en general. Y luego, a veces, nos adentramos en los subrayados.

Por supuesto, el hipertexto es más antiguo que la internet. Nació con los ensayos y los textos académicos, que utilizan notas a pie de página o referencias bibliográficas. No hay nada novedoso en esta construcción en sí misma (autores como David Foster Wallaceincluso ocupan las notas al pie de página profusamente como recurso en sus novelas y reportajes periodísticos, pero también, como una manera de imitar el proceso cerebral de la escritura). Es el lector el que descrimina qué pie de páginas leer, si acaso los lee. A veces, están efectivamente el pie de la página. Otras veces están al final del capítulo.

Las películas de Ruiz tienen marcadas las notas a pie de página, pero al pie de página no hay nada. Está en blanco, como para que nosotros podamos escribirlo.

Por eso, como digo, no hay que exagerar: el hipertexto no es un valor en sí mismo en el cine de Raúl Ruiz (ni en el de nadie); es más bien un síntoma, o si se quiere, un arma empuñada con otros fines. Cuando vemos una película de Ruiz, muchos de sus links quedan en el aire, no conducen a nada; otros, son retomados posteriormente más tarde en la misma película. Hasta el momento no he descubierto links entre sus películas, y si los hay son cirscunstanciales. De otra forma, esta sería la más triste constatación: que es un cine circular, autorreferente, ombliguista.

No me parece, hasta el momento, que ésa sea la idea. Pero que el hipertexto visual existe, existe. Esta constante vinculación, estas asociaciones libres casi deportivas, son "barnizadas" con dos elementos que dan la sensación de un todo, pero que abren nuevas ventanas: la música de Jorge Arriagada (que se pasea por el jazz, la sinfónica y el be-bop como Pedro por su casa) y la presencia de narradores en off que marcan el camino elíptico y laberintico del relato. Es así como encontramos en películas como "Hipótesis de un cuadro robado", o en "Un lugar entre los vivos", no uno sino que DOS narradores literarios: dos voces que conversan o se ignoran, pero que están en pos de la narración de los acontecimientos, o que completan los acontecimientos relatados con sus comentarios.

Quienes han estudiado las películas de Ruiz, como el australiano Adrian Martin, a menudo citan a Jorge Luis Borges (en especial, su cuento "El jardín de senderos que se bifurcan") y a Sigmund Freud (por las asociaciones libres definidas en "La interpretación de los sueños"). Incluso Walter Benjamin entra al ruedo. Pero el extravío y la errancia narrativas no son solo literarias ni solo oníricas. De hecho, podríamos discutir realmente que esto sea un extravío. Esta construcción sucia no es tampoco puro patchwork; por su propuesta, su obsesión y su método de trabajo, las películas de Ruiz me remiten con fuerza a la pintura pop del norteamericano Robert Rauschenberg. Pero, claro, nuevamente este es otro de los links posibles. Por sus entrevistas y guiños mediáticos se parece a Hitchcock; por la composición de sus planos es pariente de Orson Welles; por su gusto por los fantasmas y la construcción surrealista es puro Buñuel.

Ruiz, de nuevo, se parece demasiado a tantos y no se parece a nadie.

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Todo este enredo, este ir y venir y devenir, este hipertexto visual, lo dije más arriba, puede que sea un arma empuñada con otros fines. De momento, lo único que tengo claro es que un arma. Pero no tengo idea todavía para qué fines. (Cortázar escribió "Rayuela", y nadie se preguntó con qué finalidad). Lo que no invalida la pregunta: señor Ruiz, ¿por que hace usted las películas que hace?

Ruiz ha dado algunas pistas. En un largo ensayo publicado en 2004, Adrian Martin cita un par de entrevistas en las que el director habla de la retórica como velo.

Estoy fascinado por el hecho de que la retórica tenga tantas funciones: a veces toma la forma de modestia o de la vergüenza. Si se habla de algo muy personal, uno usa una forma retórica; es una suerte de velo.

Ese "velo", para Martín, y descubrí esta semana, también para mí, esconde una emoción intensa, profunda que es más grande que la retórica que pretende esconderla.

Es ahí cuando se vienen a la mente los mejores planos de Ruiz, sus mejores momentos que son grandes momentos del cine: por nombrar solo dos de esos momentos más cercanos, que más de nosotros hemos visto, podemos recordar el monólogo del profesor loco de "Palomita Blanca" y la conversación con el señor Rubio en "Días de campo", personificado por Ignacio Agüero (si no la han visto tienen que ir a verla ahora ¡ya! Es probable que mañana la saquen de cartelera). Estos monólogos son vitales en ambas películas. En apariencia parecen inconexos. Parecen verborrea pura. Pero... ¿que clase de personas son las que hablan demasiado sin decir lo que realmente quieren decir? Los que son muy modestos o los que tienen mucha vergüenza. Aquellas personas que preferirían desparecer.

En "Días de campo", es más patente aún. El monólogo de Agüero desencadena el final: se dio todas esas vueltas para decir que no tiene ganas de volver a ver a su madre (Bélgica Castro). La misma madre que estuvo a punto de morir para volver a verlo; la que es una abnegada empleada de una casa patronal que espera con ansias las cartas de su hijo. Acá las palabras, la retórica, están usadas como velo, para ocultar una intensa emoción. Corrido el velo, nos hacemos parte de esa emoción, y todas sus implicancias. Nos conmueve.

Y he aquí el descubrimiento: Ruiz es Agüero. Todos esos estudios y propuestas acerca del lenguaje cinematografico, todos los infinitos rodeos narrativos, todas las referencialidades multiculturales, las capas sobre las capas; todas esas películas imposibles de ver que hace Ruiz, son parte del velo de la retórica. Hay cosas de las que no podemos hablar directamente. Una pista clave de esta idea está en una de las citas que abren su libro "Poética del cine". Una cita es a Edgar Wind, un experto alemán en el uso de alegorías en el Renacimiento. Y dice:

"¿Qué es un símbolo? Decir una cosa y significar otra. ¿Por qué no decirlo directamente? Por la simple razón de que ciertos fenómenos tienden a disolverse si nos acercamos a ellos sin ceremonia".

A Ruiz le interesan "esos fenómenos que tienden a disolverse", y le interesa "la ceremonia". Su búsqueda es verdadera. Lo que hay detrás de todos esos "velos retóricos" es verdadero: es una emoción profunda, y muy humana. Toda la secuencia final de "Días de campo", los últimos 15 minutos, están cargados de pena, de "penita" chilena. La pena profunda del costumbrismo: la pena del lacayo fiel, esa pena que el patrón, en su soberbia, cree poder resolver como quien resuelve el menú diario de la comida. Pero que nada tiene que hacer ahí. Es, también, la pena profunda de Chile. La que tratamos de ahogar en bares de mala muerte con la tele prendida, y la que nos deja deambulando como fantasmas. Es esa la pena de la que no podemos hablar, o por modestia o por vergüenza. Lo único que nos queda, apenas, es poder evocarla, errantes, como fantasmas.

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Una última cosa: recién ahora, después de esta sobrecarga de películas de Raúl Ruiz que tuvimos esta semana (y que no pretendo terminar: acabo de arrendar "Diálogo de exiliados" en Bazuca), se me hace más claro el panorama. He quedado muy entusiasmado. El entusiasmo en una emoción bastante mirada en menos por la intelectualidad: se le considera ingenua y efímera. No creo que sea el caso. El entusiasmo (que he podido encontrar, además, en otros críticos que leo muy seguido, como Adrian Martín, Jonathan Rosenbaum y Quintín) viene quizás por el hecho de que estás películas lo dejan a uno como si le hubieran masajeado la cabeza tres veces por semana.

Esta suceción de posteos comenzó con un "¿Debemos tomar en serio a Raúl Ruiz?" (un chiste interno con Hitchcock y el libro de Robin Wood) y creo que a estas alturas, apenas diez días después de haberlo escrito, me doy cuenta que Raúl Ruiz dice las cosas que dice como una consecuencia más de su cine: al igual que lo hacía Hitchcock, Ruiz dice las sandeces más grandes como un juego, pero también, como una manera de ocultarse. Su hablar, su retórica presocrática, lo convierte en un engranaje más de su propio imaginario.

No asistí a ninguna de las conferencias de Ruiz, y me enteré que estaban más llenas que las funciones de sus películas. No culpo a los asistentes: Ruiz es un tipo encantador y lleno de carisma. Su arrastre es cada vez más fiel. Y probablemente esas personas hayan tenido razón: seguiremos viendo las películas de Raúl Ruiz por los próximos cien o doscientos años, pero la posibilidad de ir a verlo personalmente (como si fuera un concierto de una banda de rock) es limitada.

Y una cosa más: estoy orgulloso de todos los comentarios dejados en estos posteos ruizianos. Fui errático en mis argumentos, pero la gente que pasea poor internet es generosa. Dejaron buenos comentarios. El que más me impresiono fue el de Daniel Villalobos sobre su función de "Días de campo" en un cine del centro. Es de miedo, y creo que es la mejor manera de cerrar este posteo y esta semana. A todos, un abrazo:

Momento cine-dentro-del-cine: ayer veo "Días de Campo" en el Hoyts Huérfanos. Sólo habemos dos personas en la sala. Luego entran unas pendejas haciendo la cimarra que hablan por celular, se ríen con Pancho Reyes, no entienden un carajo y se van a los diez minutos.

El tipo de adelante empieza a hablar. Solo. Primero comenta a los actores. Después se discute a sí mismo y compara una escena con alguna clase de match deportivo (estoy algo sordo, lo siento). Después tararea la música. Le hago el ssshhh, aunque en verdad por puro joder.

Ah, mira, había alguien más en la sala, imagínate, dice. Como que habla con otro (por un segundo pensé que tenía un enano en la butaca de al lado). Sigue comentando la acción y -esto fue de gran ayuda para un provinciano como yo- nombrando las calles y el nombre de los bares y los actores y lo que comían. Se convirtió como en un comentario de audio.

Al final, luces. Me paro rajado porque no le quiero ver la cara, pero el tipo es más rápido, se para, gira...y era (no recuerdo su nombre) el profesor de Palomita Blanca, el que monologaba sobre un colega fresco. Más gordo, más viejo, con unos lentes oscuros estilo DINA, pero era él. Un personaje de la película se había arrancado a verla.

Taba güena, murmuró, pasando por el lado mío, pero como al aire. Yo, de puro cortés (de puro huevón) hice como un mmmmm de asentimiento.

Pero la verdad es que estaba güena.

RUIZ: Qué lindo es ser eurobasura

2005-10-27T09:36:00.000-03:00

Ayer fue la función de "Aquel día" (Ce jour-lá), una película suiza de Ruiz, que es una sátira sobre la burocracia suiza, y de alguna manera, sobre la demencia que subyace debajo de tanto orden y civilidad.

Ya saben: los suizos. Los suizos, con su banderita roja con la estrella blanca son un ejemplo extremo, casi sicópata, de limpieza y orden. Yo estuve en Ginebra hace un par de años, y me quedé con la sensación de haber estado es una gran juguetería de los años 30, con tranvías que cruzan la ciudad, y cuatro o cinco semáforos en cada esquina, uno para cada usuario (hay semaforos para autos, buses, ciclistas, peatones y motos). En el suelo están pintados las vias por las que deben avanzar cada uno de ellos. La gran atracción suiza es un ridículo chorro de agua que en verano dispara agua sobre el río Ródano. Es ciudad de burócratas de la ONU, la Cruz Roja Internacional, la Organizacion Internacional del Trabajo, y varias más así. Gente con mucho dinero que no hace nada. Es, también, una de las ciudades más caras de Europa: ir a un restaurant es un crimen.

No es casualidad, entonces que los personajes de Ce Jour-lá sean miembros de una familia de adinerados que no hace nada, más que tramar cómo deshacerse de Livia, un mina flaca y media loca que hereda toda la fortuna de su madre difunta. Por el otro lado, un asesino que se fugó del manicomio de la ciudad (¡porque alguien dejo la puerta abierta!), llega hasta la casa donde Livia vive sola... ¡y empieza a matar a todos los que vienen a matar a Livia!

Mientras loca y loco se entienden, el resto del clan es un grupete de "malos mentirosos" (gente que no sabe mentir), entre los que se encuentra el inspector de la policía (que sufre constantes calambres en las manos), y su ayudante Ritter, que tiene una idea brillante para resolver la fuga del asesino: no hacer nada. O hacer como que no se hace nada para que los demás crean que no hacemos nadas y así poder hacer nuestro trabajo con tranquilidad. Algo que podríamos llamar el manifiesto burócrata.

Así, la policia se la pasa en un restaurant, y la familia de Livia va muriendo, uno por uno, en la mansión. Los dialogos entre los dementes son cosas como:

"Me gusta tu nombre. Viene de tu rodilla".
"Dejarla sola en esta casa... donde ronda el diablo".
"Vaya despelote el que tienes dentro" (Livia tocando la cabeza del asesino).
"Usted es un angel. Tengo la teoría de que toda persona que cae al suelo es un angel".

Hay otras referencias a las multinacionales, simbolizadas por un ingrediente para ensaladas llamado Salsox, y que esta omnipresente en toda la película. En una escena en el restaurant, todos los comensales sacan Salsox del bolsillo y lo ponen sobre la mesa. Y luego lo vuelven a guardar.

Así es más o menos Ce jour-lá: más o menos. Hay referencias bastante burdas (un hombre en el restaurant resuelve un crucigrama con fotos de las caras de los protagonistas de la película... ¡oh, sí, esta película es un puzzle!), el humor es muy suizo (lo digo en serio), aunque está muy bellamente filmada. En el primer ataque que hace Emil Pointpoirot, el asesino, a Livia está filmado con deformación de la imagen (como ocurría a menudo en el cine B de los 50s) y es bien aterrador. El trabajo de cámara es muy apretado: casi no hay profundidad de campo en ninguna toma, y se ocupan muchos primeros planos al rostro (el rostro de Livia es para verlo por horas): lo mismo con el uso de la música, que constantemente busca escapar de no ser una heramienta de suspenso. Pero como película es poco exploratoria: es como esos poemas de Nicanor Parra, hechos para la tribuna, donde los espectadores ríen en cada verso.

****
No quiero dejar de mencionar el episodio de Raúl Ruiz que aparece en "A propósito de Niza" (À propos de Nice, la suite 1995). La película es un "encargo cinematografico" hecho por el municipio de Niza para celebrar vaya a saber uno qué, y que está en directa referencia a un documental llamado igual, de 1930, dirigido por Jean Vigo. La estructura es un compilado de siete viñetas dirigidas por ocho directores: Abbas Kiarostami y Parviz Kimiavi (el primero), más Catherine Breillat, Claire Denis, Raymond Depardon, Pavel Lungin, Costa-Gavras y, el último, Raúl Ruiz. Fue la primera de las exhibidas en este ciclo, y el episodio de Ruiz bien podría ocuparse como un excelente punto de entrada a sus películas. Es onírico, es alegórico, es un espiral. La constante dualidad (somos dos personas, y esas dos personas son también otros dos) está perfectamente representado en la figura de una mujer que es "perseguida" o es "la perseguidora" de un personaje obsesionado con ella, interpretado por el fallecido Andrés Perez (sí, claro, el mismo de "La Negra Ester"). En el corto está presente la voz en off (el relato paralelo) tan típico de las de Ruiz, está los planos compuestos por otros planos, y las imagenes reflejadas en sí mismas (Pérez sostiene en sus piernas un espejo con un orificio al medio, que puesto frente a otro espejo, refleja a Perez decenas de veces). El corto es sencillo, acaso si se puede decir eso de algo filmado por Ruiz.

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No se pierdan hoy "Un lugar entre los vivos" (Une place parmi les vivans, 2003). Un abrazo.

RUIZ: Fundos extraviados

2005-10-26T07:35:00.000-03:00

“Como seguramente nunca me han visto, voy a presentarme. Soy el más conocido de los directores desconocidos. Así, por lo menos, me definió un crítico inglés hace treinta años y la frase continúa siendo cierta. Tal vez se deba a que no hago películas de aventuras, de amor ni de efectos especiales. Aunque en mis películas hay aventuras, amor y efectos especiales. Por ejemplo, esta es una película de aviones, pero como no teníamos muchos aviones tuvimos que hacer volar la cámara.”

Ayer fui a la función de las 10 de la noche de "El fundo perdido" (en el programa, "El dominio perdido", Le domain perdu, 2004), la película de aviones de Ruiz. Podríamos decir que es una película de aviones, que incluye a un cazador de tesoros, piratas, fantasmas, valiosos mapas que no sirven para nada y, efectivamente, cámaras voladoras.

Si existe un desafío para alguien que escribe de cine, es describir con justicia la trama de una película de Ruiz. Vamos a tratar. Pero vamos a hacerlo de la única manera posible: dando cuenta de que son películas sin un eje central, sino con multiples eventos que están desparramados como estrellas en el cielo, y que el espectador puede unir libremente para dibujar figuras. Convengamos que lo de las estrellas no es casualidad: no son las mismas las estrellas que vemos una noche u otra. Lo mismo ocurre con las película de Ruiz: son mecanismos vivos, mutantes, casi cronenbergianos, que cambian con el tiempo.

“Quisiera terminar citando a dos escritores. Uno es el filósofo Blaise Pascal, al que ustedes conocerán muy bien o, al menos, habrán oído hablar de él. Decía Pascal que todo lo que el hombre hace proviene de que no soporta estar solo en una habitación durante una hora. Y en este momento, ustedes van a pasar dos horas solos frente a la pantalla, así que les deseo suerte. El otro escritor es Jules Renard, que dijo que sus obras se debían releer antes de leerlas. Con mis películas sucede algo parecido. Así que les deseo que hoy revean El dominio perdido para que algún día puedan llegar a verla.”

1) DE QUÉ SE TRATA "EL FUNDO PERDIDO", VERSION CORTA: Esta es la amistad de dos hombres, a través de casi 70 años, unidos por los aviones, un tesoro perdido, una experiencia fantasmal, un libro y las mujeres.

2) QUIÉNES SON LOS PERSONAJES PRINCIPALES DE "EL FUNDO PERDIDO", VERSION CORTA: Uno es un aviador francés llamado Antoine Renaud, quien se extravía en su bimotor, y aterriza en los años 30s en un campo en el sur de Chile. Allí es bien recibido por una familia de campesinos que le da de comer. El hijo menor de esa familia es el otro personaje principal de esta historia, Máximo Miranda, un niño de unos 8 años. Un día que Máximo anda intruseando en el avión de Antoine, éste lo castiga con un cachetazo ("por la chupalla el gobierno, aquí no hay justicia", sale alegando Máximo) y desde entonces se hacen amigos. O Antoine se establece como un nuevo y misterioso padre para Máximo.

Máximo, el niño chileno, crece, se hace aviador y en la película lo vemos en otros dos escenarios: en Londres, en la Segunda Guerra Mundial, haciendo vuelos de reconocimiento para los aliados; y en 1973, en Chile, el día mismo del Golpe Militar, cuando recibe la misteriosa visita de un joven francés y su novia. Ese joven francés resulta ser el hijo de Antoine, quien viene a hacer preguntas sobre su padre. El relato que hace Máximo, de aquí en adelante, es la narración que une la película. Lo que veremos en adelante, muy común en las películas de Ruiz, son recuerdos y evocaciones de ese relato.

3) QUÉ UNE A LOS PERSONAJES PRINCIPALES: Antoine y Máximo están unidos por la sed de aventura. Antoine despierta esa sed en Máximo. Antoine es un cazador de tesoros. Cree en la existencia de tesoros perdidos, y con Máximo van en la búsqueda de uno de esos tesoros. También los unen los piratas: Máximo es asiduo seguidor de radioteatros de piratas, pero le parecen personajes inexistentes, hasta que Antoine le cuenta que los piratas sí existieron, y que incluso él tiene antepasados piratas.

4) QUÉ AVENTURAS VIVEN ANTOINE Y MAXIMO: Podríamos decir que Antoine y Máximo viven dos aventuras. O dos y media. Las primeras dos aventuras ocurren en los años 30s, a poco de conocerse. El relato de estas aventuras puede ser un poco extenso pero por lo menos digamos que en la primera, con la ayuda de unos indios coya que juegan a la pelota sin arcos ni equipos, descubren un tesoro de monedas y mapas que no sirve para nada.

En la segunda aventura, Antoine y Máximo van en una camioneta y se quedan sin bencina en un campo lejos de casa. Es un desierto, un lugar lleno de animitas que repentinamente se llena de peregrinos (trabajadores comunistas, al parecer) que luego desaparecen. Intrigados, Antoine y Máximo salen en su búsqueda, y se encuentran con una mansión colonial donde hay una fiesta. Casi una fiesta colonial: los trajes son muy elegantes y anticuados. Y estos invitados bailan una especie de cueca de salón, con pañuelos al aire y agrupados en círculos. Máximo se queda dormido. Antoine, en cambio, flirtea con una mujer llamada Ivonne. "¿Por qué se ríe?", le pregunta a ella. "Me río porque soy seria", le responde.. Y continúa: "Y soy seria porque usted me da la impresión de conocerlo de antes". Luego los invitados se congregan al amanecer a mirar por las ventanas unos fuegos artificiales, algo que según ellos, es "la ciudad que aparece".

La ultima media aventura ocurre ya en 1942, en plena Segunda Guerra Mundial. Máximo, lo dijimos, se ha hecho aviador y al parecer, trabaja para los aliados (su uniforme tiene una etiqueta que dice "Chile" bordada en el hombro). Antoine aparece. Y le pide que le enseñe a manejar los nuevos aviones, lo que resulta infructuoso.

Más tarde, Máximo se da cuenta de que la vida de Antoine aparece descrita, detalle por detalle, en un curioso libro de aventuras. Más raro aún, ese libro, llamado "El gran Meaulnes" Máximo se lo tuvo que aprender de memoria por recomendación de su tío, por ser ésta la mejor manera de aprender francés. Memorizándolo, le dijo el tío, "se aprenden cosas que ni los franceses saben de ellos mismos".

Cuando Máximo descubre esto, que la vida de su amigo Antoine alguien ya la había escrito en un libro, le pasa "El gran Meaules" a Antoine para que lo lea. Más tarde, Antoine emprende un vuelo de reconocimiento para tomar fotografías al campo enemigo. Y nunca más vuelve. Esto es anunciado por Antoine: "Las cosas resultarán bien, pero no nos volveremos a ver", le dice.

A Máximo le dan la misión de ir a avisarle de la desaparición de Antoine a su única hija, que vive en París. Cenan juntos, hablan del libro ("nunca lo lei porque nunca lo pude conseguir", le dice ella) y de la posibilidad real de terminar en la cama.

Más impotante aún, la hija de Antoine le cuenta de la infancia de su padre: le cuenta que su padre la raptó de la casa de su abuelo en 1922. Y que el autor de "El gran Meaules" era el mejor amigo de Antoine... que murió en 1914. Maz se queda masticando estos datos y estos años. Y algo no le calza...

Esta escena se empalma en paralelo con una que transcurre 30 años después, en Chile.

5) QUÉ OCURRE EN CHILE EN 1973: Todos los hechos relatados anteriormente transcurren en secuencias que van y vuelven en el tiempo, con un eje en relato que hace Máximo a Augustin, el hijo de Antoine, la mañana misma del 11 de septiembre de 1973 (no olvidemos, una mañana de aviones).

En esa mañana, mientras Máximo se encuentra escuchando un concierto para piano, y mientras se oyen explosiones en la calle y comunicados militares en la radio, Maximo recibe la visita de Augustin y su novia. Augustin viene herido de un brazo, y ha venido desde Francia para hacerle preguntas sobre su padre. Luego de escuchar ese relato (que conforma el 80% de la película), una patrulla militar viene a allanar la casa y se lleva detenidos a los tres personajes.

Por sus contactos con la embajada francesa, Máximo logra zafar de la detención, pero no así Augustin. Máximo y la novia de Augustin va a comer al que debe ser el único restaurant que permenece abierto el 11 de septiembre de 1973. Mientras comen Máximo, tiene una revelación: la novia de Augustin le recuerda otra mujer: la hija de Antoine.

Aquí nos enteramos que después de esa noche de 1942 en Paris, Maximo y la hija de Antoine tuvieron un hijo que Máximo nunca conoció.

6) CÓMO TERMINAN LAS AVENTURAS DE ANTOINE Y MÁXIMO: Estamos en la época actual (¿2004?). Máximo debe tener unos 80 años. Está sentado en una ceremonia en la Embajada francesa en Santiago. Ve cómo otros ancianos son condecorados. Y el joven que lo acompaña le dice que no se preocupe, que el próximo año le va a tocar a él.

A la salida de la ceremonia, el joven le dice que le tiene una sorpresa: lo lleva a una casona a las afueras de Santiago (¿Pirque?). Allí se encuentra con un vital anciano, más anciano que él, pero más energizado: es Antoine. Máximo casi no puede creerlo y hablan de cualquier cosa, mientras comparten un aguardiente de Chillán. "Yo era un cazador de tesoros", le dice Antoine, "pero tú eras un encontrador de tesoros".

Quedan hablando varias horas ("me reí como no me había reído en muchos años", dice Máximo). Antes de irse, en el umbral de la puerta, Maximo desea resolver una última duda. "¿Cómo es posible...?", le pregunta Máximo, "¿cómo es posible que hayas raptado a tu hija en 1922, si el autor del libro donde aparece eso murió en 1914?". "Así son las cosas", le responde Antoine, como buen fantasma francés. "A él siempre se le ocurrieron las cosas antes a mí".

La película termina como si fuera una clásica aventura de fantasmas y aviadores del cine norteamericano de los años 40s. El joven que acompañaba a Máximo en la ceremonia final aparece despidiéndose con un saludo militar, mirando al mar, lo que nos hace pensar que quizás él es hijo perdido de Máximo. La cámara se acerca al cielo, y vemos un cartel que dice FIN que se acerca a la cámara.

****

Es curioso, pero es muy sensato que una historia como esta no provoque ni el más mínimo interés en muchas personas. No solo es sensato, sino que después de releer lo que acabo de describir, me parece hasta entendible. Pero si uno entiende eso, también deben tenerle paciencia ante la aura de fascinación que una película como esta puede provocar en uno.

Primero, es interesante la reconstrucción contante que hace Raúl Ruiz de Chile, y en especial, del mitológico Chile de su infancia, y cómo se mezclan esas experiencias sensibles (que el recuerda con mucho cariño en esta y otras películas) con sus experiencias intelectuales (que el atesora con no menos cariño). Ruiz mete todo eso en esa licuadora que es el cerebro humano cuando duerme, y lo trasnforma en una película.

No me parece de mayor sentido hacer una lectura de los simbolismos que puedan estar en la película. Lo más probable que una lectura freudiana haga una interpretación literatosa y única de los personajes, y nadie se banca a estas alturas algo así.

Pero me interesan dos cosas, que están en la reflexión constante que hace Ruiz del cine mismo: las figuras de los fantasmas y los dobles (los doppelgänger).

No voy a explayarme aquí de esos temas: pero me parece que es interesante que pongamos atencion a los encuadres fantasmales, a los lentes angulosos, a los planos contracenitales (¿existe esta palabra?), y a los múltiples espejos y reflejos que veremos en las películas de estos días. Olvidemos por un segundo las constantes referencias literarias (muy borgianas) de Ruiz. No lo escuchemos hablar. Por un momento, veamos los espíritus errantes de deambulan por sus películas. A ver si se animan...

Hoy son las funciones de la esperada "Aquel día" o "Ese día" (Ce jour-la), que fuera Selección Oficial en Cannes 2003, el año de "Dogville", "Elephant" y "Río Místico". Yo voy a la función de las 14:30 hrs. Un abrazo.

RUIZ: Quintin y "El dominio perdido"

2005-10-25T19:53:00.000-03:00

Urgente: "El dominio perdido" es posterior a "Días de campo", que se estrena el jueves. La dan hoy, por ultima vez, a las 10 de la noche en Cine Hoyts La Raina. Para entusiasmarse y prepararse, esta muy interesante nota de Quintín en Trabajos prácticos.

¿Debemos tomar en serio a Raúl Ruiz?

2005-10-24T08:10:00.000-03:00

Esta semana tenemos a Raúl Ruiz en Chile. Y la visita de este año viene a confirmar la búsqueda de todo chileno que vive en el extranjero: uno se va de este país para que lo echen de menos.

Irse de Chile es el mecanismo perfecto para mostrar nuestros afectos: nos alegramos de que la gente se vaya (por fin nos dejan tranquilos), y cuando ya se han ido, lo único que queremos es que vuelvan (por lo menos, por un rato). Padecemos de esquizofrenia social pura. Quizás esto se deba a que tenemos grandes problemas para convivir, y conversar, y debatir entre nosotros. Y quizás nos gustan más las fiestas y las despedidas, que la vida diaria. Puede ser.

El punto es que para alguien como Raúl Ruiz, se hace muy cómodo ir y volver todos los años. El lo sabe y nosotros lo sabemos. Está cerca y lejos al mismo tiempo. Cuando viene, siempre se lo recibe con los brazos abiertos. Y cuando se va, se le despide en el aeropuerto, con pañuelos en la mano, pensando: ¿de qué planeta salió este viejo loco?

Año a año va creciendo el culto ruiziano. Tanta ida y tanta venida no han sido en vano: como Ruiz se va y vuelve todos los años por cualquier motivo (para filmar una película, o para estrenarla o, simplemente, para tomar borgoña en algún local de Valparaíso), ya lo tratan como a la Virgen: un grupo de voluntarios se anota cada temporada para recibirlo y sacarlo en andas alrededor de la plaza. Raúl Ruiz, con la sonrisa esquiva, acepta la juerga. Le entusiasma. Y da entrevistas. Decenas de entrevistas.

En esas entrevistas Raúl Ruiz dice las sandeces más grandes (lúdicas, pero también superficiales) que uno puede escuchar a una persona. Se produce en el efecto Parra: sus interlocutores, a menudo, se le quedan boquiabiertos, ríen nerviosamente (ríen demasiado, como si todo lo que dijera fuera chistoso) y aplauden como bobalicones. Es la entrevista por demolición: cada frase del entrevistado no tiene capacidad de ser contrapreguntada. Paradoja sobre paradoja, poco se habla con Raúl Ruiz de sus películas (así como poco se habla con Parra de su poesía).

Esta semana, tuve la suerte de estar con quien fuera un compañero de curso de Raúl Ruiz en los años sesentas, cuando estudiaba dramaturgia en la Universidad de Chile. Y me hablaba de esto: que Ruiz se está rodeando de demasiados cortesanos, que desmayan ante cada palabra que sale de la boca del director. "Está hablando puras huevadas", me decía, "y todos las escuchan como si fueran revelaciones de los misterios del arte". Y agregaba: "Eso va a terminar por hacerle mucho daño a Raúl".

No lo sé. Quien sabe. Es una manera de verlo. Quizás Raul Ruiz dice y habla esas ridiculeces-que-parecen-profundas-reflexiones por deporte. Porque poco tiene que decir sobre sus películas. Porque quizás, como lo cree Jonathan Rosenbaum, sea el heredero directo de Orson Welles. Y es probable que todo sea un chiste, un largo y borgiano chiste en el que se citan libros y teorías inexistentes como mecanismo defensivo ante el aburrimiento.

Lo que sí está claro es que si dan una película de Ruiz cerca de tu casa, tienes que ir a verla. Eso de seguro. Este año, la procesión de Ruiz viene acompañada de siete de sus películas más recientes, que serán mostradas desde este martes y hasta el viernes en el Cine Hoyts de La Reina. Será una oportunidad única de ver en 35mm cintas como "A propósito de Niza" (1995, con otros seis directores, el martes), "El dominio perdido" (2004, también el martes), "Un lugar entre los vivos" (2003, el jueves), "Las almas fuertes" (2000) o "Genealogías de un crimen" (1996, ambas el viernes). No son muchas referencias las que tengo de sus películas (quiero decir, no he visto ninguna de las que aquí se van a mostrar), pero sí puedo decir algo de "Ese día" (Ce Jour-là, 2003): dejó muy impresionados a un par de amigos cinéfilos que pudieron verla en Bafici 2003. Dicen que algo tiene de cine negro, algo de expresionismo, algo de comedia. Suena bien. La dan el miércoles.

Más curioso todavía es el estreno comercial de "Días de campo", la última película de Ruiz filmada en Chile, basada en el libro de cuentos de Federico Gana (primo de Alberto Blest Gana), que el director habría leído a los ocho años, película protagonizada por Marcial Edwards, Bélgica Castro, Poli Délano, Francisco Reyes, Rosa Ramírez y Amparo Noguera. No olvidemos que esta es la primera película de ficción de Ruiz que filma en Chile desde "Palomita blanca".

En este blog seguiremos con cuidado el desarrollo de esta muestra, así como las conferencias con académicos franceses el martes, miercoles, jueves y viernes entre 18:30 y 20:30 hrs, también en Cine Hoyts.

VALDIVIA no termina

2005-10-23T18:38:00.000-03:00

De último minuto, y cortito: Matías Bize es entrevistado hoy en "Artes y letras"; Fuguet escribe sobre Ezequiel Acuña y "Como un avión estrellado"en el Radar, en Página 12. Y la presidenta del jurado del Festival, Verónica Cortínez, envió una carta a los diarios criticando la cobertura, que aparece reproducida en el correo semanal que manda Chileindependiente. La carta es la siguiente (las negritas son mías):

Historias del Cine Chileno

Como presidente del jurado del reciente Festival de Cine de Valdivia me veo en la obligación de corregir ciertas inexactitudes publicadas en " El Mercurio" y en otros diarios nacionales en torno a las premiaciones al mejor largometraje y al mejor largometraje chileno de este año. Estas inexactitudes se han reiterado a raíz del Festival de Cine de Viña del Mar y del Día del Cine, y me temo que con cada repetición parecen adquirir mayor veracidad. Aunque los errores son varios, me centro sólo en los dos más significativos, con la esperanza de facilitarle el trabajo a un futuro historiador de nuestro cine más reciente.
Bajo el titular “Valdivia ignora al cine chileno”, El Mercurio (7 de octubre, C18) inventa una polémica debido a que el premio al mejor largometraje lo obtuvo El niño dormido, una película belga-marroquí de Yasmine Kassari. El cine chileno estuvo muy bien representado con cinco largometrajes, y el jurado lo midió con la misma vara que usó para evaluar el mejor cine internacional; esto debería ser motivo de satisfacción. Parece que fueron los periodistas quienes ignoraron parte de la muestra presentada en Valdivia. Cabe destacar la honestidad del periodista de La Nación, quien me confesó algo avergonzado que ninguno de los periodistas había visto la película ganadora, pues especulaban que ganaría una de las chilenas. No sería mala idea instituir en el Festival de Valdivia un premio del público, pues el jurado oficial no siempre coincide con las expectativas nacionales o de algún periodista. Como se sabe, el premio del público del Festival de Viña recayó en Olga, una película brasileña, lo que demuestra que es falsa la suposición de que el público chileno se inclinaría necesariamente por una producción nacional.

Valdivia no sólo no ignoró al cine chileno, sino que este año incluso tuvo un premio adicional para el mejor largometraje chileno. Este premio no fue “inventado a última hora, a pedido del Ministro de Cultura, José Weinstein” (Las Últimas Noticias, 7 de octubre, 33), ni “instituido recién en los últimos días del festival” (La Tercera , 7 de octubre, 56), cosa que repite El Mercurio hace unos días al decir que “se inventó un premio a último minuto para la producción nacional” (16 de octubre, C21). Este premio surgió por iniciativa de Televisión Nacional en mayo y estaba especificado en las bases de la competencia. Nuestro jurado operó desde un comienzo sabiendo de su existencia. De manera unánime y con gran entusiasmo, le otorgamos este premio a Mi mejor enemigo de Alex Bowen, con el único criterio de su calidad cinematográfica. En este sentido, es incorrecto lo que El Mercurio publica ayer bajo el título “La vedette del año” donde se dice que “algunos lo vieron como un pie forzado” o que el premio pudo deberse a que “la cinta será la representante chilena en los Premios Goya” (18 de octubre, C17).
Es cierto que el Festival de Viña premió la película chilena En la cama de Matías Bize, que no obtuvo distinciones en Valdivia. Si uno quisiera inventar una nueva polémica podría cuestionar por qué en Viña hubo sólo dos películas chilenas en la competencia o por qué no se preseleccionó Se arrienda de Alberto Fuguet, que está teniendo gran éxito de público en todo el país. En Valdivia hubo tres premios para películas chilenas y en Viña hubo tres premios para películas chilenas. En lugar de crear conflictos donde no existen, deberíamos alegrarnos por la cantidad de películas chilenas que se hacen actualmente y cuya calidad reconocen jurados internacionales de todas partes.

En estos momentos escribo un libro sobre el cine chileno de fines de los años sesenta y me sorprendo con frecuencia ante la gran cantidad de errores de este tipo que distorsionan y confunden la historia de nuestro cine. Ahora he sido testigo directo de cómo se producen estos errores, que por lo general nadie se encarga de rectificar. Creo que es mi deber recordar la enorme responsabilidad que tienen los periodistas de entregar datos confiables y la responsabilidad paralela de los editores de verificar con pulcritud la información que entregan al público actual y a la memoria histórica.

Verónica Cortínez
Ph.D. Harvard
Catedrática de UCLA
Directora Residente del Centro de Estudios de la Universidad de California en Chile

Solo quiero decir una cosa: just for the record, yo también estoy trabajando en un libro del cine chileno de los sesentas (diablos, ¡ya no se puede crear con las ventana abierta!). Y es curioso, si uno tiene ese cine en la cabeza, no descubrir la conexión directa entre quienes formaron ese cine y la nueva generación de directores (Campos-Bize, especialmente). Más aún, las críticas a la prensa las comparto, pero acá están puestas en el contexto de argumento defensivo. ¿Qué importa la cantidad de premios que otorga un festival u otro? Lo que importa es quiénes reciben esos premios. Los premios son política: son mensajes. Son cartas a la historia. Eso, cualquiera que haya sido jurado en algún festival lo sabe. Y el mensaje de Valdivia de este año fue: "¿Había una nueva generación de directores, con propuestas que no veíamos hace años en Chile? Bah, ni me di cuenta".

Hoy en La Segunda, Mañana en Cinemax

2005-10-21T15:08:00.000-03:00

Marco Antonio Pinochet, minutos después de prontuariarse:
"Fue como ir a sacar pasaporte".
"¿Y su madre, hará el trámite?". "Ella tiene sus abogados, tiene otra edad... es mucho más complicado este trámite".

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Mañana en Cinemax dan "Spellbound", un casi-premiado y bien recibido documental sobre las competencias de deletreo que hacen en las escuelas norteamericanas. O sea, del sub-género "gente compitiendo como una metáfora de la sobreviviencia". La película se enfoca en ocho competidores, de todo tipo, todos menores de 10 años, que llegan a la gran final en Washington. No la he visto, pero mucho he leído sobre ella. Mañana sábado, a las 18:15 hrs, en el canal 50 de VTR, veremos. Que tengan un buen fin de semana.

Aysen llama

2005-10-20T09:42:00.000-03:00

Se me pasó un "detallito" en lo de ayer respecto a Aysen: de los creadores de Ralco, ahora se nos vienen otras cuatro centrales hidroeléctricas que están planeando construir en los ríos Baker y Pascua... en el mismo golpeado Aysén de las salmoneras, y de Alumysa. Hoy el gerente de Endesa se frota las manos de gusto.

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Esto es lo que dice el comunicado de prensa de Endesa (las negritas son mías):

En las reuniones la empresa realizó una presentación sobre las principales características del proyecto y escuchó las inquietudes de los participantes. La comunidad aysenina se mostró muy agradecida por la información entregada y la transparencia de la compañía, mostrándose proclive al desarrollo de los proyectos en la línea de lo planteado por la empresa, con un estricto respecto al medioambiente y al entorno social.

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Algo más. La entrevista del nuevo gerente de Endesa en El Mercurio no es casualidad: en El Diario Financiero va hoy otra entrevista a Rafael Mateo, y según el título, esto es parte de su campaña para pedir el apoyo del gobierno a estas centrales hidroeléctricas.

O sea, esto recién comienza.

"OVAS DE ORO": El documental sobre la industria salmonera que hay que ver

2005-10-19T08:03:00.000-03:00

Voy a hacer una indiscreción: en el último mes tuve un segundo trabajo. De fin de semana. Y en las noches. Fui jurado pre-seleccionador del próximo Festival Internacional de Documentales de Santiago, FIDOCS. El festival será en la primera semana de diciembre. Mi pega fue ver 48 documentales, y elegir, junto a otros dos miembros del jurado, las películas que van a competir por el primer premio del festival de este año.

Imaginen como queda la cabeza después de ver 48 documentales. Pero peor es como queda la conciencia. Esta frase se la voy a robar a mi mujer: el documental es reflexión. Es ver el mundo que tienes al lado y pensar sobre lo que ves. Documental sin reflexión no es documental. Cuando no hay reflexión en la mirada, obtienes registro (cuando grabas el cumpleaños de tu hermano chico). O documento (cuando tienes la oportunidad única de grabar, por ejemplo, los aviones que bombardearon La Moneda). Esta última parte de la idea no se la robé a mi mujer. Se me ocurrió a mí mismito.

Así, ver 48 documentales chilenos es una oportunidad única. Es poder ver, prácticamente, todo lo que se hace en Chile en un año. Lo que, uno, no es poco. Y dos, es cada vez más interesante. El año pasado hice el mismo trabajo, y la verdad, es impactante ver cómo han aparecido una gran cantidad de directores jóvenes, de escuelas, algunos primerizos, que agregan reflexión a lo que graban. Que hacen verdaderamente documentales.

Esta experiencia, sumada a la de Valdivia, me tienen la cabeza dada vuelta desde hace varios días. No dejo de pensar en salmones. Los salmones y las salmoneras que los crían en el sur. Los salmones son la nueva pelea. La que ayer era Ralco, que se perdió porque yo, como muchos de ustedes, me importó un coco. Ahora ya no se puede hacer nada. Ni siquiera tomar conciencia. La cagada está hecha. Ralco tiene a personas sufriendo el desarraigo maldito de que un buen día te echen de tu casa, y sepulten el cementerio de tus familiares bajo millones de litros de agua. Yo, ahora, tranquilamente, puedo dejar la puerta abierta del refrigerador toda la noche. Puedo pagar la cuenta.

Tomar conciencia es un proceso íntimo. Es curioso, porque se necesita del resto para tomar conciencia. Se necesita de conversaciones, intercambio de información, lecturas recomendadas, pero las conclusiones las tiene que sacar uno, y nadie más que uno, en su soledad.

En este trabajo de fines de semana vi mucho. Vi estupendas películas que apelaron a mi lado cinéfilo. Pero otras removieron otros lados de mí. En Chile, me atrevo a decir, estamos haciendo mejores documentales que ficción. Lejos mejores. De los estrenos chilenos de este año, ninguno me ha removido demasiado (a excepción de "La sagrada familia", pero esa es del próximo año). Pero de una u otra forma quedé impactado con los 12 documentales que elegimos para la selección del festival.

Son películas que me han dejado deambulando por las calles. Son de esas películas que te tapan los oídos: alguien te dice algo, y no lo escuchas. Estás escuchando tus pensamientos. Bueno, te tapan los oídos, pero te abren los ojos.

No estoy autorizado a decir ahora qué películas seleccionamos. Recién deliberamos esta tarde. Los seleccionados deben ser avisados apropiadamente. Y hay que guardar respeto por los que no quedaron.

Pero debo decir algo: esta mañana, a la pasada, vi El Mercurio que estaba sobre mi cama y encontré esta nota. Esta simple nota:

Es una noticia cualquiera. Pero bastante reveladora. Fíjense como está escrita: el estilo indirecto tan propio de El Mercurio. No se cuenta el problema: se cuenta la respuesta oficial al problema. De la misma manera que, en los ochentas, uno podía leer: "Gobierno rechaza críticas de la oposición", sin aclarar cuáles eran esas críticas. No se informa: se da cuenta del ninguneo al problema.

Pero el problema está. Se puede ver, muy bien explicado, en el documental "Ovas de oro", de Anahí Johnsen y Manuel González. Esas críticas no son críticas, realmente: son datos de información. Datos como los siguientes:

Chile es el quinto país pesquero del mundo.
Y Chile es el segundo lugar, solo después de Noruega, entre los países productores de salmón del mundo. O sea, le hacemos al salmón.
Los salmones no se pescan: se cultivan en el mar. Eso hacen las salmoneras.
El 80% de esa gigantesca producción sale de una sola región de Chile: la región de Los Lagos, la XI Región.
Si bien esta industria ha generado 1.400 millones de dolares, la región de Los Lagos sigue viviendo en la pobreza.
No solo eso: los trabajadores del salmón ha acusado innumerables veces de maltrato laboral.
Una mujer sufrió de un aborto por no ser autorizada a dejar su puesto de trabajo cuando dijo sentir dolores de pérdida.
El 80% de los trabajadores gana menos de $200.000.

No solo eso:

Chile es también el primer productor del mundo de harina de pescado.
¿Para qué sirve la harina de pescado? Fíjate que curioso: La harina de pescado es el principal alimento de los salmones que se cultivan en el sur.
De hecho, para que un salmón suba un kilo de peso, debe comer dos kilos de harina de pescado.
Y se necesitan 4 a 5 kilos de jurel o anchoveta para fabricar 2 kilos de harina de pescado.
Curiosamente, los habitantes de los pueblos cerca del litoral, según el INE, son los que comen menos pescado en su dieta. Es caro para ellos.

Okey. Hasta aquí otra injusticia social. Hay tantas, ¿no? Pero el documental sigue:

Para capturar esos millones de kilos que jurel y anchoveta que alimentan a los salmones, se practica "pesca de arrastre", también llamada "dirty fishing".
Lo de "dirty" viene porque para pescar se utilizan redes que avanzan por el fondo de suelo marino.
El "dirty fishing" agarra los pescados, pero también arrasa con todo lo que encuentra: algas, esponjas, corales de siglos de existencia son destruidos en segundos. Se crean verdaderos desiertos bajo el agua.
La "dirty fishing" está prohibida en los países desarrollados, como Noruega. No en Chile.
La situación del fondo marino es el secreto mejor guardado por la industria salmonera.

Hay más: las principales autoridades del sector pesquero son todos DC, con íntimos contactos con la industria pesquera; para que no enfermen los salmones, se agrega antibióticos a la harina de pescado (los antibióticos hacen que las bacterias, patógenas para el hombre, con los años se hagan inmunes); y la matanza de lobos marinos es habitual en la región de Los Lagos: los lobos marinos rompen las redes de los salmones, afectando el negocio.

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Qué decir. Temazo. Impactante. Más atención me llama que nada de esto se habla en los medios de comunicación. O aparece como en la nota antes dicha: ninguneado. Los directores e investigadores de "Ovas de oro" en la película incluso viajan a Noruega a entrevistar a los dueños de las salmoneras que funcionan en el sur de Chile. Y ellos dicen: "No podemos ser noruegos en Chile". Es decir, no podemos ser civilizados, respetuosos del medioambiente, de las leyes laborales.

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Ultima cosa. Juro que acá termino. Volvamos a ver la nota de arriba. Ahora, veamos la página de SalmónChile.

Los salarios de los operarios de la industria -según un estudio realizado por el Departamento de Ingeniería Industrial de la Universidad de Chile- llegan en promedio a los $260.676, cifra que se ubica por sobre el salario mínimo de nuestro país y lejos de los $180.000 que establecen como sueldo promedio los estudios publicados por algunas organizaciones medioambientales.

La defensa de las salmoneras es por 80 lucas de diferencia. Ese es el rechazo a las críticas.

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El tema está candente: explotó hace unas semanas cuando Douglas Tompkins dijo que el avance de esta industria debería congelarse (vaya metáfora). No todos han quedados impasivos. Una interesante columna publicada el domingo en Economía y Negocios, escrita por Leonidas Montes, profesor de la Universidad Adolfo Ibáñez, da unos datos bien iluminadores:

En la cena anual de la industria salmonera altos personeros de gobierno, legisladores, políticos y representantes de la industria comentaban, frunciendo el ceño, las declaraciones de Tompkins. El presidente de SalmonChile arengaba a la audiencia con innecesarias diatribas contra el "millonario gringo", calificándolo de "fanático ambientalista", llegando incluso a comparar el proyecto Parque Pumalín con Colonia Dignidad. El secretario general de Gobierno, Osvaldo Puccio, reconociendo la importancia de la industria, declaró que "Tompkins no fija ni la agenda productiva ni medioambiental del Gobierno", generando aplausos entre los asistentes.

De miedo. Más detalles sobre el tema pueden encontrar en esta columna de El Mostrador escrita por Sara Larraín, de Chile Sustentable.

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En fin. Ya lo dije: el proceso de toma de conciencia es personal. Si les interesa, mantenganse atentos a este blog, para ver la fecha en que serán exhibidos este documental y tantos otros del FIDOCS. Gracias por la paciencia. Un abrazo.

Ultima hora: San Feliú deja la dirección de la radio Concierto

2005-10-18T10:15:00.000-03:00

Y está feliz. El recambio viene con Natalia Del Campo. Power to the people! San Feliú sigue como asesor de Iberoamerican. Todos felices. Detalles en el blog de San Feliz.

Lectura obligada: "Ciudad invisible"

2005-10-18T08:12:00.000-03:00

La encontré colgando de un kiosko, en Valparaíso, justo antes de tomar un bus para volver a Santiago. La portada es una pesadilla: edificios diabólicos y futuristas frente al mar. Al lado derecho, una letras rojas que dicen "Ciudad invisible". El título de portada: "Neo-Valparaíso, peor que un terremoto". El formato: una revista en papel de diario de 16 páginas, que venden a $400. Los autores: gente despierta gritando desde Valparaíso; el bien querido Alvaro Bisama, escribiendo sobre el Gitano Rodríguez, según él, el único one-hit wonder chileno; y cabeceando los contenidos está el talentoso Felipe Montalva, con quien fui al mismo colegio, a la misma universidad y con quien no he intercambiado una palabra en 15 años, no me pregunten por qué. Me cae bien, eso sí.

Los temas: cómo están arrasando con Valparaíso, impunemente. Periodismo independiente, si lo hay. Llevan un dossier de siete notas bien escritas y denunciantes de la flojera funcionaria de un municipio en ruinas. Cómo arquitectos de Santiago están construyendo edificios de altura, y pasando por encima de la gente que siempre ha vivido allí. La historia de cómo construyeron un edificio horrible en el Pasaje Herder del Cerro Alegre es para llorar; la entrevista al director de Obras de la Municipalidad de Valparaíso es para salir a quemar neumáticos ante la tontera y la lavada de manos que hace el susodicho respecto a su responsabilidad. Cómo la cultura turística de cuarta categoría está adornando lo existente con murales feos, vitrales europizados y veletas innecesarias. Lo leí de punta a cabo en media hora. Gente haciendo su trabajo, con urgencia, por sus propios medios, hartos de la chatura ambiente.

¿Qué más decir? Hay que suscribirse ahora a "Ciudad invisible". Toda ciudad de Chile necesita un medio así colgando de sus kioskos. Lectura obligada. El que quiera se lo presto.

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Hoy es el Día del Cine. Entradas a $1.000 en todas las salas adheridas. Muestra de animaciones en el Centro de Extensión UC. Anoche recibieron medallas Orden al Mérito Pablo Neruda Sergio Bravo, Pedro Chaskel y Carmen Brito. Cuál se lo merece más. La señora Brito, restauradora madre del cine chileno, se llevó además el premio Jorge Müller en homenaje al camarógrafo estrella de "La batalla de Chile" (desaparecido en 1974, luego de una función de estreno de "A la sombra del sol" de Perelman y Caiozzi). Cine reencontrándose con su gente y con su historia.

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Los amigos de "La fuga" hacen su balance de Valdivia. Las mejores películas según ellos fueron "4", ruso Ilya Khrzhanovsky; "Como un avión estrellado" de Ezequiel Acuña; "La sagrada familia" de Sebastián Campos y "Goodbye Dragon Inn" de Tsai Ming Liang. Tambien se incluye un informe sobre los documentales en competencia, a cargo de alguien que realmente los vio todos: una de las jurados, Pamela Pequeño (directora de "La hija de O'Higgins"). Cine para masticar. Blog para conversar. Días para haraganear. Ojo con la cobertura blog del Festival de Viña, tan caótica como inspirada, a cargo de Sebastián Lorenzo, uno de los cinéfilos más sanamente obsesivos que he conocido en mi vida. ¿Y "Mabuse"? Morales & Compañía anuncian su informe valdiviano para los primeros días de noviembre.

¡Stop motion que me quiero bajar!

2005-10-17T08:07:00.000-03:00

Salió El Amante de octubre. Viene con una nota de la última de Tim Burton en portada ("El cadáver de la novia", la segunda de stop-motion en cartelera... ¡en un mes!), otra sobre "Wallace y Gromit: la batalla de los vegetales" y el consecuente especial sobre el stop-motion en su interior. Además, se traen una decepcionante entrevista a Damián Szifrón, el creador de Los simuladores original, y la estupenda "El fondo del mar" (que debió estar en la Muestra de Cine Latinoamericano en el Centro de Extensión UC, pero no está). Digo decepcionante por el entrevistado, no por las preguntas: al hablar de su última película "Tiempo de valientes", una comedia policial, Szifrón dice sandeces como que sus películas favoritas de John Carpenter son "Starman" y "Memorias de un hombre invisible" (!). ¿Qué más? Nuestro ya conocido Ezequiel Acuña, el primer hombre valdiviano-argentino de la historia, es entrevistado por "Como un avión estrellado", y recibe crítica favorable en la revista; notas sobre John Waters, Vince Vaughn, y una interesante lectura sobre la aparición en DVD del documental de Bob Dylan dirigido por Scorsese, "No direction home". El Amante estará disponible en los lugares habituales de venta desde el miércoles.

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No fui a Viña. Tengo tantas ganas como cualquiera de ver "El aura".

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La marca de Lamarca. Luego de la entrevista comentada aquí al ex presidente de Copec reencarnado en Gladys Marín, El Mercurio le hace la marca personal a Felipe Lamarca con una nota en "Economía y negocios" bien curiosa en defensa de los monopolios (!, de nuevo), y La Tercera, para no ser menos, le chupa las medias al Grupo Angelini con un breve con aires publicitarios. Sé que esto no está muy directamente relacionado con el cine, pero es un misterio, ¿no?

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Necesito postear más seguido. Pero trabajo, tropa de vagos. Me gustaría comentar la avalancha de documentales sureños que se nos vienen en el próximo Festival de Documentales de Santiago, que se viene en diciembre. Ralco, Alumysa y las salmoneras están arrasando el país, y parece no importarle a nadie. Excepto, claro, a la gente que hace documentales. No cambien de canal.

VIÑA... Hoy se estrena "PADRE NUESTRO"

2005-10-13T08:54:00.000-03:00

Si alguien puede arrancarse un día a Viña, ese día es hoy. Hoy es el estreno de "Padre nuestro", la segunda película de Rodrigo Sepúlveda ("Un ladrón y su mujer"), en el deslavado pero resistente Festival de Cine de Viña del Mar. La función es a las 22 en el Teatro Municipal, con la presencia de la señora Cecilia Roth, quien ha venido especialmente a esta función. La película se trata de un grupo de hermanos que viaja a Viña a ver a su padre que se está muriendo... pero el padre es un chucheta que les enseña a divertirse. Sé que suena terrible... pero yo le tengo fe al bueno de Sepúlveda. Tiene una cosa medio españolada muy atípica en el medio. Lo digo por el director, no por la película, que no la he visto. El viejo es Jaime Vadell, y los hijos son Francisco Pérez Bannen, Amparo Noguera y Luis Gnecco. Cecilia Roth es la señora de Gnecco en la película.

Si alguien además se interesa, puede llegar antes y mandarse el programa doble, porque a las 19:30 hrs en la misma sala dan "El Aura", de Fabian Bielinsky (la segunda película, después de cinco años, del director y guionista de "Nueve reinas") con el único actor argentino (pareciera que no hubiera otro), Ricardo Darín. La historia es sobre un taxidermista que imagina los más perfectos asaltos... y sufre frecuentes ataques epilépticos.

¿Voy o no voy? ¿Vamos o no vamos?

VALDIVIA... Pensé que esto se había acabado

2005-10-12T10:04:00.000-03:00

Miguel Paz, el tipo que escribe de blogs en La Nación, con quien de tanto discutir quedamos amigos, inició la búsqueda en su blog personal de los TOP 5 SOBRE LAS ESTUPIDECES ESCRITAS SOBRE EL FESTIVAL DE VALDIVIA. Yo, la verdad, ya le di guaraca a la cobertura de LUN (con su nota de la fiesta de "La sagrada familia", escuchando conversaciones a la pasada), y EL MERCURIO (con la genial idea de contar el final y revelar todos los momentos "polémicos" de la misma película), así que no debería seguir con esto. Aunque, en rigor, peor me parece lo que NO publicaron: ya lo he dicho, la retrospectiva de Sergio Bravo (que, me dicen, ya buscan una manera para traerla a Santiago), y las películas mexicanas de los años 40s. O la historia de cómo Alvaro Covacevich, después de buscarlas por todo el mundo, encontró sus películas "New Love" y "Morir un poco". Y qué decir de los documentales ambientalistas "Un mundo ausente", "Ovas de oro" y "Apaga y vámonos", temas en que el corresponsal de La Nación simplemente brilló por su ausencia.

Además, creo que los periodistas en Valdivia se perdieron oportunidades de oro de entrevistar (o por lo menos, conversar en un pasillo, por su propio bien) a dos viejos zorros del cine que se pasearon por allí: Bernardo Menz y Carlos Alvarez. ¿Quiénes son? Tarea para la casa.

"Control Room", hoy por HBO

2005-10-11T08:54:00.000-03:00

Ya saben, las noticias que no vemos por televisión las tenemos que ver en documentales. Y este documental se trata precisamente sobre eso: sobre un canal de televisión. Sobre noticias. Y sobre lo que no podemos ver.

"Control room" se sumerge en la vida diaria del canal de noticias Al-Jazeera
justo a partir del momento en que Bush le declaró la guerra a Irak. La película vive la guerra desde el canal de noticias más importante del mundo árabe, el CNN del Islam. En la película vemos, además, el trabajo de los medios norteamericanos que están obligados a seguir la guerra desde un cómodo bunker ubicado en Qatar: la sala de control del título. "Control room" desnuda las noticias que nos llegan de la guerra (controladas, manipuladas, restringidas e incluso, amenazadas con ataques directos a los periodistas), pero no es un ladrillo concientizador. Es un documental humano: sus tres protagonistas principales (el editor de noticias, que sueña con que sus hijos estudien en una buena universidad en EE.UU.; un periodista que antes trabajó en BBC, "como todos en Al-Jazeera", le dicen; y un joven encargado de relaciones publicas en el ejercito, que de verdad cree en las mentiras que está diciendo) desbordan la pantalla, hablan de temas como para conversar con ellos, llevan a la reflexión primera de todo documental: en qué clase de mundo vivimos.

O lo ven o lo graban. Pero no lo dejen ir. Hay que chequear bien: según programación, lo dan hoy martes a las 23 hrs, 11 de la noche. Pero con lo del cambio de hora a veces hay desbarajustes. Luego de que lo vean, los que se entusiasmen pueden leer está entrevista con su directora.

¿Blog, dijiste?

2005-10-10T12:33:00.000-03:00

Hace unos días que El Mercurio inició lo que ellos llaman "Blog El Mercurio", que no es más que un foro más sofisticado, donde los lectores pueden referirse a las opiniones editoriales y de columnistas. Que yo sepa, eso no es realmente un blog. Como sea, ver la cantidad de opiniones favorables de las columnas de Hermógenes Pérez de Arce es de terror.

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Este blog fue nombrado ayer en La Nación, en una sección llamada "Oh, my blog". De acuerdo con Miguel Paz, autor de la nota, y quien anteriormente se ha referido a los blogs de Clara Szczaranski, (ver blog) o del hijo del Mamo Contreras. (ver blog), él habría hecho un blog en Valdivia para "fisgonear a las celebridades" y contar lo que nadie publica. Ni falta que hizo: de eso se trató precisamente la cobertura de La Nación, y LUN y El Mercurio: de andar escuchando conversaciones y ponerlas en el diario. De hecho, la cobertura de La Nación dejó mucho que desear: la nota con los premiados que apareció el viernes pasado está llena de errores, el más grave, decir que el ganador de mejor documental fue "Actores secundarios" dirigido por... Francisco Hervé (y no Pachi Bustos y Jorge Leiva, los verdaderos directores).

Pero bueno: si yo hubiera dicho esto antes quizás habrían escrito atrocidades de este blog. Así que me salvé.

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Una cosa más: ¿alguien vio la insólita entrevista a Felipe Lamarca en La Tercera? El ex Presidente de Copec y la Sofofa, al parecer poseido por el espíritu de Gladys Marín, hace un crítica al modelo económico que ni Tomás Hirsch ha hecho. Dice el título (que podría estar perfectamente en The Clinic): "Chile no va a cambiar mientras las elites no suelten la teta". Y sigue: "La gente empieza a tener la sensación de que permanentemente se lo afilan" (sic), "El chorreo es más bien goteo" y "existe una cierta complicidad entre las elites políticas y económicas por mantener las cosas tal como están". No sé qué decir. ¿Habla en serio?

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Por último, en la sección de comentarios voy a dejar la nota que publiqué ayer en Actividad Cultural de El Mercurio sobre los documentales de Valdivia (el link solo dura una semana); y mucho ojo, que mientras estuve en Valdivia en el Centro de Extensión UC estuvieron dando un ciclo de Hitchcock. ¿Será verdad? ¿Alguien fue? ¿Habrá sido en 35mm o en video? Y a partir de hoy comienza, hasta fin de mes, un ciclo de cine latinoamericano, que incluye varias de Buñuel. Pueden ver el programa aquí. Saludos.

VALDIVIA.... Todo lo que vi

2005-10-08T12:54:00.000-04:00

Ayer, antes de subirnos al bus que nos traería de vuelta a Santiago a buena parte de los asistentes de Valdivia, se me acercó Rodrigo González, de La Tercera, y me dijo algo así como: "Mejor ni veai la nota que sale mañana... Es una huevá". La frase viene, en parte, por lo pesado que he sido con la cobertura periodística de los medios escritos en Valdivia en este blog. Yo soy periodista y sé lo que le duele a un periodista cuando lo crítican, aunque sea personalmente. Pero, al mismo tiempo, estoy en contra de los corporativismos. Ya lo médicos, los abogados, los arquitectos se pelan en secreto y se protegen públicamente. Si el periodismo es para expresar miradas de lo que ocurre, me parece importante que las coberturas sean diversas. Y la cobertura periodistica valdiviana fue pobre. Sabemos que hay editores y que trabajamos en medios que están metidos en una locura de crear polémicas ficticias y fijarse en superficialidades. Pero... ¿por eso nos vamos a entregar a eso? ¿Así, tan fácilmente? Se gastaron demasiadaos centimetros por columna en hablar del corte de pelo de Patty López, y casi ninguno en mencionar a Sergio Bravo, o la muestra de cine mexicano. ¿Nos merecemos esta cobertura? ¿Podemos hacernos los huevones, echarle la culpa a los medios en que trabajamos y hacerles el juego? ¿O podemos esforzarnos un poquito más en hacer mejor la pega?

Está bien, no es para ponerse graves. No se trata de ir al otro extremo y sumergirse en disquisiciones pseudo intelectuales sobre las películas taiwanesas. Pero el paño es grande, y se puede, lo sabemos, hacer algo mejor. Curiosamente, la nota de hoy de La Tercera, la que se supone que es una huevada, me parece divertida y consigna varios puntos concentrados de elementos que estuvieron presentes en el festival, como el detallado relato de la ceremonia final (y hasta las pifias que recibió Juan Carlos Altamirano, el ejecutivo de TVN que no quiso apoyar "Mi mejor enemigo" en su producción, y que se subió a entregarle un apurado premio de consuelo a Alex Bowen).

Valdivia es una fiesta, y en toda fiesta buena se comenten excesos. El problema viene cuando son solo los excesos los que nos importan, y dejamos de lado los detalles, las sutilezas que estuvieron, y están vivas en un festival. De todas maneras, me gustaría dejar en claro que lo que me pudo parecer pelotudo siempre fueron las notas, no las personas que las hicieron. Y que este debate, el de la cobertura de los medios periodisticos en actividades culturales, sigue pendiente. Ojalá tuvieramos más tiempo de conversar, y hablar, del trabajo que hacemos.

En fin. Ya estoy en Santiago, y no quería dejar pasar el listado final de todas las películas que vi en Valdivia. A ver si sirve de algo.

“En la cama” de Matías Bize: Es el segundo largo del director de “Sábado”, y por pegarse el salto sobre el charco, mete la pata al agua. Pero no es nada grave. O por lo menos, no tan grave como le pareció a algunos espectadores. Blanca Lewin y Gonzalo Valenzuela conversando desnudos y semidesnudos en una cama tiran tres veces en escena, se bañan en una tina redonda y hablan y hablan, a veces demasiado. Como está ocurriendo ya demasiado a menudo con los guiones de Julio Rojas (solo este año, guionista de “Mi mejor enemigo” y “Secuestro”), hay estructura, pero algunos diálogos guatean (en especial unas reflexiones sobre el cine y los tipos de personas que le gustan películas como “Magnolia” y “Alta fidelidad”, que según la película, son un mismo tipo de persona... para arrancar de la sala). El desarrollo de personajes es plano, algo que se nota con más fuerza cuando tomas riesgos como los que se toman en la película… Mucha gente salió diciendo sobre lo expuesta que está Blanca Lewin, que se le muestra totalmente desnuda y que con Gonzalo Valenzuela no pasa lo mismo. La verdad no es así: Valenzuela tiene un desnudo frontal al comienzo de la película, pero muy sutil. Lo que realmente ocurre es que Blanca Lewin se ve obligada a cargar en sus hombros toda la película, y ante ese trabajo titánico, produce la sensación de que está algo desamparada. En fin, para discutir. Como sea, película y director merecen todo el buzz que ha recibido la película.

“Apaga y vámonos” de Manel Mayol: Este documental español, filmado por un catalán, en 35 mm (con cámara del chileno Sergio Armstrong) no da muchas pistas documentales sobre el conflicto mapuche (lo que “El despojo” sobrexplicaba, acá apenas se menciona), está basado en las entrevistas a ocho personajes (dirigentes mapuches, el diputado Navarro, el abogado Roberto Celedón) y en la búsqueda de un contrapar que de la versión de Endesa España. Vemos al director haciendo llamadas para conseguir esa entrevista, lo que es bastante burdo (por lo menos, Michael Moore en “Roger & yo” dejaba los pies en la calle). Las transiciones no son muy inspiradas, es bastante flojo en su investigación, pero los testimonios son potentes y debería darse en Chile, sí o sí. Somos nosotros hablando de nosotros.

“Se arrienda” de Alberto Fuguet: Película de aprendizaje. Aprende el director, aprende el personaje principal (Luciano Cruz Coke, que aparece en casi todas las escenas de la película y en la mitad de ellas anda mirando al suelo), y por tanto es película de transición. La verdad, cuesta entrar. Uno siente que se demora en partir, pero desde que aparece Francisca Lewin en pantalla, la película levanta vuelo y no decae más. Nicolás Saavedra está hilarante y Benjamín Vicuña, actor de limitado registro, está bien limitado al cortometraje engrupido que vemos paralelamente durante toda la historia. Eso sí, Fuguet es director generoso con sus personajes, y quizás mucha gente debería empezar a ser un poco más generoso con él. Por lo menos, si algo enseña “Se arrienda” es a dejar los prejuicios a un lado para empezar a ser feliz.

“La perla” de Emilio Fernández: Es una delicia ver una cinta mexicana en blanco y negro de los años cuarenta dirigida por el mítico Indio Fernández. La historia, basada en un cuento de Steinbeck, es clásica, socialmente comprometida y tiene secuencias completas como para quedar con la boca abierta por su belleza (todas las escenas de baile con fuegos artificiales de fondo, en especial). Pero ojo, me quedé dormido. Así que puedo decir que fue un sueño.

“La sagrada familia” de Sebastián Campos: Nuestro primer cineasta tan católico como retorcido hace una película precisa que a uno lo deja feliz (por el cine chileno) y con dolor de guata (por el destino de los personajes). Muy bien filmada y montada, y con actuaciones impresionantes. Se acabaron los rezos: claramente, la mejor película chilena de los últimos
años. Se estrena en Semana Santa del próximo año. Herejes.

“Como un avión estrellado” de Ezequiel Acuña: Y este otro no lo hace nada mal, tampoco. No es fácil que se te mueran tus padres en un accidente de avión, llevarte mal con tu hermano, que tu mejor amigo tenga vocación de delincuente juvenil y que la mina que te gusta no te pesque. Ignacio Rogers, Manuela Martelli y Santiago Pedrero construyen las mejores actuaciones Sub 23 del cine latinoamericano. Película sureña, bella y tristísima.

“Vámonos con Pancho Villa” de Fernando de Fuentes: Y si de cine latinoamericano se trata… Aca tenemos una fundacional (aparece merecidamente en el libro “Cien claves del cine” de Cavallo y Martínez), que nos cuenta como seis charros se meten a la revolución de Pancho Villa, y van muriendo todos, uno por uno en todo el metraje. Una fiesta del cine, de cualquier parte del mundo.

“Ese desconocido” de Sergio Bravo: Corto documental del verdadero fundador del documental chileno. Acá tenemos, a partir de descartes de “Las banderas del pueblo”, a Neruda recitando a cámara. Más que documental, documento fundacional.

“El húsar de la muerte” de Pedro Sienna (versión restaurada por Sergio Bravo): Hombre curioso, Bravo es el responsable de haber salvado esta joyita del cine mudo chileno. Esta versión, distinta a la restaurada por el Ministerio de educación en 1995, es más corta, y como es muda, va con subtítulos (excelente idea…¿cómo a nadie se le ocurrió antes?) Divertida, dramatica, semi-neorrealista (la mayoría de los actores no son profesionales). El Huacho Pelao, niño amigo de Manuel Rodríguez que desea unirse a la revolución, es el primero de las decenas de niños que hemos tenido en el cine chileno.

“Mimbre” de Sergio Bravo: Un clásico del documental. Un artesano del mimbre tiene mucho que enseñarnos. ¿Acaso no saben de donde viene todo el trabajo de Francisco Gedda en “Al sur del mundo”? Bravo es y seguirá siendo potente influencia en el documental chileno. Y muchos seguidores lo son sin saberlo.

“La glane” de Sergio Bravo: Más Bravo. Uno de los momentos mayores del festival. Este documental, que hubiera ganado Bafici si el festival argentino hubiera existido en 1985, es una lección de cómo las nubes, los árboles, y los edificios en ruinas son los verdaderos testigos de toda masacre. Para llorar de conmoción. Hecho en Francia y con música de Brian Eno.

“Las banderas del pueblo” de Sergio Bravo: La historia cuenta que cuando Bravo interceptó a un funcionario que iba a vender latas a una fabrica de peinetas, descubrió dos cosas: "El húsar de la muerte" e imágenes en movimiento inéditas de Pedro Aguirre Cerda. En este documental-propaganda, hecho para apoyar la candidatura de Salvador Allende en 1964, aparecen estas imágenes y es insólito ver a hordas de personas colgando desde los balcones de La Moneda celebrando su proclamación. También se puede ver a un joven Allende (muy parecido a Willy Semler), a Neruda leyendo sus poemas, y escuchar la voz del asesinado René Largo Farías leyendo textos de Volodia Teitelboim.

“Familia rodante” de Pablo Trapero: El costumbrismo en el reino del plano medio. en el costumbrismo importa ver cómo somos, cómo nos reimos, cómo hablamos, las cosas que hacemos. Nuestras costumbres. Pero su mayor problema es que no se acerca más a las personas. El paisaje hogareño es el que prevalece. Esta película del director de "Mundo grúa" es un lindo cuento costumbrista, una especie "Una historia sencilla" de David Lynch pero en familia y en vez de tractorcito, sobre una Chevrolet del 58. Sí, claro, es linda. Pero no es mi tipo de película. ¿De que sirve el cine si no podemos descubrir el misterio que mueve a los seres humanos?

“No eran nadie” de Sergio Bravo: Otro hallazgo festivalero, y uno de los momentos altos de la semana: Es Chiloé en 1982 y una mujer llora la desaparición de su marido pescador en altamar. La referencia al momento político que vivíamos en Chile no puede ser más directa. En sus viajes en lancha, la mujer conoce a Malva Hernández (Marés González), quien ha perdido a su hijo en el mar. El testimonio de Malva es sobrecogedor: no solo es el mismo testimonio de la verdadera Malva Hernández, una mujer con un hijo detenido desaparecido (Marés González lleva una libreta con una foto suya pegada); su monólogo en el que habla qué es perder a un hijo es solo comparable al monólogo sobre la tortura que hace Gloria Munchmeyer en "Imagen latente" de Pablo Perelman. Impresionante. Bravo fusiona con belleza e ingenio su experiencia documental con la ficción. Doblada en alemán, aunque se sabe que también hay una versión doblada al francés. Bravo, se dice, trabaja en terminar una versión en español con los actores originales.

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Para terminar, cuando las imágenes de esta semana siguen dando vueltas en la cabeza, es importante destacar las cantidad de personas interesantes que confluyeron en Valdivia. Los espacios de conversación fueron ricos y potentes. Voy a recordar por mucho tiempo las conversaciones distendidas con Sebastian Campos, Ursula Budnik, Ezequiel Acuña, Blanca Lewin (hagan click sobre su nombre y leerán su blog), Poldy Valenzuela, Jorge Ruffinelli, Vivi Erpel, Luis Candia, Sergio Bravo, Matías Bize, Ignacio Agüero, Vivienne Barry, Pamela Pequeño, Ernesto Ayala, Jacqueline Mouesca, y Pascual Condito, que debería (y está) en todos los festivales del mundo. Este recuerdo se extiende muy especialmente hacia una noche de copas con el gran Bernardo Menz (sonidista chileno de Patricio Guzmán en "La batalla de Chile", y más tarde, colaborador directo de Almodóvar, Carlos Saura, Víctor Erice, Jaime Chávarri), y las aventuras de cine y guerrilla del director ejecutivo de la Escuela de Cine de Chile, Carlos Alvarez. Como dicen los créditos finales de las películas, a todos ellos muchas gracias por esta semana.

VALDIVIA... Pelotudos de último minuto

2005-10-07T10:13:00.000-04:00

Último día nadie se enoja... Los últimos serán los primeros... Sí, claro. Según la pelotuda decisión del jurado de la sección oficial del festival (formado por una licenciada en letras, un sociólogo, un ingeniero comercial, una magíster en ciencias sociales, y un burócrata internacional de festivales, pero ningún crítico, ningún cineasta, ningún guionista, ningún director de fotografía), la mejor película del festival "fue elegida por su tema, de mucha actualidad". Y le dieron un premio a una cinta belga-marroquí sobre inmigrantes. Y todo el festival quedo peinado.

A eso se suma una nota en LUN, bastante pelotuda, donde se da entender que "Mi mejor enemigo" pasó por encima de "La sagrada familia" y "En la cama", lo que no es tal. "Valdivia ignora al cine chileno" plantea El Mercurio, lo que no está tan alejado de lo que ocurrió, aunque lo que de verdad ignoraron fue al cine chileno más valioso que hemos hecho en décadas (aunque debe hacerse la excepción con el premio obtenido a mejor actriz de Viviana Herrera en "Play").

Qué decir. Si eliges un jurado de académicos (ninguno especializado en cine, NINGUNO), después no te puedes quejar. ¿Por qué no existe un cineasta DESTACADO que venga como presidente de ese jurado cada año? Por lo menos, si uno sabe que Victor Erice, o Covacevich, o Ruiz, o Bielinsky es presidente del jurado de un año, uno puede imaginar como viene la mano. Pero con la señora Cortinez & Cía... ¿de donde uno puede obtener refererencias de su trabajo?

En fin, tengo muchas más cosas que decir, pero no puedo en este minuto. Abrazos.

VALDIVIA... El verdadero independiente

2005-10-05T11:58:00.000-04:00

Esto poco tiene que ver con cine. Pero debe ser mencionado. Anoche vivimos una experiencia única. Fuimos al concierto de lanzamiento del DVD de El Miguel, que es como se llama a sí mismo Miguel Barriga, vocalista de Sexual Democracia. Todo en El Miguel es insólito: lo primero que vimos al llegar a El ocio, el local nocturno del todas las fiestas del festival, fue la proyección en una pared del DVD en cuestión, con imágenes que creo que no olvidaré en mucho tiempo: Miuel Barriga en una nave espacial, Miguel Barriga con Robotina, Miguel Barriga tocando con su banda y por efectos especiales, cambiando sus ropas a atuendos futuristas. Pero no solo eso: también estaba Miguel Barriga cantándole a Panchito, el mítico primer lobo marino que llegó a Valdivia (amigo del que casi se come a un candidato presidencial), y un espectácular clip con todo el material de archivo de todas las apariciones de Miguel Barriga en televisión, con Don Francisco, Comparini, Felipe Camiroaga, Juan La Rivera, el Festival de Viña, y también su encuentro con los Prisioneros, en los que Barriga, respetuoso como nadie, aparece vestidocon chaqueta y corbata, y muy bien peinado.

En fin, quedé impresionado. Y no estoy siendo irónico. Lo que vi anoche fue el trabajo esforzado y constante de Barriga, que entre solista y en conjuntos ya lleva más de 10 discos, todos autoeditados. Esa fuerza, pero sobre todo, esa sonrisa que lleva en todas las fotos, y esa alegría que le transmite a su público (su mamá, sus primos, sus tías estaban en el lanzamiento) son un ejemplo para la juventud, y demuestran que el amor que uno tiene por lo que hace es lo verdaderamente importante. El resto es pura mala onda. O como dice Fernando Trueba, no nos olvidemos que el éxito es la meta de los mediocres.

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Hablando de éxito, el verdadero artista de este festival, ya lo he dicho, se llama Sergio Bravo y, por supuesto, los periodistas instalados acá no le han dado pelota. Cada película suya es una sorpresa, y da gusto ver cómo se relacionó en sus 50 años de trabajo con todos los grandes artistas de su tiempo: Neruda, Radrigán, Coloane, Violeta Parra, René Largo Farías, Pedro Sienna. Uno conoce el trabajo de Bravo y uno los conoce a todos. La que diero ayer, su única película francesa, "La glane", sobre una localidad francesa asolada por nazis en la Segunda Guerra Mundial es impresionante. Bravo hace hablar las ruinas de los edificios, con los arboles, y muy particularmente, con la luz que se deja pasar por una gordas nubes que cruzan el lugar. El recorrido lo hace la voz de un sobreviviento que hoy trabaja ahí de guía "turístico", por llamarlo de una manera. También dieron la bella, cortita y más conocida "Mimbre". Hoy es la imperdible "No eran nadie", seleccionada en Cannes 1982, con textos de Juan Radrigán y protagonizada por Marés González. 18 hrs, Aula Magna UACH.

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No me queda mucho tiempo más para escribir. Hoy ojo con "Habana blues", de Benito Zambrano, el director de "Solas", que dicen que está espectacular (17:45 hrs, Movieland 4). Y con "Sueño amargo" (17 hrs... SON TODAS A LA MISMA HORA!). "la sagrada familia", la dan hoy a las 1930 en el Lord Cochrane. En la noche, la versión argentina de "Mi mejor enemigo", pero en Las Malvinas y sin chilenos: "Iluminados por el fuego" (20:15 hrs, Movielnad 4 y 5). Y a las 2230, "Geminis", dos hermanos cuicos tiran en la de Albertina Carri.

VALDIVIA... Todos tienen un favorito

2005-10-04T11:40:00.000-04:00

De acuerdo a a El Mercurio de hoy, "La sagrada familia" de Sebastián Campos es una de las favoritas de este festival. Lo sorpresivo de la nota son las razones que da Natalia Núñez para su veredicto. Copio:

La cinta, filmada en sólo tres días, trae polémica: sexo entre dos homosexuales (un notable Juan Pablo Miranda, que ya acaparó la atención del director argentino Ezequiel Acuña), un buen cóctel de drogas, una eyaculación en el rostro de Patricia López y un padre de familia (Sergio Hernández) que se llena la boca con Cristo y su resurrección y que fornica con su futura nuera.

¿Fornica? ¿Lei bien? Hay otra nota, bastante ridícula también, sobre la fiesta de "La sagrada familia" en LUN. La nota es mala, pero la fiesta estuvo buena. Mucho baile, por lo menos. De acuerdo a Sebastián, el lema de la fiesta era, "por lo menos si no te gustó la película, te vamos a ayudar a que la puedas olvidar".

Lo que sí es claro es que a mucha gente le gustó la película. A los que no les gustó hablaron de cierta frialdad a lo Lars von Trier (con la que no concuerdo), pero muchos comentan que, junto con "Como un avión estrellado", está entre las más posibles ganadoras de este Valdivia. No quiero ni hablar: a mi me encantan ambas. La de Ezequiel volví a verla la noche del domingo, cuando comenzaba la fiesta sagradafamilesca. La había visto antes en BAFICI, y esta nueva función, con público chileno, me pareció más emocionante aún. Es una película triste la suya. Triste pero potente, y las actuaciones de Santiago Pedrero e Ignacio Rogers son roca sólida. Manuela Martelli, por supuesto, es Manuela Martelli aquí y siempre, y su presencia se hace fundamental en la historia. Si no fuera así de encantadora, nos importaría muy poco todo el resto. Es clave cómo este nuevo-nuevo cine latinoamericano, por llamarlo de alguna forma, está fuertemente apoyado en los actores.

Hoy martes tengo anotadas las funciones de "Allá en el rancho grande" de Fernando de Fuentes (este ciclo mexicano está espectacular, ayer vimos el clásico "Vámonos con Pancho Villa" y me pareció una película tan moderna que pudo haber sido echa el año pasado). Es a las 15:15 hrs en Movieland 4. A las 18, el indispensable ciclo de Sergio Bravo, esta vez con "La glane" (1985, 40m), "La marcha del carbón" (1960, 25m) y la clásica "Las banderas del pueblo" (1964, 30m). La primera es parte de su trabajo en Francia en los 80s, sobre una aldea masacrada por los nazis en 1944; la segunda es sobre la mítica marcha de protesta de los trabajadores del carbón, entre Lota y Coronel, en mayo de 1960; y la tercera es Neruda-Volodia apoyando a Allende en 1964. Es en el Aula Magna de la UACH. Para la noche saqué entradas para "Temporada de patos", la mexicana y festivalera película de un tipo que dirigía videos de Molotov. No me pregunten más, es todo lo que sé.

VALDIVIA... El triunfo de la intimidad

2005-10-02T10:20:00.000-04:00

Hay una vida que es la que te toca vivir. Y las otras vidas, las que no vives, las filmas. Ayer fue el estreno de "Se arrienda" de Fuguet, y el resultado de su primer intento fìlmico es una película generosa sobre las angustias de tener 34 años (lo que podría estar en estrecha relación con "Mala onda", su primera novela, que se trataba sobre las angustias de tener 17). Digámoslo pronto: "Se arrienda" está llena de ripios, acentúa muchos temas, se olvida de otros, es hiperkinética como película, y por lo tanto, irregular. Pero está tan ajena de pretensiones, está tan despojada de soberbia (Fuguet pareciera estar riéndose de esa soberbia que tanto le han pelado en los últimos 15 años), está contada con tanta paciencia, que "Se arrienda" brilla entre los estrenos de este año. Los personajes están filmados con cariño, y vaya que necesitan cariño: el protagonista es un cuico sin pega ni plata, que ha perdido demasiado tiempo preocupado de perfeccionar sus prejuicios; su mejor amigo devino en exitoso idiota, y la mina que le gusta es una mina loca. No estamos hablando acá de seres muy queribles, pero Fuguet los filma como si se tratara de la vida que le hubiera tocado vivir, como si estuviera conversando consigo mismo, como si acaso sacar esta película adelante no fuera, en sí misma, un aprendizaje.

"Se arrienda" no es película estridente en lo absoluto. Sus momentos buenos parecieran estar llenos de silencios: una confesión dentro de un departamento, un beso torpe arriba de un cerro, un paseo coqueto adentro de un museo, una espera dentro de un autolavado mientras miles de gotas comienzan a secarse con el aire caliente. No es tampoco una película fácil; pero es una película con las ventanas abiertas por las que entran aires de intimidad.

La intimidad es el tema de este Valdivia. "En la cama", de la cual escuché comentarios mezclados de su primera función (negativos, muy negativos, neutros, y algunos positivos) es una película con problemas, especialmente de guión, pero de los problemas que vienen por las razones correctas. "En la cama" es película arriesgada, y de esos riesgos, sale adelante después una trabajosa media hora inicial.

O bien, digámoslo así: a los 20 minutos, "En la cama" puede dividir a los espectadores. El personaje de Gonzalo Valenzuela hace un discurso sobre el cine repleto de lugares comunes. A los minutos, Blanca Lewin hace un comentario sobre los monos japoneses y sobre cómo esa conversación es "típica de asados". Esos momentos, más un baile que hace Blanca a su pareja por una canción que escuchó en la radio, a mi parecer, son momentos tan débiles, tan "sacadores de onda", que muchos espectadores pueden no recuperarse más desde ahí en adelante. Pero ante la intimidad debemos ejercitar la paciencia, y con "En la cama" la paciencia trae algunas recompensas. En los tres cuartos de la película está el corazón de la sandía, el esperado momento en que verdaderamente nos olvidamos que estamos viendo a dos actores diciendo su guión, y vemos a sus personajes, vivos y a pecho abierto. Es verdad, los ripios de guión continúan aquí, pero los espectadores son ahora los que empiezan a desnudarse ante las reflexiones sobre el sexo y las parejas que hacen "la Blanca Lewin" y "El Gonzalo Valenzuela" (en la función a la que fui, una mina que estaba sentada en la butaca del lado le recriminaba a su pololo: ¿por qué te reiste con "eso"?).

Hoy, más momentos de intimidad nos llegarán con "La sagrada familia" y "Como un avión estrellado". Ambas funciones, además, deberían estar repletas. Estamos ansiosos de todo eso.

VALDIVIA... Sex with your parents

2005-10-01T08:42:00.000-04:00

"Valdivia radiante de sol", escribe un periodista al lado mío armando un despacho para una radio. Así es, el sol brilla. Llegan amigos: Ezequiel Acuña y Santiago Pedrero (director y coprotagonista de "Como un avión estrellado") aparecieron en la puerta del hotel Antillanca donde está la central de operaciones del festival de este año. Bize y Campos andan por los lobbies con la pacífica tensión de tener que mostrar tu película en un par de días, u horas. Este BAFICI recien pasado Acuña andaba igual. Pero ahora anda de paseo, echando buena onda.

La noche del jueves, en el tren, con Sebastián Campos anduvimos dándole vueltas a la teoría (mía, pero que él se quiere apropiar) de que ésta es la verdadera generación de relevo del cine chileno, desde, digamos, fines de los sesentas. De todas maneras, de momento, más que teoría es una hipótesis. Aun no veo las películas como deben ser vistas: en estas salas. Hipótesis de trabajo, le podemos llamar.

El viernes abrió fuegos "En la cama". No hablaré de ella en este momento porque no la vi realmente. Urgencias personales (no físicas) me obligaron a salir de la sala a la media hora de exhibición. Pero sí puedo decir esto, que es lo que le da el título a una canción de Lou Reed y a este post: dos personajes desnudos, tirando, es una bonita manera de enfrentarse a tus "viejos", los de Valdivia. Que "En la cama" haya estado en la apertura, finalmente, es una señal fuerte: si va a tirar, mijito, mejor háganlo en su casa. Entendiendo por tirar, claro, el riesgo cinematografico ( y es riesgo en serio) de parar una película con dos personajes hablando toda el metraje, desnudos, en una cama. Pero no diré más. Prefiero volver a verla mañana, como se merece (además, mi proyección fue en video, y prefiero verla proyectada en cine).

Hoy sábado es el momento de varias cosas: un documental español del que podría ser toda una curiosidad ("Apaga y vámonos", sobre Endesa y los mapuches), el imperdible y merecidisimo homenaje a Sergio Bravo, "En la cama", "Se arrienda" (según Diego Valenzuela, coproductor, se viene una comitiva gigante desde Santiago a ver la pelicula, en su world premiere) y fiestas varias. Vamos viendo como se desarrolla todo eso. Mántenganse en contacto con este blog, que este bloggero trabaja.

VALDIVIA... Las 10 películas que hay que ver

2005-09-29T09:06:00.000-04:00

Okey, okey... "La sagrada familia", "En la cama" y "Se arrienda" son los tres estrenos que hay que ver en Valdivia. Pero, ¿eso es todo? Hay más. Películas precedidas de buena fama, e incluso un par que ya vi en otros lados. ¿Cuáles? Estas. Están ordenadas por fecha de exhibición.

1. "APAGA Y VÁMONOS": Este documental español es el secreto mejor guardado del festival. Está en competencia, fue filmado en Chile (filmado en 35mm, nada menos, con cámara del chileno Sergio Armstrong) por un catalán llamado Manel Mayol, y trata sobre la construcción de la Central Hidroeléctrica Ralco y el conflicto mapuche. El título es perfecto, están todos los testimonios que tienen que estar (el abogado Roberto Celedón, el diputado Navarro) y según quiénes lo han visto, es impresionante. Fue estrenado en el mundialmente conocido Hotdocs (Canadá), y ya participó en It's all true (Brasil), Dok Fest (Munich), actualmente está en Biarritz (Francia) y tiene fechas para Docúpolis, Montreal, y otros festivales así de exigentes. Por su puesto, ni una sola linea ha aparecido publicada sobre su estreno en Chile en ningún diario chileno. Sábado 1 de Octubre, 17:30 hrs. Sala Cine Club UACH.

2. "MARÍA CANDELARIA": Aquí va a haber que elegir. Quienes no quieran entrar a la película anterior quizás prefieran ver este clásico-clásico del cine mexicano, con Pedro Armendáriz y Dolores del Río, ganadora del Grand Prix del Festival de Cannes en 1946 (y también a la mejor fotografía). Es un dramón dirigido por Emilio "Indio" Fernández, el más prolífico y autoresco del cine de rancheras. Si alguien decide ver solo una película mexicana en toda su vida, debería ver ésta. Prohibido disparar al aire al interior de la sala. Sábado 1 de Octubre, 16:30 hrs. Movieland Sala 4.

3. “SUEÑO AMARGO”: Para conocer sobre esta película del iraní Mohsen Amiryoussefi, copio:

Esfandiar es un preparador de cadáveres. El film lo seguirá tanto a él como a los otros "actores" en esa tarea cotidiana que llevan a cabo desde hace más de 40 años. Ante la revelación de su propia y cercana muerte, el protagonista intentará organizar el mundo para su futura ausencia y las relaciones con sus compañeros de trabajo comenzarán a modificarse, aun a su pesar. Falso documental sobre las prácticas mortuorias en Irán que va deviniendo en una especie de comedia de humor negro, con gags corporales y chistes que distienden y divierten por sobre la situación planteada, con personajes excéntricos y queribles. Extraña (uno sospecha que se queda afuera de una parte importante de ese universo, pero disfruta enormemente de lo que consigue apropiarse) y con búsquedas formales interesantes.

Sábado 1 de Octubre. 20 hrs. Lord Cochrane. REPITE: Miércoles 5 de octubre. 17 hrs. Movieland 5.

4. "SPRINGTIME": Esta película coreana de Ryu Jang-ha se exhibió con el título "Cuando llegue la primavera" en el último Festival de Mar del Plata, y según quienes la vieron, estuvo entre lo más pasable de ese muy argentino festival. ¿El subgenero? Profesor de música que inspira a sus alumnos. Vuelvo a copiar:

Springtime, sin ser una joya, respeta brillantemente las reglas de este subgénero. Y hasta elude ciertos convencionalismos con elipsis bien realizadas por el director. Además, la melancolía que tiñe el relato le da una sensibilidad especial. Película otoñal y querible; chiquita y, es cierto, no apta para una competencia festivalera. Ya estamos tomando nota sobre los actores de Hollywood que van a protagonizar la remake.

Domingo 2 de Octubre. 17:15 hrs. Lord Cochrane. REPITE: Martes 4 de Octubre. 19:15 hrs. Movieland Sala 5.

5. “COMO UN AVIÓN ESTRELLADO”. La segunda película de Ezequiel Acuña (el único director de la historia fanático del Club Atlético Chacaritas Junior) es un golazo de mediacancha: ganó la sección argentina del último BAFICI con esta historia sencilla y poderosa. Un chico argentino, vago, pálido y flaco se enamora secretamente de una chilena que ve en un aeropuerto. Luego, mientras trabaja en la tienda de mascotas de su hermano, la vuelve a ver. Y se porta con la torpeza habitual del que no sabe hacer con su suerte. La película se le ocurrió estando en Valdivia para el estreno de "Nadar solo", y una secuencia clave de hecho transcurre allí, pero como facilidades no tuvo para filmar en Chile, quedó con las ganas. Da lo mismo, eso sí. La película es bella, Manuela Martelli es bella, y está hecha con mano firme e inspirada. Está en competencia. Ojo con Blanca Lewin ("En la cama") y Macarena Teke (de "La sagrada familia"). Domingo 2 de Octubre. 22:30 hrs. Movieland Sala 5. REPITE: Lunes 3 de Octubre. 19:30 hrs. Lord Cochrane.

6. “20 FINGERS”: Una película Linklater, pero dirigida por una mujer iraní. Una pareja discute de los grandes temas de las relaciones de pareja (los celos, la posibilidad de hacerse un aborto, la infidelidad de las parejas amigas, y el clásico "¿por qué bailaste con él delante mío?") en viñetas de planos secuencias de 10 minutos sin cortes: las conversaciones transcurren en movimiento (dentro de un auto, en un andarivel, en una mota, en una lancha) y las actuaciones son de una naturalidad muy occidental. La directora es Mania Akbari, la musa de Kiarostami, y la película está dedicada a él. Lunes 3 de Octubre. 17:15 hrs. Lord Cochrane. REPITE: Jueves 6 de Octubre. 15 hrs. Movieland Sala 5.

7. “GÉMINIS”: Esta no es en absoluto mi personal favorita, pero mucha gente pareció disfrutarla en su estreno en BAFICI. Es de Albertina Carri, la directora del documental (o algo así) "Los rubios", inédito en Chile. La historia es la historia de amor "prohibida" de hermano y hermana en una familia cuica argentina. Lunes 3 de Octubre. 15 hrs. Movieland Sala 3. REPITE: Jueves 6 de Octubre. 22:30 hrs. Movieland Sala 3.

8. "EL CHE DE LOS GAYS": Este documental es total. Simple, hecho con pocos recursos, pero muy bien contado. El protagonista es Víctor Hugo Robles, el activista de derechos homosexuales que por su boina le llaman, claro, el Che de los gays. El personaje es total, muy chileno, cercano a su abuelita, y lo vemos cómo interpela a Silvio Rodríguez, Joan Manuel Serrat y Pedro Lemebel. Qué decir de la banda sonora: Raphael y Camilo Sesto. Total y cortita (35 minutos). Dirigida por Arturo Alvarez Roa. Martes 4 de Octubre. 15 hrs. Aula Magna UACH.

9. "NO ERAN NADIE": Este festival incluye una restrospectiva bastante completa de Sergio Bravo, creador del Centro de Cine Experimental de la Universidad de Chile, junto con Pedro Chaskel, en 1957. Qué decir: este largo de ficción con mano de documentalista estuvo en Cannes en 1982 y luego participó en Torino, Locarno y Huelva cuando todo indicaba que el cine chileno había desaparecido. Con Marés González, filmado en Chiloé, y colaboración en los diálogos del gran Juan Radrigán ("Hechos consumados"). Miércoles 5 de Octubre. 18 hrs. Aula Magna UACH.

10. “3 ROOMS OF MELANCHOLIA”: Este documental del finladés Pirjo Honkasalo ha sido alabado donde lo han mostrado. Veamos por qué:

Un documental en tres actos, que tienen como eje temático la guerra en Chechenia y las consecuencias sobre la población juvenil. Una voz en off sólo se ocupa de hacernos conocer a quienes aparecen en pantalla, sin ninguna clase de subrayado. Primero vemos a adolescentes reclutados por una academia militar, luego a una mujer que se encarga de recolectar a los hijos de personas que no pueden mantenerlos y finalmente un rito religioso tan brutal como ancestral. La violencia y dureza se desprende de casi todas las imágenes; la melancolía a la que alude el título, de los rostros de esas pequeñas víctimas. En algunos pocos momentos la posición de la cámara frente al dolor puede generar polémica. Pero se trata tan sólo de otro más de los puntos atrayentes de este fascinante docudrama. Los tres estados de la melancolía exige mucho al espectador por su ritmo pausado, y por la forma ascética con que está narrado.

Jueves 7 de Octubre. 15 hrs. Lord Cochrane.

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Y OTRAS DOCE: La extrañísima "A year in the death of Jack Richards" de Benjamin Paquette (Domingo 2 de Octubre, 17:30 hrs, Movieland 3; y Lunes 3 de Octubre. 15 hrs. Movieland Sala 5); "Quiero estar contigo" de Chen Kaige (Lunes 3 de Octubre, 22 hrs, Cine Club UACH); la algo floja “Coffee and cigarettes” de Jim Jarmusch (Martes 4 de Octubre, 15 hrs, Lord Cochrane; y Miércoles 5 de Octubre, 22 hrs, Aula Magna UACH); un adelanto de la esperada mezcla de terror y ciencia ficción de Coke Hidalgo, “El huésped” (Martes 4 de Octubre, 17:30 hrs, Cine Club UACH); “Obreras saliendo de la fábrica” y “Ningún lugar en ninguna parte”, del pegadísmo e inspirado José Luis Torres Leiva (Martes 5 de Octubre, 20 hrs, Aula Magna UACH); o si no a la misma hora, la festivalera "Temporada de patos" del mexicano Fernando Eimbcke (Martes 5 de Octubre, 20 hrs, Movieland Sala 3); "Familia rodante" de Pablo Trapero (Miércoles 6 de Octubre, 15 hrs, Movieland Sala 3; y en la misma sala, Jueves 7 de Octubre; 17:30 hrs); el ochentero documental "80s" de Eduardo "Sobras" Bertrán (Jueves 7 de Octubre, 10 hrs, Cine Club UACH); "Gabriela del Elqui", el documental de Gabriela Mistral dirigido por Luis Vera (Jueves 7 de Octubre, 12 hrs, Lord Cochrane); “The missing” del taiwanés Lee Kang-Sheng (Jueves 7 de Octubre, 17 hrs, Cine Club UACH); y la llamada "realista mágica" (¡horror!) “Cuento de hadas para dormir cocodrilos” del mexicano Ignacio Ortiz (Jueves 7 de Octubre, 17:30 hrs, Movieland Sala 4).

"PLAY" al Oscar

2005-09-28T15:57:00.000-04:00

...y "Mi mejor enemigo" a los Goya. Se seleccionó entre las películas estrenadas entre el 1 de octubre de 2004 y el 30 de septiembre de 2005. Acá pueden ver la nota oficial del sitio del Consejo de la Cultura. Aún no veo "Play", pero he escuchado buenos comentarios de gente que me merece mucho respeto... sobre todo por el sentido de humor que está detrás de la película.

EL AMANTE habla de "MACHUCA"

2005-09-27T20:20:00.000-04:00

Ya sabrán algunos amigos, por razones que ni yo entiendo mucho, todos los meses me envían un cargamento modesto de revistas EL AMANTE que me encargo personalmente de distribuir entre suscriptores y librerías en Chile (no saben lo que es...).

No es un gran negocio, pero la revista me encanta y creo que hace la crítica de cine que me gustaría leer más a menudo en Chile: bien escrita, clara, con mucho humor pero con planteamientos serios. Y sobre todo, apasionados. Nuestros amigos encabezados por Gustavo Noriega (panelista del programa de Roberto Pettinato, "Indomables", que se podía ver todos los días en el cable en Chile, a la hora de las teleseries, en America... pero ahora se cambiaron de canal) acaban de cambiar de diseño de la revista, por uno más moderno e igualmente sobrio pero nunca latero.

En este número se incluye un impecable dossier de Wong Kar-Wai. Y la tapa se la ganó la segunda y esperada película de Fabián Bielinsky (el mismo de la también excelente "Nueve reinas"), cinta que, ya se sabe, abrirá el Festival de Cine de Viña de este año (también, se dice, se estrena el 3 de noviembre, un día antes de mi cumpleaños). Y bueno, entre una de las notas de la revista, el bueno de Noriega le dedica dos páginas a "Machuca" de Andrés Wood, recientemente estrenada en Buenos Aires. Según Noriega, en "Machuca" se desnuda el pecado original chileno, el pecado de la traición de una clase a otra, y la pone al lado de "La batalla de Chile" de Patricio Guzmán, ya saben, uno de los mejores trabajos documentales de la historia del cine, y al cual tan poca bola se le sigue dando en este país. (Según Noriega, el actor Ernesto Malbrán, que interpreta al cura de "Machuca", aparece también en "La batalla de Chile". Yo no lo recuerdo... ¿sabe alguien dónde?)

Como sea, compren El Amante. Se hacen un favor ustedes, y me hacen un favor a mí. Está disponible en Bazuca, en "Metales pesados", "Altamira" y la excelente librería de cine y dramaturgia de calle Merced, "Prologo's".

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También se puede encontrar otro favorable comentario de "Machuca" de parte de Javier Porta Fouz, editor de la revista. La nota es parte de la cobertura de El Amante al pasado Festival de Cine de La Habana. Dice:

No es fácil encontrar propuestas tan ambiciosas y desafiantes como Machuca -una película mucho más preocupada por la conexión que por la perfección- en un festival.

VALDIVIA... Quedan 4 días

2005-09-26T01:35:00.000-04:00

Tengo mucho que decir, pero poco tiempo: se acaba de publicar el programa completo del festival. Es medio nerd que el primer día (en rigor, el segundo) se den seguiditas dos películas estrellas del festival ("En la cama" y "Se arrienda"), y que el domingo pase algo parecido con "La sagrada familia" y "Como un avión estrelllado". ¿Acaso no quieren dejar ni un minuto para tomarse una Kutsmann y digerir y pelar y todo lo que se hace frente a un crudo? Pero en fin. Denme un par de días para confeccionar los imperdibles de cada día. Saludos!

VALDIVIA... Quedan 7 días

2005-09-23T09:21:00.000-04:00

Finalmente no va Salma Hayek a Valdivia. Qué alivio. ¿A quién le importa realmente Salma Hayek? Su presencia habría sido una incómoda muestra de provincialismo. ¿Qué tiene que ver Salma Hayek con la clase de cine que se verá este año en Valdivia? Su presencia iba a terminar por tragarse todo lo importante que pueda pasar en este festival. Como la retrospectiva bastante completa del gran Sergio Bravo. Se trata de 12 películas: 10 documentales realizados entre 1957 y 1985 + un argumental de ficción ("No eran nadie", que estuvo en la sección "Una cierta mirada" en Cannes en 1982) + la primera restauración hecha en Chile, en 1962, cuando Bravo encontró una copia de "El husar de la muerte", la restauró, y nos dejó para siempre la posibilidad de ver una película muda de Pedro Sienna (hasta hace poco la única película muda chilena que existía, por lo menos hasta que en Concepción encontraron "Canta y no llores corazón", restaurada el año pasado por Carmen Brito). O sea, estamos hablando de esos hombres mitos vivientes del cine chileno. Bravo no sólo fue clave en el Nuevo Cine Chileno (fue fundador del Centro de Cine Experimental de la Universidad de Chile en 1957), también es de los padres del documentalismo nacional, a la par de Pedro Chaskel, y en curiosa contraposición al cura Rafael Sánchez, que era la competencia de Bravo en el Instituto Filmico de la Universidad Católica. Ver sus películas en Valdivia no solo será una oportunidad única: será también un honor. Bravo es conocido por la manera directa de decir las cosas, y un carisma muy propio de su época: de hecho, le tiene puesta una demanda a Abdullah Omnivar, de la Fundación de Imágenes en Movimiento, por haber pasado a TVN una copia de "El husar de la muerte" para su exhibición. O sea, se las trae. Es la persona para conocer y apreciar en este festival.

El verdadero San Sebastian

2005-09-22T00:29:00.000-04:00

La prensa se está cuadrando con "La Sagrada Familia". La Tercera ha seguido de cerca el paseo de Sebastián Campos y compañía por el festival español, ayer La Segunda no quiso ser menos: ya la da de favorita para ganar la sección Horizontes del Festival de Cine de San Sebastián. Acá debo ser honesto: no solo creo que "La Sagrada Familia" debiera ganar el festival; creo que debiera ganar todos los festivales que tenga por delante. Es una gran película, y no solo eso: Sebastián Campos & Cia (la gran Ursula Budnik a su lado) son grandes personas, estupendas personas, haciendo un trabajo tremendamente profesional. Si esa clase de personas no gana premios, y esta clase de películas no gana premios, bueno, son los premios los que están equivocados. Así que ¡fuerza en San Sebastián! Desde aca vemos las fotos y seguimos esta teleserie desde el atinado blog que han levantado contado sus peripecias (y mostrando sus fotos con Paty López, Néstor Cantillana y Maca Teke). Un gran abrazo a todos.

Ultima hora: "É proibido proibir", de chileno Jorge Durán, radicado en Brasil y representando a ese país, fue la ganadora de CINE EN CONSTRUCCION, la sección que ayuda a sacar adelante las películas que no han sido terminadas. "El rey de San Gregorio" de Alfonso Gazitúa (Chile) no obtuvo premios, y "El telón de azúcar" de Camila Guzmán (hija del documentalista chileno Patricio Guzmán) ganó un premio TVE que garantizó la compra de derechos de transmisión de la película en España y Andorra.

VALDIVIA... Quedan 10 días

2005-09-20T13:06:00.000-04:00

Yo ya reservé mis pasajes. Estoy acreditado. Voy la semana corrida. En este blog tendremos cobertura completa. TODO CHILE VA A VALDIVIA. No solo se presenta este año una generación de recambio del cine chileno con óperas primas muy esperadas (Matías Bize, Sebastián Campos, Fuguet, y las ya estrenadas de Alex Bowen y Alicia Scherson) sino que además es el momento del despegue. Ya no el despegue comercial (sí, la gente ya va al cine a ver películas chilenas), sino que el verdadero despegue, el artístico. Llámenme optimista, pero en este Valdivia hay muchas posibilidades de que seamos testigos de un renacer del cine chileno, donde voces nuevas están tratando de decir otras cosas... de otra manera. Este festival puede hacer historia y, por lo menos estar a la altura de ese legendario festival de 1967 en Viña del Mar, cuando se configuró una red de cineastas nuevos (Aldo Francia, Miguel Littin, Raúl Ruiz, de alguna manera, Helvio Soto y Patricio Kaulen, y los documentalistas Sergio Bravo, Pedro Chaskel, el cura Rafael Sánchez, Carlos Flores, Patricio Guzmán) que formarían la primera y única generación de directores que ha tenido el cine chileno. Dos años más tarde, en el festival de Viña de 1969, se estrenaría la trilogía virtuosa de lo que fue el Nuevo Cine Chileno: "Valparaíso Mi Amor", "El Chacal de Nahueltoro" y "Tres tristes tigres". El punto es que todos los directores chilenos de esa época dieron fuerza a un movimiento que sigue vibrando hoy (Carlos Flores, actual director de la Escuela de Cine de Chile, es quizás la conexión más evidente) . Y este festival puede ser el momento en que todo eso explote. De que podamos ver, de una vez por toda, la aparición de una segunda generación de cineasta chilenos (contemporáneos entre sí, salidos de escuelas de cine, pero sobre todo, en una búsqueda común).

En fin. Digan lo que quieran. Enloquecí. We love Lucy. El Festival parte el viernes 30 de septiembre y termina el jueves 6 de octubre. Quienes quieran ir pueden comprar sus pasajes en ferrocarriles, hacer sus reservas por telefono, y tienen un 30% de descuento si imprimen este cupón y lo presentan en boleterías. Es lo que acabo de hacer. Hay que apurarse, que se agotan...

OJO: Hoy aparece una muy atinada nota en La Tercera sobre el nuevo libro de Jacqueline Mouesca, "El documental chileno". Lo estoy leyendo, y está espectacular, como todo lo que hace la señora Mouesca. Es un trabajo muy profesional y cariñoso, que se lee sin ninguna carga. Curiosamente, no había ningún libro sobre el documental chileno, y eso que es género que en Chile tiene gran tradición. Ya le dedicaremos más.

Schiappacasse, Eggers y Ana González

2005-09-19T11:25:00.000-04:00

Tres cosas que me llamaron hoy la atención:

La nota de Aldo Schiappacasse en revista Deportes Full de El Mercurio sobre "Las Diez Mejores Películas de Fútbol", una verdadera odisea periodística, si consideramos que la mayoría de las personas apenas podría recordar UNA película que tenga que ver con el fútbol, y si la recuerdan, habitualmente esa película es mala. El listado de Schiappacasse es una bofetada a los prejuicios, aunque el 80% de sus películas tienen menos de 10 años, y la que está en primer lugar es una que habitualmente dan en el Hallmark Channel. En el segundo lugar hay un documental, la cuarta es una del director de la respetable "Outside Providence", la 7 es la que tiene guión del siempre necesitado de cariño Nick Hornby (y no es el reciente remake con Drew Barrymore, trasplantada al mundo de beisbol, dirigida por los hermanos Farrelly, que tiene el mismo título). También aparece la de Andrés Wood (puesto bien ganado) y un par más de las que nunca había escuchado hablar. Como es un cinéfilo preocupado, y un amante del cine italiano, este listado es de respetar. Las películas futboleras de Schiappacasse son: 1) "Mike Bassett: El entrenador inglés" (Mike Bassett: England Manager, 2001, Steve Barron); 2) "The game of their lives" (2002, Daniel Gordon); 3) "Match en el infierno" (Két félidö a Pokolvan, 1962, Zoltán Fábri); 4) "A shot of glory" (2001, Michael Corrente); 5) "El milagro de Berna" (Das Wunder von Bern, 2004, Sonke Wortmann); 6) "Póker de ases" (Pilkarski poker, 1989, Janusz Zaorski); 7) "Fiebre en las gradas" (Fever Pitch, 1997, David Evans); 8) "Historias de fútbol" (1997, Andrés Wood); 9) "Shooting star" (3 zéros, 2002, Fabien Onteniente); 10) "Tifosi" (1999, Neri Parenti). Para leer el artículo completo, puesto que al cabo de una semana es retirado del sitio de El Mercurio, dejé una copia en la parte de comentarios de este post.
Probé el nuevo buscador de Google para blogs, blogsearch.google.com, y para mi sorpresa, cuando escribí mi nombre, apareció un blog donde se refieren a una revista en internet donde publicaron un artículo de Dave Eggers que yo, alguna vez, presenté y traduje para la Zona. La revista donde aparece la nota se llama Guardagujas, y al parecer, es de poesía y literatura. La nota de Eggers es sobre qué significa realmente ser un vendido, y porque eso es una estupidez. Magnífico. Quizás hubiera sido un delicado detalle que los tipos hubieran pedido autorización para publicarlo, como hace la gente ultradecente. Pero está bien, ¿no?
En este fin de semana dieciochero la tele chilena se portó mal: casi no se exhibieron películas chilenas clásicas, como se hacía antes. Apenas dieron "El gran circo Chamorro" en TVN, el sábado y a la medianoche. O sea, cuando nadie (excepto los guardias de edificios) la podían ver. Y nada más. Si a alguien le importa, hoy a las 10 de la noche dan en ARTV "La dama de las camelias" del argentino José Bohr, con Ana González, una de las primeras películas que fueron rescatadas y restauradas. Es una comedia demente, porque, claro, Ana González era una loca. Imperdible.

Centro de Extensión UC RECARGADO (Y UNA PELÍCULA TURCA QUE TODOS DEBERÍAN VER)

2005-09-09T06:51:00.000-04:00

A veces, tienes algo frente a los ojos y no te das cuenta de lo que tienes. Por años, yo me refunfuñado por el funcionamiento de la sala del Centro de Extensión de la Universidad Católica. Puede que buena parte de esa queja se remita al hecho de que la Católica (donde yo estudié) siempre me parece un convento en eterna misa, un palacio del bostezo, un lugar donde la cultura se mueve gateando, sin apuros, casi con las venas congeladas. Pues bien, por fin ha llegado la hora de comerme mis palabras. No es que la Católica haya cambiado demasiado. Simplemente, este año la sala administrada por Alicia Herrera (y sostenida por las cariñosas proyecciones del entrañable Byron) este año ha hecho un excelente trabajo.

A pesar de los eternos problemas de la mala información, las butacas estrechas y la curiosa curatoría (poco se sabe bajo qué criterio se eligen, por ejemplo, las películas del Festival de Cine Europeo que hacen todos los años), en esta temporada en el Centro de Extensión UC ya se anotaron dos goles: primero, con el imperdible aunque algo apurado ciclo de Glauber Rocha (que duró apenas una semana, la misma semana del SANFIC), y que según supe, a pesar de eso, tuvo buena asistencia de público. Faltaron un par de películas, y alguien me contó que una de ellas se exhibió en video (lo que no tiene nada de malo, SI APARECE DESCRITO ASÍ EN EL PROGRAMA), pero en la suma total el ciclo fue uno de los grandes momentos cinematográficos del año, y pudo darse el lujo de editar un pequeño pero esclarecedor monograma impreso que acompañó el programa del cineasta.

Es probable que el ciclo no haya tenido toda la cobertura mediática que una muestra así ameritaba (¿por qué no se llenaron las calles con retratos de Rocha, como ocurre en las ciudades de verdad? ¿por que no fue posible traer la invaluable colección fotográfica que tiene la Fundación Rocha en Brasil?), pero aun así tener la oportunidad de ver ese western del Hombre Nuevo llamado "Dios y el Diablo en la Tierra del Sol" es algo que un cinéfilo bien educado no puede dejar de agradecer.

Lo mismo debe decirse del reciente ciclo de "Cine y Patrimonio", que desempolvó buena parte de los materiales del ex Instituto Filmico de la UC, lo que incluyó la exhibición de varios documentales del cada más pivotal Rafael Sánchez, el cura-cineasta-maestro del cine chileno y mentor de Patricio Guzmán y Francisco Gedda, entre muchos otros. De él pudimos ver también su difícil-de-encontrar largo de ficción "El cuerpo y la sangre". En el ciclo de exhibió de todo, de todos: documentales del cobre de Patricio Kaulén, restauraciones de la época muda de Carmen Brito ("El húsar de la muerte" y la más reciente "Canta y no llores corazón"), cortometrajes del Ictus de Claudio DiGirolamo ("La cantante calva"), y hasta comerciales de Coca-Cola, Shelltox, Sindelen y galletas McKay.

Mención aparte debe hacerse de una rareza de cine negro chileno de la cual no tenía noción de su existencia: "El ídolo" (1952) de Pierre Chenal, un cuarentero thriller en la que un conocido actor de cine y teatro debe investigar el extraño "suicidio" de su esposa en un hotel de Viña del Mar. No es difícil encontrar información de Chenal en internet: al parecer, este director belga hizo un par de películas en Chile de las que no había escuchado hablar. Por lo menos, esta "El Idolo" nos muestra un Santiago que no conocemos, pero por sobre todo un cine chileno tratando de ponerse en las modas del cine mundial, con personajes que viven en oficinas con persianas por las que se cuela la luz, y mujeres fatales sin redención. Lo que hace más grande el misterio es que la película fue exhibida en una versión de 50 minutos por el aparente extravío de dos rollos claves en la trama de la película, lo que múltiplica el misterio por dos: tratar de entender de que se trata el caso policial, y luego, intentar saber quien es el asesino. Y tiene un momento cinematografico maravilloso: una persecusión nocturna al criminal en las riberas del Río Mapocho, cuando uno ya pensaba que nadie había filmado cine así en una época así.

El encuentro de patrimonio fílmico terminó con la exhibición de una copia restaurada e inédita de "El Acorazado Potemkim", a 18 cuadros por segundo y con música del inspirado DJ Bitman, una reconfortante y agradable función al mediodía de un domingo en la sala Fresno del Centro de Extensión. Una verdadera misa cinéfila dominical a la que fue buena parte de los que siempre están, de los que no dejan de sorprenderse con el cine. Saludé al pasar a Nacho Agüero, Vivi Erpel, Carlos Flores, Carmen Brito, Isabel Mardones del Goethe, quien presentó entusiastamente la película... Y a la diligente y embalada Alicia Herrera, que es de esas personas a las que nunca se les agradece nada, pero que día a día hacen el duro trabajo de conseguirnos las películas para que las disfrutemos.

HABLANDO DE ESO... HOY Y MAÑANA HAY FUNCIONES IMPERDIBLES DE "LEJANO" (UZAK) DE NURI BILGE CEYLAN, cinta que abre el II CICLO DE CINE TURCO que estará hasta el 19 de septiembre. La película estuvo en BAFICI 2004, y es TOTAL. Una comedia de convivencia que transcurre en los occidentalizados parajes de ESTAMBUL, ciudad que, sabrán mis más cercanos, tuve la oportunidad de conocer en noviembre de 2003. Se trata de un tipo solitario y algo exitoso que recibe en su casa (a regañadientes) a un primo del campo, ignorante y pobretón, que viene a probar suerte a la ciudad. El primo "urbano" es un pesado de mierda, y el primo "huaso" es un encanto. La película es un fiel retrato de la soledad masculina, un tema del que poco se habla y, como podrán imaginarse, es oro líquido (y muy universal) para la comedia. Como si fuera poco, la película transcurre durante doce meses, así que podemos ver cómo pasan las cuatro estaciones por Estambul, incluyendo una bellas secuencias en la nieve. ¿Qué más? Hay que verla. Hay una escena con un video porno que es lo más divertido que he visto en años. La película compitió por la Palma de Oro en Cannes 2003. No la ganó, pero obtuvo el Gran Premio del Jurado (que es casi mejor) y ambos actores protagonistas se llevaron el premio al mejor actor. Para quienes la vean, Emin Toprak, quien interpreta a YUSUF, el amigo "huaso" de la película, falleció en un accidente automovilistico a finales del 2002 y nunca supo de su premio en Cannes. ES IMPERDIBLE. Se exhibe hoy y mañana en en CENTRO DE EXTENSION (Alameda 390, hoy a las 19 y 21:30 hrs, mañana a las 19 y 21:30 hrs).

DETALLES SOBRE AVALANCHA DE CINE en "Artes y Letras"

2005-07-31T13:14:00.000-04:00

Esta es la nota que publiqué hoy en Artes y Letras, respecto a Rocha y Sanfic. Slds, GM.

Avalancha de cine

Así es Santiago. Pueden pasar meses de pobreza, y de repente, en la misma semana, se vienen encima dos megaeventos cinéfilos: uno, un festival de cine con 40 estrenos imperdibles, y el otro, una completa retrospectiva de maestro brasileño Glauber Rocha, padre del Cinema Novo. Todo en menos de diez días. De no creerlo.

Para un amante del cine no quedan muchas más opciones que mañana lunes llamar a la oficina, reportarse enfermo y tomarse la semana corrida, porque posibilidades como estas no se dan todos los días en la esmirriada cartelera local. Curiosamente, tanto el Festival Internacional de Cine de Santiago (en Cine Hoyts La Reina) como la retrospectiva de Glauber Rocha (en el Centro de Extensión de la Universidad Católica) aparecen anunciados casi de un día para otro, con la urgencia de las buenas noticias, y ambos son eventos de categoría. Dos oportunidades únicas de ver cintas, y ver mundos, que no acostumbramos ver en nuestras pantallas.

El llamado Sanfic (acrónimo de Santiago Festival Internacional de Cine) comienza este miércoles, termina el domingo y promete el mismo ambiente de su primo mayor, el prestigioso Bafici (la misma lógica de siglas, pero con Buenos Aires al comienzo e Independiente al final), que se realiza desde 1999 en múltiples salas de la capital argentina. El último Bafici congregó 300 estrenos del “otro cine”, que a estas alturas es todo el cine que se realiza y se exhibe en los márgenes de lo más selecto del cine internacional. Cine que no es cine arte, ni alternativo, ni independiente. Para Carlos Núñez, director general del Sanfic, estas son etiquetas que llevan a la confusión. “Es simplemente un cine que está en otros circuitos de exhibición, diferentes a los circuitos puramente comerciales. La idea de hacer este festival es conectar a Santiago con ese circuito, logrando alianzas con directores y productores, y posicionando a la ciudad en el mapa mundial”.

La tarea no ha sido fácil: luego de dos años visitando festivales en todo el mundo, abriendo puertas (presentados por los organizadores del Bafici), el periodista Carlos Núñez y la productora Gabriela Sandoval lograron congregar las 40 películas que se exhibirán en el festival, traer a los 23 invitados internacionales que traen, y generar una competencia latinoamericana entre las películas más importantes y premiadas de la región en la última temporada, como “Los muertos” de Lisandro Alonso, y “Play” de la chilena Alicia Scherson.

El Bafici, que los cinéfilos chilenos más afortunados han tenido la ocasión de visitar, es una fiesta de la ciudad: todas las funciones están llenas, las entradas se agotan con anticipación, y los diarios publican suplementos especiales con la programación. Carlos Núñez trabajó en producción de ese festival hace dos años, cuando el crítico argentino Quintín estaba como director (hasta antes de pelearse con las autoridades de la ciudad, y ser expulsado en una misteriosa maniobra). Impregnado de ese espíritu, ahora se muestra orgulloso de las películas que pudo recolectar para esta primera versión, financiada totalmente por privados.

Y los títulos brillan por sí mismos. Desde la última demencia de John Waters, llamada “A dirty shame”, hasta “2046”, la esperada mirada al futuro de Wong Kar Wai (conocido en Chile por “Con ánimo de amar”) parecen ser los dos extremos de la muestra. Entre medio, cabe un sin fin de delicias. En la sección “Cercano oriente” se harán presentes: “Nobody Knows” de Hirozaku Koreeda (director de “After life”), “Tale of cinema” del coreano y desconocido en Chile Hong Sangsoo, “La casa de las dagas voladoras” (la única con fecha pronta de estreno en nuestro país), del chino Zhang Yimou, y de quien ya se han exhibido buena parte de sus largometrajes, como “Sorgo Rojo”, “Ji-Dou”, “Esposas y concubinas” y sin ir más lejos, la bombástica “Héroe”, el año pasado. Si se desea quedar con la quijada dando botes en el suelo ante la espectacularidad de las artes marciales, ahí también estará “Kung Fu Hustle” de Stephen Chow.

No es todo: del cada vez más querido Michael Winterbottom (“Manchester: La fiesta interminable”, aun en cartelera) llegará “Código 46”, con Tim Robbins y Samatha Morton; del jabonoso y melancólico Olivier Assayas llegará “Clean”, con Nick Nolte y y la siempre bella Maggie Cheung; el respetado e inasible documentalista Chris Marker nos contará sobre la obsesión que tienen los parisinos con llenar la ciudad con murales de gatos en “Chats perches”.

Qué decir de las películas más comentadas en los principales festivales del mundo: la difícil vida de dos amigos palestinos horas antes de cometer atentados terroristas suicidas es la temática de “Paradise now” de Hany Abu-assad, que se llevó el premio del público en Berlin hace unos meses; los desesperados pobladores de un pueblo iraquí desean encontrar una antena parabólica para informarse del inminente ataque norteamericano, en “Las tortugas también vuelan”, mejor película en San Sebastián. Un desadaptado treinteañero cuenta la historia de su tormentosa vida con las películas familiares que editó en su notebook, y llama la atención del mundo en la taquillera y muy gay “Tarnation”, de Jonathan Caouette. Qué decir de los documentales “El cielo gira” y “The irrational remains”: se han ganado practicamente todos los festivales.

En fin: la lista es casi interminable. Viene un contingente interesante de cine argentino, animaciones, work-in-progress de las películas de Fuguet y Rodrigo Sepúlveda y más. Imperdibles absolutos, eso sí, son dos cintas. Una, “Mondovino”, un impresionante documental sobre el negocio del vino, que termina hablando de cien temas (las familias, la tierra, las ironías del mercado, la relación de los humanos con los perros, etc) y que con mano firme, pero cámara en mano, emociona, informa y hace pensar, sin esnobismos de ninguna clase. La otra es “Tropical Malady” del impronunciable maestro tailandés Apichatpong Weerasenthakul, una bella, muy bella historia sobre lo que cualquiera aquí podría llamar... el chupacabras.

El test de Rocha

Y claro, por si esto fuera poco, por si la tiranía del espacio periodístico ya no es lo suficientemente malvada como transformar películas complejas y llenas de sublecturas en frases de una sola línea, la semanita se nos completa con este inigualable regalo: un ciclo casi completo del director latinoamericano más críptico e interesante para las nuevas generaciones: el bahiano Glauber Rocha. Como dice un amigo argentino, hablar de Rocha es como hablar de Frank Zappa: siempre es bien mirado en una reunión social sacar a relucir su nombre. Es enigmático, poderoso, eléctrico, y muy poca gente sabe de su existencia.

Pues bien, esta es la oportunidad de ponerse al día con su cine. El Centro de Extensión de la Universidad Católica golpea la mesa con este ciclo de ocho largometrajes y cuatro cortometrajes, entre ficción y documental, realizados por el padre del llamado Cinema Novo, el movimiento que a comienzo de los años sesentas puso a Brasil en el mapa fílmico mundial, al considerar el cine como una respuesta política, estética y casi ética a la situación de su país. Se dice que todo surgió como una respuesta al falso refinamiento de “Orfeo negro” (1959) de Marcel Camus, una muy estilizada mirada primermundista al Carnaval de Río. A partir de eso, directores como Nelson Pereira dos Santos, Ruy Guerra, y en menor medida, Rogério Sganzerla y Joaquim Pedro de Andrade, fueron a la búsqueda del Brasil profundo, donde la selva convive con secos parajes casi sacados del western, donde la pobreza es mirada de frente, y los campesinos son retratados como figuras de una fortaleza moral pocas veces vista en el cine.

Pues bien, Glauber Rocha es el padre de todo esto. Su autodenominada “estética del hambre” es una fiera mirada a lo que hacía el cine en su época. “Dios y el diablo en la tierra del sol” (1964) es considerado el film más importante del cine brasileño: un western seco y violento, en el que se enfrentan Manuel, un campesino que asesina a su patrón para unirse a un movimiento revolucionario comandado por mesiánico líder llamado Sebastian, y Antonio das Mortes, un oscuro asesino a sueldo contratado por la Iglesia y los latifundistas. “Dios y el diablo” es la primera de la trilogía rochiana: le sigue “Tierra en trance” (1967, donde el héroe es ahora un poeta intelectual tironeado entre la autoridad religiosa y la secular) y “Antonio das Mortes” (1969) vuelve a la figura del asesino a sueldo, pero esta vez con sentimientos encontrados: ¿vale la pena acabar con los campesinos rebeldes, o es mejor unirse a ellos?

Los héroes de Rocha son así: zigzagueantes, en caminos elípticos que los llevan a la plena lucidez. Es cine político, claro, pero sin los conformismos ni las reducciones de Costa Gravas y otros tantos. En este ciclo podrán verse “Barravento” (1962), su primer largometraje sobre un poblado de pescadores atrapado por las supersticiones; un programa que incluye su primer cortometraje (“Patio”), una mirada documental a la selva (“Amazonas, amazonas”) y el registro del funeral del pintor Emilio Di Calvacanti (“Di Calvacanti”), película que hasta el día de hoy no se puede exhibir en Brasil por motivos legales.

Completan la muestra las absolutamente inéditas en Chile “Claro”, “Cáncer”, “Historia del Brasil”, “Jorjamado no cinema” (un entrevista al emblemático escritor Jorge Amado, hecha para la televisión), y “Rocha que voa”, un documental sobre el cineasta, dirigido por su hijo Eryk Rocha, quien estará de visita en nuestro país presentando la película y contando lo que los hijos suelen contar de sus padres famosos: anécdotas sabrosas a medio camino entre la admiración y la familiaridad. No es poco.

“Sanfic: Festival Internacional de Cine de Santiago”. Cine Hoyts La Reina. 5 salas. Av Ossa 655. Desde el miercoles 3 al domingo 7 de agosto. Más info en www.santiagofilmfestival.com

“Retrospectiva de Glauber Rocha”. Centro de Extensión de la Universidad Católica. Alameda 390. Desde el lunes 1 al martes 9 de agosto. Funciones a las 16, 19 y 21:30 horas. Más info en www.puc.cl/eventos/fichas/rocha.htm y en el fono 3546540.

Avalancha de cine

2005-07-28T14:26:00.000-04:00

Paren las prensas... paren las prensas... Se viene la semana más cinéfila del año, y hay que prepararse. Simultáneamente, y al parecer por una mera casualidad, habrá dos imperdibles en Santiago: 1) SANFIC, o Festival Internacional de Cine de Santiago, o "las películas del Festival de Cine de Buenos Aires, pero en el Hoyts de La Reina, por una semana", entre el 3 y 7 de agosto; y 2) Una completa retrospectiva del director brasileño GLAUBER ROCHA, padre del Cinema Novo, un arácnido del cine latinoamericano, entre 1 y el 9 de agosto. Curiosamente, es una retro similar a la que corrió paralela con el BAFICI 2004 en el Malba de Buenos Aires. Por fin tenemos buenas películas en Santiago. Hay que prepararse, porque será un concentrado multivitamínico único que no hay que dejar pasar. Pueden chequear los programas de los respectivos eventos aquí y aquí. Los imperdibles en un próximo blog.

HITCHCOCK / "Psicosis" y "Marnie, la ladrona"

2005-06-07T02:25:00.000-04:00

Esta nota fue escrita para revista RTV, del cable de VTR, para aparecer en julio. -GM

Los dos brazos de Hitchcock

Sir Alfred Hitchcock, el director de cine más famoso de la historia, el creador del suspenso, las películas de catástrofe y los asesinatos en la ducha, entre otras pesadillas, falleció hace ya 25 años. Pero sus películas siguen vivas e imparables. Por fortuna, este mes Cinecanal Classics exhibirá dos de sus cintas más extremas, dos ejemplos de cine puro: "Psicosis" y "Marnie, la ladrona".

Gonzalo Maza

Hay muchas y muy buenas razones para ver (y volver a ver) “Psicosis” y “Marnie, la ladrona”. Aunque a primera vista no lo parecen, ambas conforman un magnífico programa doble: no hay dos películas de Hitchcock tan distintas y tan similares a la vez; en conjunto, ambas dibujan las fronteras de su cine. “Psicosis” (Psycho, 1960) es la película más famosa y exitosa del director británico y, probablemente, la más citada, analizada, copiada y ultrajada de la historia; “Marnie, la ladrona” (Marnie, 1964), en cambio, no tuvo éxito alguno, fue ignorada y despreciada por público y crítica, y aunque incluso hoy es incomprendida, trae consigo una pesada carga de angustia y represión.

Janet Leigh y Tippi Hedren, las protagonistas de ambas películas (quienes curiosamente en el futuro serían madres de otras dos exitosas actrices, Jaime Lee Curtis y Melanie Griffith), son dos versiones de las llamadas “rubias hitchcockianas”: mujeres inteligentes, ambiciosas, cargadas de sexo y que sienten que pueden ganarle al mundo. Ambas, en estas dos películas, son también ladronas. Roban el dinero de sus jefes y arrancan. Y a partir de estos actos, ambas serán escoltadas por dos sexópatas obsesivos: el reprimido Anthony Perkins en “Psicosis”, y el aparentemente comprensivo Sean Connery en “Marnie”.

De “Psicosis” se han escritos numerosos libros, y de “Marnie” apenas se habla. “Psicosis” es el lado iluminado de Hitchcock (su truco más perfecto, nada menos), y “Marnie” es su lado más oscuro, la ausencia del truco, lo más espeso de su cine, donde salen a relucir sus hendiduras más personales, su obsesión más histérica. Ver las dos películas, como lo ofrece el cable este mes, puede darnos una idea más o menos clara de qué clase de películas hacía Alfred Hitchcock. Su cine cuelga de estos dos brazos, así como a menudo cuelgan de sus brazos los héroes hitchcockianos. “Psicosis” es una popular y tenebrosa fiesta a la que estamos invitados; y “Marnie” es una travesía no solicitada, casi por error, a la bodega subterránea de la misma casa.

“PSICOSIS”: LA CONCIENCIA MALDITA

Vamos por parte: Marion Crane (Janet Leigh) no es ninguna santita. Es una zafada. Desde el comienzo podemos verla en la habitación de un hotel, apenas vestida con sostenes, conversando con su amante. La hora de almuerzo es la única que tienen libre para verse. Tienen sueños en común. Pero, tal como lo insinúan los rayos de luz que atraviesan la persiana de la habitación, están atrapados. Si tan solo... si tan solo tuvieran el dinero para hacer una vida juntos. Si tan solo el destino les diera una mano, podrían ser felices. Marion Crane lo piensa. Se viste y vuelve a trabajar.

Y el destino le da la mano. Como si fuera un favor no solicitado, Marion se encuentra con un turro de dinero, que no es suyo, claro. Su deber es ir y depositarlo. Pero es viernes. Y no hay nada mejor que comenzar una nueva vida cuando comienza el fin de semana.

Marion arranca frenética con el dinero. Decide desaparecer. Vende su auto y compra otro nuevo, pero está tan nerviosa que el vendedor sospecha. En la carretera anda a tanta velocidad que un policía la detiene. Marion tiembla. Acosada por sus pensamientos y una creciente paranoia, en mitad de la noche y empujada por una persistente lluvia, detiene su auto en el camino. Llega a un motel, el desolado Motel Bates, atendido por un simpático y tímido muchacho, Norman (Anthony Perkins), aficionado a los pájaros y la taxidermia.

Seguir contando la historia no tiene mucho sentido. Se tiene que haber vivido un par de décadas en Marte para no saber que, más tarde, alguien es asesinado en una ducha, una escena irrepetible y canónica del cine. Tal es el poder de ese momento, que poca atención se pone a otras dos escenas poderosas de la película: las que ocurren justo antes y después de la ducha.

Antes, cuando el pillo de Norman espía a Marion mientras se saca la ropa, si nos fijamos bien, el hoyito en la pared está escondido detrás de un cuadro. Después de ver la película un par de cientos de veces, el crítico Donald Spoto descubrió que ese cuadro cómplice de Norman es una pintura de Rembrandt, llamada “Susana y los viejos”, y que está inspirada en una parábola bíblica en la que... tres viejos espían a una mujer que se prepara para bañarse, y luego la atacan sexualmente. Si es de Hitchcock, no es casual: ese cuadro ahí es un comentario sobre el voyerismo y sobre lo que veremos a continuación: la furiosa y desmedida consecuencia de esa represión.

¿Curioso? Repasemos ahora la escena post ducha: Norman llega al baño de Marion y no puede creer lo que ve. Retira el cuerpo, y limpia meticulosamente la sangre sobre los azulejos. Es sabido que Hitchcock filmó “Psicosis” en blanco y negro para lograr que la sangre se viera como manchas oscuras. Esta escena es la fundamentación de esa opción: en el diccionario hitchcockiano de símbolos, la mancha es un mecanismo de transferencia de la culpa. El ejemplo más recordado de este uso está en “El hombre que sabía demasiado”, cuando en Marruecos un hombre muere en brazos de James Stewart. El hombre va maquillado de negro, y cuando las manos de James
Stewart quedan manchadas, está atrapado: ya no tiene otra que involucrarse en una conspiración de escalada internacional. En “Psicosis”, cuando Norman limpia las manchas de sangre del baño, está limpiando su propia conciencia. Sus propias culpas.

Para Hitchcock la represión sexual es el origen de la maldad en su forma más pura. La casa de Norman, la habitación de la madre en el piso superior, el subterráneo de horrores, son espacios físicos del reino del mal, un reino donde el sexo (no olvidemos, el mecanismo de reproducción humana) está callado, sepultado, embalsamado con todas sus nefastas consecuencias.

“MARNIE”, EL CUERPO MALDITO

Si “Psicosis” sólo podía ser hecha en blanco y negro, “Marnie, la ladrona” es una explosión de color en torno a una mujer. Una mujer de cartera amarilla y pelo azabache, que es el primer plano que vemos en la película. Una mujer, que frente a un lavamanos, saca el color negro de su cabeza y vuelve a teñirse brillante como rubia. Una mujer con una curiosa fobia al color rojo, y con rutilantes trajes celestes, blancos y negros, que esconden un cuerpo con un espantoso secreto.

Marnie es el opuesto perfecto de Marion, de "Psicosis": Marion roba por necesidad; para Marnie es casi una profesión. Marion es una mujer liberada sexualmente (y ello es el pie inicial de su condena); Marnie es virgen, no por opción, sino por el pánico que le causan los hombres. Esto la transforma también en el opuesto perfecto de Norman Bates: si la represión sexual de Norman es el origen de toda su tragedia, es una secreta tragedia del pasado lo que ha generado la frigidez sexual de Marnie. El complejo mecanismo que funciona en la cabeza de Marnie es un misterio para Mark Ruttland (Sean Connery, justo entre medio de “De Rusia con amor” y “Goldfinger”), un millonario y zoólogo aficionado que descubre los delitos de Marnie... y decide casarse con ella.

“Marnie” es una película compleja y fascinante. Es una película sobre una mujer sin deseo que es, en sí misma, un objeto del deseo. Si “Vertigo” era una carta de amor a una mujer inexistente, “Marnie” es una carta de amor a una mujer inalcanzable. Algo de lo que sabía bien Hitchcock: de acuerdo a la leyenda, la película fue preparada para ser el regreso de Grace Kelly al cine, quien había dejado atrás Hollywood (y a su director) tras casarse con Rainiero y transformarse en la Princesa de Mónaco. Kelly, según Donald Spoto, siempre fue el amor secreto de Hitchcock, y para su reemplazo, solo otra mujer podía tomar su lugar: Tippi Hedren, la protegida del director desde “Los pájaros”, y también el foco de sus afectos no correspondidos. Entonces, la carta de amor de un director como Hitchcock solo puede dar como resultado un relato plenamente cinematográfico. Como lo llama el respetado crítico Robin Wood, es cine puro.

La pureza de ese cine está viva a cada momento en “Marnie, la ladrona”, de una manera casi expresionista: cuando la opresiva madre de Marnie se aparece como un espectro en la habitación de su hija; cuando, en medio de una tormenta de lluvia y viento, un árbol entra por una ventana, y Mark y Marnie se dan el primer beso, que vemos de tan, tan cerca, que casi hace partícipe a los espectadores; cuando Marnie roba la caja fuerte sin saber que una mujer de la limpieza puede descubrirla; cuando Mark decide romper con la virginidad de Marnie, con tanta violencia como delicadeza; cuando Marnie sufre un accidente en su caballo y debe sacrificarlo; y, por supuesto, cuando Marnie, como Scottie en “Vertigo”, sufre de sus coloridas alucinaciones. Es la compilación de todos estos momentos los que hacen ver, aún ahora, con nuevos ojos el cine hitchcockiano. Y hace compartir la opinión de Robin Wood: “Aunque suene arrogante, a quien no le gusta “Marnie” no le gusta realmente Hitchcock; y quien no ama “Marnie”, no ama realmente el cine”.

FRITZ LANG / En retrospectiva

2005-06-05T11:55:00.000-04:00

A partir de la exhibición de películas de Fritz Lang en el Goethe, escribí este artículo para ARTES Y LETRAS. Lang tiene todo para ser un gran director (incluyendo un parche en el ojo, tal como Nicholas Ray, John Ford y Raoul Walsh): es un director particularmente atractivo por porfiado e inclasificable. Como él mismo dijo en reiteradas entrevistas, "cada película tiene sus propias leyes y reglas", "no existen las fórmulas", y mi favorito personal, "una teoría no sirve nada de nada para un creador, sólo sirve a los que ya han muerto". Según la filmografía más oficial, Lang dirigió 40 largometrajes, los que aumentan a 44 si consideramos sus dípticos como películas dobles ("Las arañas", "Dr Mabuse, el jugador", "Los nibelungos" y el tardío díptico de vuelta en Alemania formado por "El tigre de Bengala" y "El sepulcro indio"). Trece de sus 40 películas son mudas; 24 fueron filmadas en Estados Unidos, 15 en Alemania y una en Francia; Video Manquehue ha editado buena parte de sus películas norteamericanas, en pésimas condiciones, como habitualmente hace esta empresa (ellos son los que debería usar el parche en el ojo). Otras, del periodo mudo, han sido editadas en DVD en Brasil con también pésimos subtítulos en español. Buena parte de ellas están disponibles para el arriendo en Bazuca.

EL CINE DE FRITZ LANG:
La vieja historia de odio, asesinato y venganza

Una extensa retrospectiva del director austrogermano organizada por el Goethe Institut y la revista Mabuse es la coyuntura perfecta para ver y volver a ver las películas de un director, productor y guionista intenso, laberíntico, hipnótico.

Por un minuto, olvidemos “Metrópolis”. Olvidemos los magníficos aviones volando entre los edificios que tocan el cielo, el incansable obrero que lucha contra el reloj de 10 horas, los trabajadores hacinados en el mundo subterráneo. Olvidemos “el mediador”, aquello que debe haber entre “el cerebro que planea y las manos que construyen”. “Metrópolis” es la película de Fritz Lang más conocida para las nuevas generaciones de cinéfilos (en especial, a partir de la atosigante versión coloreada en 1984 por el productor y músico alemán Giorgio Moroder, con temas de las ya olvidadas Pat Benatar y Bonnie Tyler), y en sí misma, dice muy poco de los verdaderos alcances del cine de Fritz Lang (1890-1976). Muchos preocupaciones languianas están presentes en “Metrópolis”, pero también muchas escapan de su simbolismo extremo y de un sentimentalismo obtuso. Mal que mal, “Metrópolis” era una de las cintas preferidas de Hitler, y según Lang, su ministro de propaganda Joseph Goebbels le habría ofrecido en 1933 hacerse cargo de la Oficina Cinematográfica del nuevo régimen nazi. Lang lo rechazó y, de nuevo según el mito, se fue con lo puesto a Estados Unidos, donde hizo una carrera que se extendió por 22 años.

Hay muchas, demasiadas ideas preconcebidas respecto a las películas de Fritz Lang. Solo viendo la totalidad de sus películas se desmoronan algunos conceptos totalitarios como “expresionista” (que el director subscribió solo en la primera etapa de su carrera, aduciendo que era “la moda de la época”), “creador del film noir” (suposición inexacta que se confirma porque ninguno de sus policiales se inscribe con comodidad en el género), “fatalista” (escribió un artículo en defensa de los finales felices), y otras más dislocadas como “nazi” en Alemania y “comunista” en Estados Unidos. Por supuesto no son invenciones sin fundamento: un poco de todo eso están en la superficie de sus películas. Pero si existe algo profundamente languiano es la errancia de sus personajes, la oscuridad de su mirada, los subterráneos de sus escenarios, los planos y contrapicados de su estilo, la condición laberíntica de sus preocupaciones.

Diversos elementos, además, llevan a emparentar a Fritz Lang con Alfred Hitchcock y Howard Hawks: no por nada fueron estos tres cineastas los primeros “rescatados” por los críticos de Cahiers du Cinéma entre febrero de 1955 y septiembre de 1959. Es verdad, los falsos culpables conectan en una primera mirada a Lang con Hitchcock, pero los crímenes hitchcockianos devienen de la represión sexual, mientras que los malvados languianos están movidos por el ego, la venganza y el amor propio (más aún, el mismo Lang fue un vividor y mujeriego reconocido, nada más alejado del pudoroso Hitch). Respecto a Hawks, con su intenso individualismo propio de micro sociedades más primitivas (como bien describe el crítico Robin Wood), no tiene conexión con el comentario que Lang hace de las sociedades modernas, más complejas, más inmanejables, con más rincones que nunca terminaremos de iluminar. Lo curioso del asunto es que cada película de Lang tiene sus propias leyes y reglas; no existen fórmulas discernibles; se mueve con ligereza entre géneros y estilos cinematográficos, tal como se mueve su cámara ligeramente al interior de las habitaciones, las cientos de habitaciones, que filma en sus largometrajes.

La máquina del destino

Cuando una derrotada Mae Doyle (Barbara Stanwyck) regresa al pequeño poblado pescadores de donde nunca debió salir, al comienzo de “Encuentro en la noche” (Clash by night, 1952), resume en una frase la volatilidad de los personajes languianos, y la condición inicial de su primera tragedia. “Y tú... ¿qué piensas de tu regreso?”, le pregunta Peggy (Marilyn Monroe). “Volvemos cuando no podemos vagar más”, responde Mae.

Pistoleros, arquitectos, médicos, soldados, prostitutas y hasta la misma muerte (“La muerte cansada”, Der mude tod, 1921) deben dejar de huir de sí mismos para instalarse y remover las existencias de pasivos dueñas de hostales, marajás, cajeros de banco o parejas a punto de casarse. Este es el punto de partida de los sus personajes: hacer un alto en el camino a ver si la vida del resto de los mortales tiene algo que ofrecerles. Esta huida es casi ontológica: son personajes que no traen las respuestas, más bien las buscan intensamente. Y ante ellos, los que no huyen se transforman inmediatamente en perseguidores.

Lang lo explicita en varias de sus entrevistas: “Hay que rebelarse cuando uno ha caído en la trampa de los convencionalismos”, les confidencia a Jean Romarchi y Jacques Rivette. “En nuestra vida contemporánea nadie vive su propia vida. Estamos sometidos a obligaciones de nuestros trabajos (...) Cada uno busca una posición, poder, dinero, una situación de vida, pero nunca nada interior (...).Y a mí me interesa la lucha del individuo contra las circunstancias”.

Hay una especie de terror de Lang y sus personajes por la vida rutinaria. Por ejemplo, dos hombres maduros como Jerry en “Encuentro en la noche” y Chris en “Scarlett Street” son tipos de los buenos. Tienen trabajos dignos (pescador y cajero de banco), ambiciones realistas, vidas estables. Es curioso: en ambas películas, Jerry y Chris no tienen problemas para ponerse un delantal y lavar los platos. ¿Y que les pone Lang por delante? Dos mujeres extraviadas que lo último que quieren es lavar platos. Con distintos motores internos, pero motores al fin y al cabo, ambas son el inicio del tragedia en las vidas de los que no se mueven.

Esta choque es lo que por años los críticos han llamado “fatalidad” en las películas de Lang, pero como bien lo expresa Tom Gunning en “The films of Fritz Lang”, se trata más bien de una “máquina del destino”, movida por dos fuerzas: el deseo y el deber. Distintos personajes intentan controlar o influenciar un sistema que opera aparte de sus deseos, y la derrota de esa lucha los lleva invariablemente a la muerte, o en el caso del “final feliz” de “Encuentro en la noche”, a una condena peor: la aceptación de la rutina. Mae, la mujer inquieta, debe seguir casada con un pescador aburrido.

Mujeres fusibles y laberintos

Esto nos conduce a otra invariable presente en todas las películas de Lang: el sacrificio femenino. Enumerarlas todas da para largo, pero Marlene Dietrich en “Rancho Notorious”, Joan Bennett en “Secreto detrás de la puerta” y “Scarlett Street”, Anne Baxter en “La gardenia azul”, Lil Dagover en “La muerte cansada”, las madres de las ninas asesinadas en “M”, la condesa de “Doctor Mabuse, el jugador”, María y en especial su doble robótico en “Metrópolis”, Debra Paget en “El tigre de Bengala” y “El sepulcro indio”, Joan Fontaine en “Más allá de la duda razonable” no se la llevan fácil. Son ellas las depositarias finales de la feroces aspas de la máquina del destino. Muchas veces, son mujeres fusibles: su sacrificio es la única posibilidad de salida para los personajes masculinos. Otras, son sobrevivientes y testigos de la violencia de las sociedades en que deben seguir viviendo.

Este sacrificio puede ser brutal. Dana Andrews no duda un minuto en que poner a su novia como señuelo para atrapar a asesino en serie en “Mientras duerme Nueva York” (While the city sleeps, 1955); y llega al paroxismo en “Los sobornables” (The big heat, 1953): para que el sargento Dave Bannion (Glenn Ford) acabe con la red de corrupción en la policía, cuatro mujeres son asesinadas, una ve deformada su cara con una jarra de café caliente... y hasta la esposa del detective debe morir crudamente ¡por una bomba en el auto!

Tal crudeza ante la violencia no es gratuita: solo el dolor físico remueve a los espectadores, es la máxima del director, lo que lo emparenta en Anthony Mann, Nicholas Ray, Sam Peckinpah. “El crimen es consecuencia de un sentimiento más directo que el amor”, dice el tenebroso Mark en “Secreto tras la puerta”. Y remata: “Hay habitaciones en las que se pueden cometer crímenes”. Ni que lo dijera Lang: los crímenes solo pueden ocurrir en espacios cerrados. Esos edificios desafiantes que tanto gusta de filmar están llenos de habitaciones atrapantes, jaulas de cristal, subterráneos precisos para persecuciones. Es el lugar para leprosos (“El tigre de Bengala”), trabajadores explotados (“Metrópolis”), mendigos que juegan cartas o delicuentes listos para sus linchamientos (“M”). Vivimos en catacumbas y, por donde Lang pone la cámara, parece que alguien siempre nos estuvieran viendo de arriba. Todos estos elementos de un cine que concibe el mundo como un laberinto ciego, donde no importan los pasadizos que se tomen, siempre terminaremos llegando al mismo lugar.

MÁS SOBRE BAFICI... PARA MABUSE

2005-05-30T22:05:00.000-04:00

Este articulo fue escrito para los amigos de Mabuse, quienes, dicho sea de paso, han armado una completa retrospectiva (compuesta por 21 películas) de Fritz Lang en conjunto con el Goethe Institut. Ya hablaremos de ello. De momento, les copio una nota que escribí para esa revista sobre mi paso por BAFICI, la salida de Quintín y las cosas que podemos aprender de todo ello en Chile. Saludos. -GM

¿El último BAFICI?

La salida de Quintín, no el creador pero sí el mayor impulsor del Festival de Cine Independiente de Buenos Aires, deja dudas sobre el futuro del evento. Y nos plantea varias preguntas sobre lo que entendemos cuando hablamos de “independencia” en el cine.

En noviembre del año pasado, la noticia explotó en los círculos cinéfilos argentinos. “Se va Quintín”, fue la noticia. “Se va Quintín del BAFICI y se va de El Amante, pero no hay relación entre las dos salidas. Solo coincidencia. Una mala coincidencia”. Escuché la noticia repetirse, con idénticas palabras, de parte de amigos periodistas, amigos directores y amigos cesantes al otro lado de la cordillera. La primera confirmación la pude ver en un breve en Página 12. Y luego, en otra nota, bien infame, en La Nación Argentina. Y finalmente, en un sitio web donde el mismo Quintín daba las razones de su salida (tanto del festival como de la revista).

Para entender lo que es actualmente el BAFICI, hay que entender quién es Quintín, y por qué fue tan lamentable su salida. Quintín es el seudónimo de Eduardo Antín, un licenciado en matemáticas y cinéfilo como existen pocos, quien apareció en la escena hace 15 años, al fundar la revista El Amante, en conjunto con su mujer Flavia de la Fuente, y de otro prohombre de la cinefilia argentina, el entusiasta Gustavo Noriega.

Desde su aparición en 1991, no han existido dos revistas como El Amante en el panorana de la crítica de cine en español. Quintín, Flavia y Gustavo escribieron (y escriben) de las películas desde la mirada del cinéfilo impasible, supieron construir mes a mes un espacio reflexivo, pensante y apasionado para la crítica de cine, que escapara de las modas y de las pesadas disquisiciones academicistas de las décadas anteriores (discusiones “importantes” en su minuto, pero que ya nadie recuerda demasiado), con simpleza y sentido del humor. Reclutaron colaboradores, remecieron a los lectores, invitaron al debate sin demagogia. Sus dossier a autores fundamentales se hicieron imprescindibles, y si uno los relee ya años después de su publicación, son textos que siguen vigentes y vivos, tal como las películas que los inspiran. No hay letra muerta en El Amante.

Conforme pasaron los años, la revista fue creciendo, el diseño se modernizó (dejando de lado sus tradicionales portadas de negro con amarillo), entraron nuevos y jóvenes críticos, y se hicieron habituales las visitas y crónicas sobre festivales internacionales. Paralelamente al proceso de la publicación, los bonaerenses comenzaron a hacerse cinéfilos más exigentes e informados, debido a la atractiva programación de las salas alternativas, como la Leopoldo Lugones y Cosmos, y más tarde, el Museo de Arte Latinoaméricano de Buenos Aires, el Malba, una iniciativa privada millonaria que se instaló a finales de los noventa con una magnífica sala de exhibición, y un interesante programa de recuperación y restauración de copias de películas antiguas. La propia industria del cine argentino comenzó a ponerse de pie, en parte, por la labor de Manuel Antín, cineasta y propulsor de la institucionalidad después de la dictadura argentina, quien desde el Instituto Nacional de Cinematografía desterró la censura, propulsó los fondos y destrabó impuestos que afectaban a las producciones locales.

En ese contexto, en 1999 y bajo iniciativa del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires (algo así como nuestra Intendencia Metropolitana, que no tiene esta clase de ideas), se dio puntapié al primer BAFICI, una respuesta proactiva a dos disyuntivas: que la ciudad no tenía un festival de cine como la gente, y que Mar del Plata se estaba avejentando y durmiendo frente al cine nuevo que estaba apareciendo en todo el mundo.

Al primer año, Flavia se integró a la plana de programadores, y en el 2001, Quintín fue llamado para la dirección del festival, tras la abrupta y confusa salida de su primer propulsor, Andrés Di Tella. La llegada de Quintín fue casi revolucionaria para un festival ya bien encaminado. A partir de su presencia, y los contactos que ya había cultivado personalmente en festivales como Locarno, Turín, Rotterdam o Chicago (viajes que, para quienes leíamos esas crónicas, nos consta que cubrían con sus ahorros o por invitaciones), Quintín agarró el BAFICI y comenzó a darle forma a lo que entendemos por “independiente” arropando doblemente el término de una finalidad cultural y de una propuesta estética. “No hay como un festival para sorprenderse con el cine, para disfrutarlo, para descubrirlo, para arriesgarse con films que no tienen publicidad ni críticas previas”, escribía Quintín para el segundo BAFICI (2000), cuando aún era espectador. Al año siguiente, cuando ya estaba a cargo de la fiesta, complementó su punto de vista: “Un festival de cine debe aspirar a ser algo más que una ceremonia correctamente organizada o la exhibición de repertorio adecuado (N de A: directa referencia al estilo de festival de cine que se hace en Mar del Plata)... Un festival debe ser, en primer lugar, un estímulo lo más poderoso posible para ver y hacer cine. Pero, además, en la medida de sus posibilidades, un antagonista a la resignación y la apatía. Es una exhortación al público para que exija más de lo que le ofrecen, para que lleguen más películas y se ensanchen las fronteras de la distribución y la exhibición”.

Para Quintín, el festival es una experiencia vital con una finalidad social y cultural: si se exhiben 10 películas coreanas es porque es magnífico poder ver 10 películas coreanas, pero también porque su exhibición, en un contexto de otras trescientas películas igualmente interesantes, genera una sensación de ansiedad cinéfila, el mejor remedio ante la abulia y la apatía de los espectadores, ésta una actitud que le deja el camino despejado a los tanques de estrenos norteamericanos que copan la exhibición en países como los nuestros. Un festival inabarcable, extenso, vivo, interesante, es lo que Quintín llama “la utopía de la abundancia”: “La exhuberancia buscada intenta crear conciencia de la multiplicidad porque ese es el verdadero horizonte del cine y, habría que agregar, de la experiencia humana. Y también es bueno que en un universo crónicamente escaso, la utopía de la abundancia tenga una expresión simbólica más genuina que la góndola del supermercado o el control remoto del televisor”.

Por ello, BAFICI se convirtió en la pantalla de los desplazados: los que con propuestas cinematográficas interesantes no estaban encontrando un lugar de encuentro y discusión para su cine, y con un público ávido a esas expresiones. Curiosamente, si bien muchos festivales en el mundo dan pantalla a estas iniciativas, pocos se especializan en ser una ventana exclusiva a este cine. En un mundo donde todos los festivales “grandes” (Berlín, Cannes, Venecia) fueron tragados poco a poco por sus mercados paralelos, el BAFICI fue el lugar de los amantes: directores, críticos, cinéfilos y el nunca bien ponderado público en general.

Que un festival así llene sus funciones (de verdad, agotan sus entradas con una anticipación agotadora) y tenga repercusión internacional fue el resultado de un trabajo bien hecho. Un trabajo independiente, mal que mal. El problema fue que, debido a esa independencia, la independencia de Quintín de hacer lo que pensaba era lo correcto para los cinéfilos, el público, los distribuidores y el cine nacional, no estaba siendo recibido de esa forma por sus pares. Desde hace un par de años, comenzó a correr el rumor de que los días de Quintín a cargo del BAFICI estaban contados.

***

Quintín fue un excelente director de festival, o mejor dicho, un gran curador cinematográfico, una figura hasta el momento desconocida en Chile. Como dijo alguien por ahí, “Quintín es un tipo que le gusta el cine y puede explicar por qué”. Y te lo puede mostrar en una crítica, o programando las películas que eligió para su festival. Es un fino esteta del cine, y como tal, no solo ajeno a las propuestas puramente comerciales, sino que como ocurre sin problemas en las artes visuales (basta ver el trabajo de los curadores de los museos en cualquier parte del mundo), está preocupado de las obras, los autores, las propuestas, y no tiene intenciones de incorporar una variable comercial al momento de programar una película (claro, ¿hay que decirlo?, no porque haya intrínsecamente algo perverso en una película comercial, sino por que son esas películas las que tienen dominadas las pantallas del mundo, y en el mundo hay mucho más aparte de eso). Pero, por supuesto, toda la visión que Quintín tiene (y tuvo) como curador es (y fue) inversamente proporcional a la visión que tuvo para manejarse políticamente en un cargo que, ya que es dependiente de una oficina del Estado, es político. Quintín se ganó un enemigo poderoso, el Instituto Nacional del Cine y Artes Audiovisuales, la promotora del cine argentino y la que da fondos para la realización de unas 50 películas todos los años. Y en su programación, Quintín poco caso hacía a poner películas que el Instituto consideraba “importantes”, de directores y productores “vacas sagradas”, pero que no eran más que, según sus propias palabras, “postales del subdesarrollo”. Su apuesta iba por lo directores jóvenes (como Lisandro Alonso, Albertina Carri, Ezequiel Acuña, Lucrecia Martel, larga lista), pero no por edad, sino que por sentir que hacen películas que nadie más está haciendo en Argentina.

El pecado de Quintín, más allá de cierta arrogancia, fue que no tuvo problemas para acentuar sus diferencias con los que tenían el sartén por el mango. En el 2003 escribió una nota para Cahiers Du Cinéma explicitando lo que pensaba del INCAA: que como institución poco había tenido que ver con lo que ahora se llama el “Nuevo Cine Argentino”, y peor, que si este cine surgió, lo hizo “a pesar” de las políticas del INCAA. Eso dejó los ánimos calientes, y los rumores de la salida de Quintín volvían a sonar fuerte.

Pero la gota que rebasó el vaso para los burócratas fue el MARFICI, es decir, un proyecto de hacer una especie de BAFICI en el mismo lugar donde está la trinchera más poderosa del INCAA: el Festival de Cine Mar del Plata. Fue demasiado. Era una iniciativa privada, curada por Quintín, algo pequeño, pero casi inventada para mostrarles cómo se hace un buen festival de cine. Fue la provocación última. La que selló su salida.

Lo que vino después fue el matonaje, propio de las decisiones políticas que se quieren disfrazar de otra cosa. Basurearon al bueno de Quintín: lo despidieron por e-mail mientras estaba de viaje en el Festival de Cine de Turín, y luego se encargaron de que la prensa que dominan (especialmente, La Nación) “dieran a entender” de todo: que estaba lucrando con una labor para la cual había sido contratado, y que eso era inaceptable. Más aún, al momento de elegir a un reemplazante, pusieron a Fernando Martín Peña, el curador del Malba, y una especie de némesis de Quintín: un tipo que fundó una revista de cine en la misma época de El Amante (publicación que no vivió mucho), un innegable gestor que fundó la Filmoteca Argentina, ha hecho kilos por la restauración, que escribió un libro (“Cine de Super Acción”) de películas friqueadas con el siempre excesivo Diego Curubeto, pero finalmente es un tipo de cinéfilo más academicista y domesticado. Es probable que Fernando Peña posiblemente pueda estar unos 20 años en su cargo, porque son los que no molestan a nadie y nadie recuerda muy bien su cara aunque los hayan visto unas cien veces.

La salida de Quintin, eso sí, trajo la protesta inmediata de la comunidad cinéfila mundial, por llamarla de alguna forma. La Cahiers du Cinema juntó las firmas de críticos, cineastas, productores y directores de festivales de todo el mundo (personajes como Theo Angelopoulos, Olivier Assayas, Victor Erice, Harun Farocki, Hong Sang-soo, Richard T. Jameson, Jim Jarmusch, Kent Jones, Adrian Martín, Alexander Payne, Richard Peña, Nicolas Philibert, Jonathan Rosenbaum, Serge Toubiana, David Walsh, entres más de cien firmantes) como una manera de pedir la reconsideración del Gobierno de la Ciudad en su decisión. Pero ya había sido demasiado tarde.

***

El BAFICI de este año fue uno de transición. Debido a que el cambio de director fue tardío, al menos la mitad de la programación ya estaba hecha por Quintín y programadores, así que por ello se pudo ver la retrospectiva de André S. Laberthe, Bill Plympton, y un puñado de películas interesantes. La otra mitad fue picadillo: la presencia argentina fue pobre (numerosas cintas con poco que decir), los documentales mal elegidos, mucho más cine francés (o peor, afrancesado) y menos asiático, y películas que poco tenían que hacer aquí... como “Mi mejor enemigo”, que gracias a que Pablo Trapero (coproductor de la película) ya es uno de los que roncan en el INCAA, le dieron la pasada a la exhibición de su última aventura. Se incorporó una sección llamada “Algo judío”, sección a la que Quintín se opuso no por racismo, sino por intolerancia a los espacios arrendados. Y una retrospectiva a Chantal Ackerman, odiada hasta por el más tolerante de los espectadores. Qué decir del diario del festival, llamado “Sin aliento”: se quedó definitivamente sin aire, mal escrito, desapasionado y feo.

Muchas preguntas quedan hoy por el camino que tomará Fernando Martín Peña en su dirección, en especial respecto a lo que él entienda por “independiente”. Fue la búsqueda de independencia la que mató a Quintín. A pesar del éxito del festival y la marca que dejó en todos quienes asistieron a alguna de sus versiones, su independencia puede darse por sepultada, o por lo menos, traducida a hacer un festival de películas raras que no llegan a esta esquina del mundo. La traducción de Quintín tenía, en cambio, casi un imperativo moral: abramos la ventana a “lo nuevo” y seamos un motor para que “lo nuevo” tenga, poco a poco, espacio en la exhibición cinematográfica. Que el festival no nazca y muera tres semanas al año, sino que sea un motor cultural para propulsar una industria que, de otra forma, solo se dedica a replicar formatos previamente masticados, inofensivos e inocuos para la mayor cantidad de gente posible. Esa propuesta hoy está en entredicho. Se hizo sospechosa para quienes solo querían que fuera una fiesta, globos de colores que podían traducirse en votos para espectadores que también son electores de cargos públicos. Por supuesto, como se sabe, cuando hablamos de cine no solo hablamos de películas. Inevitablemente, cuando hablamos de cine terminamos hablando de política y realidad social. Terminar de entender eso es clave para entender de lo qué hablamos realmente cuando hablamos de independencia.

"SECUESTRO" y "MI MEJOR ENEMIGO": Cine de acción a la chilena

2005-05-10T10:08:00.000-04:00

He aquí dos peliculas que retoman los primeros pasos dados por Gustavo Graef Marino en 1993, con "Johnny Cien Pesos": hacer que esta industria camine a punta de balazos. A mi parecer, ambas son fallidas y ambas exitosas. No dan ni para el entusiasmo ni para la depresión. No vuelan alto, planean. Son películas con conciencia de industria, y curiosamente, las dos fallan en construir sus personajes: los de "Mi mejor enemigo" son empáticos pero vacíos de historia; los de "Secuestro" son más complejos, pero todos carecen de empatía. Mayor curiosidad me da cómo han sido catalogadas por los medios. Esta es la nota que salió hoy en EL MERCURIO:

Buen debut. "Mi mejor enemigo", el segundo largometraje de Álex Bowen, fue visto por 14.947 espectadores en su fin de semana de estreno: desde el jueves 5 y con 28 copias. Es un buen número, pero no es para entusiasmarse. Bowen dice: "Honestamente, soy tan ignorante en la materia, que me han guiado mis distribuidores para saber si es un buen o mal número. Yo estoy feliz de hacer esa cantidad con el día de la madre entremedio".

En rigor, "Mi mejor enemigo", protagonizada por Felipe Braun (en la foto), es el mejor estreno local de 2005. En su primer fin de semana, "Secuestro" llevó 11.727 con 40 copias, y "La última luna", 3.103 en 9 salas. Igual está lejos de otros filmes como "Mujeres infieles", que en 2004 en igual período vendió 17.476 boletos.

La de Bowen tuvo "buen debut", mientras que la de Lira fue considerada hace una semana como "un fracaso", sin contar que ambas tuvieron una diferencia de apenas 3 mil espectadores. Con eso en mente, ¿hacia dónde va el cine industrial en Chile?

"Secuestro" de Gonzalo Lira: Conocí personalmente a Gonzalo Lira hace un par de semanas. Quizás decir esto a priori no tenga mucha relevancia para enteder su película, pero luego de verla me doy cuenta que sí. "Secuestro" es una película mucho más personal de lo que me esperaba. Para poder explicar este punto quizás deba explicar un par de cosas sobre Gonzalo Lira. Primero, debido a su fama de escritor con vocación de best seller en EE.UU., Lira es el tipo más odiado entre sus pares en el mundo audiovisual chileno. Es el aparecido, el cuico, el que habla con acento raro y usa gorrita de beisbol. Lira no encaja. Y está conciente de ello. Es incluso más odiado que Fuguet, lo que ya es mucho decir. No sé ni me interesan qué razones puede haber para esa animadversión, pero tal como magistralmente lo retrata Francisco Aravena en su artículo en la revista El Sábado, quizás como consecuencia de ello, o debido a ello, Lira es un solitario. Estuve en su departamento (conversé con él para una nota sobre las películas de este año que hice para Revista Paula, que luego tijeretearon con torpeza... y en la que dejaron fuera precisamente a Gonzalo Lira). El tipo vive en un magnífico departamento en el último piso de un edificio que mira hacía la avenida Kennedy. El departamento aparece varias veces en la película: Paola Falcone se asoma por el balcón, y los intrigantes tres cuadros con códigos de barra que cierran la película están en el depto de Lira, y corresponden precisamnete a los códigos de barras de sus tres libros publicados. Ahora, cuando hablo de que "Secuestro" es una película personal no me refiero a balcones ni códigos de barras. Me refiero más bien a que Lira de verdad me parece estar hablando de cosas que conoce. De hecho, para mí la película funciona, está a años luz de otros estrenos nacionales como "Gente decente" y "Mujeres infieles", tiene un ritmo incesante, y está hecha con precisión. Los problemas parten cuando uno comienza a preguntarse por qué si el tema es interesante y no está mal actuada (hasta Zabaleta salva la plata), por qué no levanta vuelo... por qué no es la "9 Reinas" chilena. Y la razón principal es que es una película fría. Es el aluminio en el ala de un avión. Sofisticada y brillante, pero algo vacía de vida. Y esto se debe no a que Lira sea un tipo vacío de vida (más bien me pareció lo contrario), sino porque con esta, su primera película, comete el error más viejo entre los directores debutantes, un error casi de estudiante de cine: su personaje principal es un tipo que él odia. Un asqueroso tiburón del mundo de los negocios (interpretado por Fernando Kliche), un cuico sin sentimientos, que denigra a su hija, a su esposa y su ex esposa. De hecho, de acuerdo a la nota de Aravena, este personaje representa para Lira todo lo que no quiere ser, es el "Lira malo". Por supuesto, es muy dificil poner de pie una película con un personaje tan desagradable como motor de la aventura. Quizás por ello, luego la trama se enfoca en la pareja del secuestrador y la secuestrada. Pero él es un papanatas (nos dicen luego que fue el único de la banda que violaron en la cárcel), y ella una interesante y bellisima chica mala, dominante y malcriada, que gusta por su lado negro, pero que tampoco sirve para empatizar. De hecho, el único personaje empático de la película es el de Paola Falcone (que para sorpresa de todo Chile prejuicioso, hace un personaje medido, y a mi parecer, notable), pero la cámara toma su punto de vista en los últimos minutos de la película, cuando ya es demasiado tarde, cuando ya nos perdimos. "Secuestro" es de esas películas que dan ganas de agarrarse, pero no hay de donde, ante la cual lo único que queda es disfrutar de lo que sí sabe filmar Lira, y que es tan importante para el cine de género: el procedimiento. La entrega de la plata, la espera de los secuestradores, la pasada del supermercado están tensa y ajustadas, gracias a la excelente música de un grupo tan ecuanime como los Tobar-Vigliensoni-Bitman, y muy a pesar de lo peor de la película: unos extras que no saben ser extras y parecieran caminar con la cámara quemándoles la cabeza. Curiosamente, y esto ya puede ser leido con distancia, me pareció que el personaje de la secuestradora mayor, el de Valentina Pollarolo, es un poco cómo Lira ve a los cineastas chilenos: unos detestables parásitos que viven de la universidad, que tratan de hacer pasar a sus alumnos (espectadores) su pensamiento seudo marxista, pero que en el fondo lo único que quieren es plata. Esa oscuridad presente, pero mal direccionada, es parte de las gracias y desgracias de "Secuestro".

"Mi mejor enemigo" de Alex Bowen: Si uno decide hacer una película de personajes, y luego no desarrolla esos personajes, es muy difícil salir bien parado. Alex Bowen curiosamente salva el escollo, pero de la misma forma que los soldados de su película: no da la pelea, no entra a la guerra. "Mi mejor enemigo" ni emociona demasiado, ni logra embarcarnos demasiado en la aventura. Es una película Cheyre: correcta, profundamente institucional, y hasta tiene una posición política neutra, no deliberante, como corresponde a unas Fuerzas Armadas profesionales. Aún así, y esta es la gracia de Bowen, logra tener una película después de todo esto. Pero cojea. Las razones para que cojee están en que Bowen anuncia desde el comienzo una película de honduras humanas, pero nunca llegan. No sabemos nunca qué clase de personas son estos pelaos, ni ellos se diferencian demasiado de sus superiores. De hecho, ningún personaje se diferencia demasiado uno del otro. Al parecer, son todos leves variaciones del mismo personaje: uno un poco más facho, uno un poco más ingenuo, uno un poco más romántico, aunque, eso sí, NINGUNO COBARDE (como le gustaría a Cheyre). Estos seres sin pasado, como caídos de una nave espacial en medio de la pampa, pueden caernos simpáticos, pero son tan unidimensionales que exigen cierta cuota de patriotismo al espectador poder ingresar a la película. Esta sensación queda reforzada con la aparición del pelotón argentino en la historia; son tan unidimensionales como los chilenos, y nos bastan un par de planos y frases al aire para conocerlos. Es en ese momento en que la película se pone plana como la pampa, con una decena de personajes esperando que transcurran los días, como pasajeros de una micro que todavía no pasa. Es curioso que la película sobreviva hasta el final, y quizás eso se deba por la cuidada elección del anecdotario (Bowen entrevistó a veteranos de 1978 para construir el guión), por el siempre preciso ritmo de montaje de Danielle Fillios, por la fotografía a lo "Band of brothers" en unos parajes privilegiados. Pero a no engañarse: todas estan son muletas para llegar a la meta, cuando la meta no está lejos. Ahora depende de Bowen ponerse mayores desafíos para que sus películas envejezcan con elegancia.

REPORTE DE BAFICI 4 y FINAL: Hasta el último aliento

2005-04-25T19:50:00.000-04:00

Terminado el festival, la sensación para un cinéfilo venido de Chile es de perdida. Pérdida por las películas que no se alcanzaron a ver ("El mundo gira", "The forrest for the trees", "The world", "Domicilio privado", "Fallen", "A dirty shame", por nombrar las más comentadas entre los 292 largometrajes que se exhibieron), pero sobre todo, de sentir que de vuelta a Chile, un cine como este, y las conversaciones salidas de estas funciones, son necesarias. En verdad, la capital argentina el snobismo se toma con café (la retrospectiva de Chantal Ackerman fue particularmente criticada), pero al menos la fiesta cinéfila y la sana competencia por agarrar la mejor película y tener a alguien cercano con quien comentarla son emotivos eventos que Buenos Aires sabe crear. Con todo, los balances son positivos, los recuerdos duran años, la fuerza de ciertas imagenes quedan a fuego. El Bafici, a pesar del fantasma de Quintín, sigue vivo. Ya habrá tiempo para seguir comentando la experiencia completa. Por ahora, la última parte de las películas que agarré (y aprovecho de comentar) de este festival:

"Van Gogh a Paris: Reperages": Según recuerdo de mis clases con Justo Pastor Mellado, Van Gogh es uno de los pintores más sobrevalorados de era moderna. Este documental-ensayo de Laberthe, no es un ataque ni una apología: entra a descubrir la pintura de Van Gogh a partir de unos zapatos extraviados, a partir de los pensamientos surgidos en una bar, de las fachadas de las casas donde vivió, y por cierto, hace una espesa crítica a los fríos museos, los turistas y la experiencia pictórica derivada de ello.

"Prefaces: Bruno Schulz": Sigue Laberthe. Ahora, es el escritor y pintor polaco de la primera mitad del siglo XX el foco de su interés. Ficcionando su proceso creativo, con retratos de mujeres desnudas, fragmentadas por la perspectiva de la cámara, releyendo sus textos, hundiéndose en su compleja persona, Schulz brilla por aquello que debe brillar: su escritura.

"Le loup et l’agneau: Ford et Hitchcock": Una excelente caluga: Dentro de "Cine de nuestro tiempo" ahora los retratados son los dos principales cineastas del siglo XX: John Ford y Alfred Hitchcock. Laberthe se juntó con ambos en Los Angeles, en la década del sesenta, con apenas una semana de diferencia. Hechas las entrevistas, al francés le parecieron fallidas. Años después, las volvió a ver y decidio armar una película con ambos, que estan en polos opuestos (pero que se terminan juntando) en la manera como entienden el cine. Vemos a John Ford, sentado en una cama, con una pésima cámara hecha por el actor cassavetiano Seymour Cassel, a falta de un camarógrafo mejor. Ford es Ford: rehuye todas las preguntas, habla segmentos en francés, trata de pasar un buen rato hasta que se aburre. Laberthe no incluye ningún montaje en la entrevista: es material de cámara puro y duro. Con Hitchcock, lo vemos elegantemente sentado en una oficina de su estudio, diseccionando la hoy polémica secuencia del avión de "Intriga internacional", repitiendo sus analisis ya hechos para Truffaut, Bogdanovich y recogidas en los estudios de Robin Wood y la biografía de Donald Spoto. Hitchcock queda retratado como el gordo demasiado lleno de sí mismo, pero al mismo tiempo, como un profesor invaluable, y este puede ser un primer gran acercamiento para quien no lo haya conocido. Eso sí, en la inevitable comparación, Ford le gana por paliza.

"Soy Cuba, el mamut siberiano": Toda película merece un making of. Y especialmente esta, LA película de la revolución, tan revolucionaria que terminó por espantar a los propios revolucionarios, tanto cubanos como rusos. Este documental hecho por un brasilero recoge la historia no contada de este clásico (irónicamente, hoy casi desconocido en la propia Cuba), habla con sus protagonistas sobrevivientes, da cuenta de los trapecismos que la hicieron posible (como el dato de que en ella se ocupó el mismo tipo de película que los rusos usaban para sus misiones espaciales, y cuyo director se vendaba los ojos por horas para poder "ver" sobreexpuesto), y la rescata del olvido entre sus pares. Como documental tiene pocos recursos, pero como documento es invaluable.

"9 songs": De Michael Winterbottom (de quien por fin se estrenará en los cines chilenos "24 hour party people", con el título "Manchester, la fiesta interminable") siempre se tienen altas expectativas. Lo que es curioso, porque es un director simpático, amable, pero de talento limitado y cuidadosamente administrado. Esta, su última película, es como si se hubiera adelantado a la trama del próximo libro de Nick Hornby: es una historia de amor con mucho sexo -con varias escenas explícitas, la verdad- interrumpida por nueve canciones en vivo de grupos británicos, como Primal Scream, Black Rebel Motorcicle Club, Super Furry Animals y The Dandy Warhols. La queja habitual de algunos espectadores era que los conciertos estaban mal filmados (no me pareció, pues estaban desde el punto de vista de nuestros protagonistas, presentes en esos conciertos), pero la película tiene un tono cercano, vital, tan de piel, tan profundamente melancólico, que dan ganas de recomendarla, disfrutar la música, disfrutar el sexo y compartir la pena.

"The Rapsberry Reich": Siguiendo con el sexo, esta es una película del extremo Bruce LaBruce, un manifiesto homo-porno-marxista, una rareza y una fiesta. Producida por una compañía que se dedica al porno gay, la trama sigue a un grupo de revolucionarios marxistas, comandados por una divertida y severa dominatrix, que plantea que la verdadera revolucion es la revolucion contra la heterosexualidad, que debemos acabar con la dominación capitalista con el activismo de las armas y el sexo. Los mensajes literales se cruzan en grandes letras en la pantalla toda la película, un efectivo método de concientización. Qué decir: total.

"The tune": Bill Plimpton presentó este largo demente y sicódelico sobre la creatividad y la música. Un simpático personaje debe encontrar la manera de terminar su canción de amor para ser aceptado por un magnate de la industria disquera... pero nada se le ocurre. En eso, se pierde en el camino y llega a un alucinante pueblo donde todos inventan canciones como si nada. Bella y divertida.

"Guard dog": ¿Piensan los perros cuando ladran? ¿Y si piensan, qué piensan? Este corto de Plimpton es otro deleite, un gag perfecto.

"La vereda de la sombra": Televisivo documental argentino, para argentinos, sobre un tipo que tuvo un interesante programa de entrevistas en televisión a comienzos de los noventas, y murió tempranamente. Una película para mantener vivo un culto de un tipo algo egomaníaco.

"My father is an engineer": Debo confesar que no había visto ninguna del francés Robert Guédiguian. Aunque tengo entendido que en Chile ya se había exhibido su "Marius et Jeannette", y había escuchado que el marsellés es conocido por hacer un cine cercano a la clase trabajadora y sus predicamentos. El comentario generalizado fue que esta no estaba entre sus mejores: una mujer, luego de un shock nervioso, ha perdido el habla y no logra comunicarse. Al parecer, sigue imaginando. Su único enamorado del pasado, hoy un ministro de salud, la visita y recuerda los tiempos en que ambos tenían ideales. Interesante, pero -no quiero ser superficial- musicalizada con enervantes temas sacados de la parrilla de radio Infinita. La lección: buscar sus películas anteriores.

"Como un avión estrellado": La segunda de Ezequiel Acuña ("Nadar solo") es otra historia de extravío adolescente, pero con el detalle de la incomunicación esta vez puesto sobre un chico que gusta chica, pero no sabe como decirle. Acuña tiene mano firme para construir personajes y hacerlos caminar por el abismo interior que se vive antes de cumplir los 25 años (es decir, un abismo moral más de forma que de fondo). Manuela Martelli es el interés amoroso del protagonista (un chico de 17 que podría ser el próximo Ethan Hawke) y se llevo buenos comentarios ("una mágica presencia", dijo un crítico de Clarín). Mal que mal fue con justicia, la ganadora de la competencia argentina del festival. Acuña decía que quiso filmar en Valdivia, pero le pusieron tantos problemas y le dieron tan poco apoyo, que tuvo que desistir. That's so Chilean.

"The wayward cloud": Qué decir. Al parecer, en el futuro habrá poca agua, y sobre esa fantasía, el taiwanés Tsai Ming-Liang ("Good bye, Dragon Inn", "El río") retoma personajes de sus películas anteriores, plantea la alienación a partir de la pornografía, rehuye de los sentimientos, y llena el mundo de sandías, humedas, rojas, jugosas y sexuales. Por si el espectador pierde interés, unos feos números musicales salidos de la nada tratan de cautivar (y darle material de interpretación) a sus seguidores. Película confundida por naturaleza.

"Grey gardens": Dentro de la retrospectiva de los hermanos Maysles ("Gimme shelter", que también fue exhibida) este documental bien podría ser una lección sobre como respetar a tus protagonistas, no importa lo dementes, extremos o excéntricos sean. La película es un seguimiento-visita a una octagenaria señora y su hija, familiares de Jackie Kennedy-Onnassis, que viven en la pobreza material y espiritual, alejadas del mundo. Con curiosidad y respeto, podemos ver la cara de los directores en un momento clave e inolvidable: cuando repentinamente deben mover la cámara para no mostrar las partes pudendas de la octogenaria, y le apuntan a un espejo. Indispensable.

"Outfoxed: Rupert Murdoch war on journalism": El documental denuncia, el algo paranoico pero socialmente responsable subgénero que ha crecido en las tierras abonadas por Michael Moore, llenaron las pantallas de este festival. Como películas no resisten mucho, pero son los noticiarios que no nos dejan ver, y por ello valen. Esta es el terrorífica constatación de que Rupert Murdoch, el magnate mediatico del mundo, controla y tergiversa la realidad con su canal de noticias del cable que compite mano a mano con CNN, Fox News. Groseramente facho y pro Bush, Fox News es una caricatura en sí mismo, y el documental denuncia, da pruebas, analiza y se lamenta. Los espectadores también, y quedan todos felices y aterrados por igual.

"Screaming men": Si seguimos con los reducciones, acá tenemos otro subgenero del documental: el de excéntricos pueblerinos. Este se trata de un grupo de tipos escandinavos que arman un coro de hombres que no cantan... gritan. Y así, recorren el mundo. Divertido, pero no demasiado.

"Undertow": Tampoco había visto nada del nuevo niño maravilla indie norteamericano, David Gordon Green ("All the real girls", "George Washington"), un tipo de mi edad a quien han caricaturizado como un Terrence Malick wannabe. Pues bien, este filme esta producido por el mismisimo Malick, y la película tiene efectivamente un aire wannabe, algo pesado considerando que ya es su tercera cinta, y tiene créditos y planos copiados de múltiples cintas. Curiosamente, nada muy empático vive aquí, y a diferencia de las películas setenteras, todo se toma extremdamente en serio.

"Géminis": El primer largo de ficción de Albertina Carri (una chica que podría ser la versión directora de cine de vocalista de "El otro yo" y que dirigió la aún inédita en Chile "Los rubios") está seleccionado para Cannes, pero es de esas películas conservadoras disfrazadas de rupturistas. Una mina muy bella se enamora de su hermano y se genera la tragedia en un hogar cuico bonarense. Predecible y con un muy odioso y plano personaje de la madre que... se vuelve loca al final. Los tipos que seleccionan en Cannes están muy perdidos. Nota trivial: en la ceremonia de premiación del Bafici, unos tipos interrumpieron la ceremonia (que se hizo en el mall Abasto) lanzando unos panfletos que decían algo así como "Carri Ladri: ¿cuándo le vas a pagar a los técnicos de Los rubios? ¿O vas a seguir haciendole los números al fondo del cine?". En fin: efectivamente en TODAS partes se cuecen habas.

"Tin Tin et moi": Hergé, el desconocido y hermético creador de la tira cómica Tin Tín, comúnmente acusado de nazi y colaboracionista por los de gatillo fácil, es mostrado en lo que debe ser la única entrevista en extenso que dio en su vida. La interesante relación entre sus dibujos, su arte y su vida, está mostrada con afecto y sin sobreprotección. Cuando Hergé se separó de su esposa, fue solo entonces en que él fue el verdadero Tin Tin. Para ver en Chile.

"Hell on wheels": Un profundamente latero documental sobre el tour de France, confuso y carente de personajes. Una perdida de tiempo tan autocomplaciente que dura más de dos horas. Yo apenas aguanté 30 minutos. Y con ese trago amargo, como un café ácido después de una opípara comida, terminó mi Bafici. Cada espectador vive el suyo. Y todo cinéfilo tiene derecho al suyo. Por lo pronto, la lucha cinéfila en Chile, como en la película de Bruce LaBruce, es urgente y debe ser radical. Ya veremos una forma de comerzarla.

REPORTE DE BAFICI 3: El cine que queremos ver

2005-04-20T12:21:00.000-04:00

Dos días más de BAFICI y otras 14 películas de las cuales hablar. El tema de las entradas es delirante: ayer llegué a las 10, feliz de la vida, y me encontré con filas insólitas para la prensa... En las boleterías normales lo mismo... Y cuando llegué a comprar, la que me interesaba "Nobody knows" del director de "Afterlife", ya se había agotado... ¡a las 10:30 de la mañana! De no creerse. Hoy, haciéndome el listo, llegue a las 9:15 am. Esperé, con otros 50 tipos, que abrieran las puertas del mall. Resultado: unas vez que abren las puertas, verdaderas carrera de 100 metros entre periodistas para ser los primeros en la fila de la ventanilla de prensa... Llegué vigésimo, pero por lo menos conseguí una para de la John Waters de mañana. Uf. Pero bueno, no me quejo más. Aqui, minireseñas para el espectador ansioso.

"L'amant": BAFICI tiene todos los años algún director japonés ultra sobrtevalorado a quien le dedican alguna retrospectiva. El año pasado fue Kiyoshi Kurosawa, y este años se llama Ryuichi Hiroki. Esta "amante" es una chica de 17 años que llega a la casa de tres tipos que la contratan por un año como esclava sexual. Al parecer, los tipos son hermanos, y son todos infertiles. La niña descubre que, en el fondo, todos son niños malcriados. Un desastre, ni siquiera bien filmado.

"John Cassavetes": Un risueño Cassavetes es entrevistado en su casa por el francés Labarthe, el creador de la serie "Cine de nuestro tiempo", de quien ya había visto su retrato a Cronenberg hace unos días. Cassavetes cuanta la historia sobre como llegó a haber dos versiones de su primera película, "Shadows", y demuestra cómo las tarjetas de crédito son el mejor capital para un director independiente.

"Deaths and transfiguration": dos cortos experimentales orientales, presentados en conjunto como si fueran una misma película: El primero, "Lingchi" de Chen Chieh-jen, muestra la mutilación pública de un hombre, tal como se hacían en la China antigua, muy estilizadamente, en blanco y negro y con los canales de sonido en mudo, solo estremecidos por intermitentes vibraciones de bajos. Al tipo le cortan los pechos, las piernas, los brazos y el sexo. El otro corto, "Light and class" de los hermanos Kim Gok y Kim Sun, es una inaguantable secuencia de un hombre y una mujer gorda, desnudos, mirando a cámara como en comercial de celulares, pero con el marco de una pintura invisible entre las manos. Supuestamente habla de la lucha de clases y el marxismo.

"Vida en Falcon": documental argentino, pero que podría ser una ficción entrañable: dos tipos que han perdido su trabajo viven en sus autos falcon estacionados en alguna calle de Buenos Aires. El más viejo ya lleva cinco años así y es, vale decir, un personaje que se dedica a buscarle comida a los gatos que viven con él. El más joven, lo vemos llegar el primer día que decide seguir el ejemplo del más viejo. Lo bueno es que ninguno de los dos ni está loco ni es un patético. Solo son dos tipos marginados por la reciente crisis economica tratando de salir adelante. Como película, parte muy y no termina tan bien, pero vale.

"El amanecer de los muertos": Sí, el clásico de George Romero, presentado en 35 mm, y en toda su magnificiencia. Mucho mejor de lo que la recordaba y eso que es una de mis favoritas. Nada más que decir: lejos la mejor aventura y diversión del festival. El corte incluye 11 minutos extras agregados por el productor. Algo se notan.

"Silver city": John Sayles se adentra en la campaña a gobernador de un político bueno para nada, que un buen día, mientras filma un comercial para su campaña, descubre un muerto dentro de una laguna. De ahí para adelante, un ex periodista, ahora detective privado, es contratado para que vaya a amenazar a lo posibles creadores de la conspiración, por si las moscas. Pero el tipo termina, por los buenos tiempos, investigando la podredumbre de la cual el candidato es títere: un problema medioambiental y de bienes raíces. Muy bien contada, y muy lúcida en desentrañar qué dicen los políticos y que están haciendo realmente.

"Five": Un chiste de Kiarostami. Una película hecha con 5 planos de 15 minutos cada uno, a proximadamente. Todos miran al mar. Jamás pensé que diría esto, pero es divertida. Acá el público la odió, y se quedo 5 minutos después de la función (no exagero) sentados en sus asientos, como pidiendo una explicación.

De ahí seguimos...

REPORTE DE BAFICI 2: Agotado de funciones agotadas

2005-04-18T12:29:00.000-04:00

Después de éste, mi segundo día de BAFICI, ya comienza el agote de enfrentarse a funciones agotadas. Es impresionante. Basta desear una película para que no queden entradas... ¡a las 11 de la mañana! Como sea, he aqui las mini reseñas de mis películas del día 2:

"Pinochet y sus tres generales": El español José María Berzosa viaja a Chile en 1976-1977 y logra conversar con los generales de la Junta, en el calor de sus hogares. Tenemos así, a Mendoza transpirando nervioso cuando le preguntan por sus libros favoritos, a Leigh confundiendo a Cortázar con Vargas Llosa, a Merino practicando golf y pintando oleos, y a Pinochet estayando en furia cuando le hablan de la Democracia Cristiana. Los testimonios se intercalan con los ingenuos y esperanzados testimonios de familiares de DD.DD. en la Vicaría de la Solidaridad. Aunque ya exhibido en Valparaíso y FIDOCS, siempre es una sorpresa ver tanta desfachatez. Si hubiera en Chile un canal de tele atinado lo compraría para ser exhibido para cuando muera Pinochet.

"Sylvie Guilliem au travail": La famosa bailarina de ballet francesa grabada a mediado de los ochentas en sus ensayos, como si fuera una actriz de cine mudo: no dice palabra. Quien la filma es un snob pero enamorado admirador, quien descubre mientras la admira que "la intelegencia es un músculo".

"David Cronenberg: I have to make the world to be flesh": Parte de una serie de la TV francesa de retratos de directores (misma serie de la cual el BAFICI anterior exhibió un seguimiento a Abel Ferrara), este David Cronenberg es encerrado en una pieza oscura frente a pantallas de televisión que muestran escenas de sus películas. El entrevistador no es muy listo, pero Cronenberg es un astro humilde, que sabe lo que pesa su cine, y da cuenta de su interés por el cuerpo humano, a su entender, la única evidencia de que existimos.

"Me and my brother": Se hace una retrospectiva del experimental norteamericano Robert Frank. Esta es su primera película, que combina a Allen Ginsberg con la historia de un tipo y su hermano esquizofrénico, con la película que hacen sobre ese hermano esquizofrénico, con un actor que debe repreentar al hermano esquizofrénico, con Christopher Walken. Un delirio en blanco y negro, agotador como todo delirio, pero bien filmado.

"Mondovino": Hasta el minuto, mi preferida de este festival. Jonathan Nossiter sale a visitar a los principales productores de vino del mundo, y nos cuenta una teleserie desconocida: la de la globalización del vino, donde la marca (muy propia de la cultura anglosajona) es más importante que la tierra donde se produce (denominación preferida por los latinos), donde las barricas de robles (y su vainillización, el sabor a vainilla que produce) ha dominado el mercado desde Estados Unidos, con una multinacional hambrienta, y la ayuda ingenua del mayor critico de vinos del mundo (Robert Parker) y un Michel Rolland, un consultor del vinos que viaja por el mundo asesorando viñas. Ellos son la armada ante la cual los productores del mundo o se rinden, o resisten. Filmada en Italia, Francia, Estados Unidos, Brasil y Argentina, la cinta es también un retrato de familias, de padres e hijos, de maridos y esposas, de cuadros polvorientos en las paredes y perros dentros de las casas. Sin voz en off y de múltiples lecturas, "Mondovino" va más allá del buen sabor en la boca inicial. Como los vinos de antes.

REPORTE DE BAFICI 1: Ratas de mall

2005-04-17T11:18:00.000-04:00

Hace un tiempo que este blog no se actualizaba, y en el interntanto empiezan a quedar cosas por decir. Primero, estoy en Buenos Aires, en el Séptimo BAFICI, el centro de la ansiedad cinéfila sudamericana, con más de 300 películas para ver, de las cuales, con suerte, si uno dedica, puede llegar a ver unas sesenta. Este es mi segundo BAFICI, el primero acreditado (para WIKEN de EL MERCURIO), y las cosas, gracias a Dios, andan lentas. El sentimiento general es de cierto desencanto, luego de la abrupta y vergonzosa salida de QUINTIN, el anterior director del festival, un cinefilo como pocos, y la de buena parte de su equipo programador (los detalles de la salida, contados por el mismo QUINTIN, aquí y aquí). Este año, hay películas, pero ya se pueden notar las diferencias: sobreinyección de películas francesas y argentinas (ambas, una ruleta rusa para el espectador, porque los bodrios abundan), más documentales (pero elegidos sin pinzas), y una baja en cantidad de cine asiático, que era la impronta que le había dado Quintín. Así y todo, películas hay, y voy a dedicar los pocos minutos libres que me queden de hacer un recuento-diario de lo que vaya viendo. A ver cómo nos va.

"20 fingers": Algo así como Linklater, pero mujer e iraní. Una pareja discute de los grandes temas de las relaciones de pareja (los celos, la posibilidad de hacerse un aborto, la infidelidad de las parejas amigas, y el clásico "¿por qué bailaste con él delante mío?") en viñetas de planos secuencias de 10 minutos sin cortes: las conversaciones transcurren en movimiento (dentro de un auto, en un andarivel, en una mota, en una lancha) y las actuaciones son de una naturalidad muy occidental. La directora es Mania Akbari, la musa de Kiarostami, y la película está dedicada a él.

"How Arnold won the west": Documental michaelmoore-sco sobre como cómo Schwartzenegger se convirtió en gobernador de California. Ni muy informativo, ni demasiado divertido. Aunque claro, el documental es el único género del que uno nunca se arrepiente de haber visto una película. El must-see de Lavín si quiere salir adelante.

"White Stripes: Under white pool lights": Pelicula-recital de la ex-pareja que son los White, en un teatro londinense, como sacados de "The song remains the same": en cine, con película forzada en el asaje, y con mucho grano. Para verlo de pie y un cigarro en la mano, cosa que no ocurrió en la sala.

"Inside Deep Throat": Un making-of tardío y medio patudo sobre la porno clásica de los setentas, "Garganta profunda", salido de la factoría del productor Brian Grazer, hecha para HBO y musicalizada COMPLETAMENTE con el soundtrack de "Boogie nights". La pornografía ya se ha transformado en un lugar común del documental norteamericano y ya empieza a oler a podrido. Aunque, claro, el tema es bueno. Linda Lovelace, eso sí, a excepción del notorío primer plano del famoso fellatio, en esta historia casi brilla por su ausencia.

"Camisea": ¿Se puede hacer un documental cuando a uno le encargan un institucional? Al premiado Enrique Bellande ("Ciudad de María", exhibido el año pasado en FIDOCS) le encargan hacer un institucional de la construcción de un gasoducto en Perú y el resultado es un bello relato del esfuerzo humano. Bellande soslaya maestramente los requerimientos del institucional (como la inaguración del Presidente, filmando planos cerrados de manos aplaudiendo) y, claro, lo transforma CASI en un documental. Claramente, tampoco se puede morder la mano que te da de comer. Sin embargo, un ejercicio maestrísimo.

Quintín y "Entre copas"

2005-03-01T18:44:00.000-03:00

Mi gran amigo a la distancia, Martín Pérez, luego de años de saber nada el uno del otro, me envía este link, un articulo del exiliado Quintin (ex director del BAFICI, ex director y fundador de EL AMANTE), que apareció en una bella e interesante revista en internet argentina, al parecer, llamada TRABAJOS PRACTICOS. El artículo, por cierto, habla de un encuentro entre Quintín y Alexander Payne y es una interesante reflexión (como siempre con Quintín) sobre el cine, la comedia y su tendencia a sicoanalizar directores. Ojo con las diferencias entre Lutbish y Wilder. Disfruten.

"MILLION DOLLAR BABY" / Wikén

2005-02-25T16:56:00.000-03:00

Amigos, he aquí el comentario de la última de Eastwood, publicado hoy en Wikén.

“Million Dollar Baby”
La hija ausente
Tres estrellas y media
Frankie Dunn (Clint Eastwood) ya no está para estos trotes. Luego de décadas de trabajo como entrenador de box, cuyo mayor logro ha sido levantar un gimnasio de mala muerte, Frankie debe hacerse a un lado justo cuando uno de sus pupilos está en posición de pelear el título mundial. Así es Frankie: puede estar años entrenando a un flacucho, pero cuando ya lo han aprendido todo, lo abandonan. Frankie debe nuevamente conformarse con saber acerca de la pelea por televisión, y observar el resultado de un trabajo bien hecho, arrebatado de sus
manos, en soledad. Como si su vida ya no fuera suya.
Testigo de este proceso es Scrap (Morgan Freeman), compañero de ruta de Frankie, un ex boxeador y perro viejo que se dedica a limpiar el gimnasio y a rumiarle quejas a su amigo-jefe.
Las vidas de Frankie y Scrap han sido inseparables desde que Scrap perdió un ojo en una pelea en la que era entrenado por Frankie. Con el ojo que le queda, Scrap ha visto ir a venir boxeadores por la tutoría de Frankie. Ha visto cómo su amigo lleva 23 años yendo a misa como una manera de pedir disculpas a sí mismo por una hija que no existe, que no responde las cartas de su padre, que es la espina dorsal de sus penas.
Por eso, cuando Maggie Fitzgerald (Hillary Swank) llega al gimnasio de Frankie para pedirle que sea su entrenador, Frankie se niega y Scrap solo desea que tome el trabajo. “Las mujeres en el boxeo son la nueva rareza del deporte”, le espeta Frankie a Maggie. “Yo no entreno chicas”.
Como testarudo sólo se vence con testarudo y medio, Maggie permanece en el gimnasio hasta que el infierno se congele. Y logra que Frankie tome su carrera.
“Million dollar baby” tiene muchas cosas a favor. El trío protagónico es dorado. Morgan Freeman no es un gran actor, pero cuando está junto a Clint Eastwood (como ocurría en “Los imperdonables”) sus zapatos son más pesados, su labios se secan y se transforma en esos personajes que ya lo han visto todo en la vida. Hillary Swank es de las chicas duras que daba el cine clásico: no son duras, se hacen, porque si no se hicieran, colapsarían. Y Clint Eastwood, curiosamente, es el más débil de los tres, aunque su cara de palo legendaria sigue siendo una sorpresa y sus ojos perdidos bajo su frente siguen siendo un misterio.
También juega a favor de la película sus características eastwoodianas: la búsqueda de la última oportunidad redentora, con mujeres como agentes detonantes de esa búsqueda (las prostitutas de “Los imperdonables”, Meryl Streep en “Los puentes de Madison”, ¡y hasta “Space cowboys”!... Los cinéfilos pueden seguir recordando) y la presencia de un subtema que Eastwood ha insinuado en algunas de sus cintas: la hija ausente, la hija que se fue y la búsqueda de una hija reemplazante, que vuelve a sacar a superficie las torpezas del padre. Esta segunda oportunidad con la hija venía corriendo como tema en las películas más pobres del director (“Poder absoluto”, por ejemplo), pero es aquí cuando encuentra su mayor desarrollo.
Lo terrible es que, a pesar de estos materiales, “Million dollar baby” no es ni por cerca de las mejores cintas de Eastwood. Más allá de la fiesta que es para las críticos la llegada de una nueva película del director de “Bird”, no hay que olvidar que son las sutilezas las que hacen perdurables el trabajo de un cineasta, y en “Million dollar baby” los trazos gruesos predominan en, por ejemplo, la patética familia de Maggie, y el abrupto final de lloriqueos, ambas soluciones radicales para disyuntivas muchos más ricas. Perdonado eso, “Million dollar baby” es potente, entrañable, pero para ser recordada en su justa medida.
Gonzalo Maza
“Million dollar baby”. Estados Unidos. 2004. 137 minutos. Mayores de 14 años.

"EL AVIADOR" / Wikén

2005-02-17T10:44:00.000-03:00

Este es el comentario que aparece de la última de Scorsese en el "Wikén" de esta semana... -GM

“El aviador”
Scorsese contra Scorsese

Martín Scorsese ha decidido hacer una nueva película. Es una biografía sobre la figura del magnate más demente, atormentado, visionario, emprendedor y mafioso del siglo XX: Howard Hughes. No es que las biografías sean algo desconocido para el director: este es su vigésimo largometraje de ficción en 40 años de carrera, y aunque oficialmente su única otra biografía es sobre la vida del boxeador Jake LaMotta en “Toro salvaje” (1980), buena parte de sus otras películas son vívidos retratos de desenfrenados mafiosos (“Buenos Muchachos”), apostadores (“Casino”, “El color del dinero”), enfermeros (“Vidas al límite”), taxistas (“Taxi driver”), artistas aspirantes (“Alicia ya no vive aquí”, “New York, New York”, “El rey de la comedia”), pandilleros (“Calles peligrosas”, “Pandillas de Nueva York”), asaltantes (“Boxcar Berta”), y una figura bíblica (“La última tentación de Cristo”). Es decir, convengamos esto: los torrentes de pasión fluyen por las películas de Scorsese, y habitualmente eso conlleva una pesada carga moral para sus personajes, atormentados por culpas, ansiedades, presiones sociales y sus propias ambiciones.

Dicho esto, es inevitable colegir su figura mayor dentro del cine norteamericano de los últimos 50 años, su influencia en cineastas más jóvenes (Paul Thomas Anderson, el más claro) y el legado de una figura arquetípica: el personaje scorsesiano, trágico, musculoso y acelerado. Más aún, como artista, Scorsese es asiduo a las búsquedas formales: sus últimos trabajos para televisión sobre el cine y el blues, a medio camino entre el tributo y la vocalización de su propia estética, han completado su figura, e incluso, la han encerrado paulatinamente en el atrapante universo del maestro bien vestido, certero, satisfecho.

He ahí la razón de la noticia: Martín Scorsese ha decidido hacer otra película. Pero, a diferencia de sus anteriores, no pareciera tener mucho que explorar. “El aviador” enciende la alarma cinéfila: es la primera película Scorsese sobre el cine de Scorsese. Es la fagocitación de su talento, el plagio de sus propios planos, la reiteración de sus recursos. Es abismante y muy sospechosa la adecuación que hace Scorsese de la figura de Howard Hughes para que sea un miembro más del ramillete de sus personajes scorsesianos. Más alarmante aún en “El aviador” es su narración desapasionada, la pobre construcción de personajes secundarios, el recorte biográfico para que quepa en el figura mítica.
Howard Hughes, millonario despilfarrador, entusiasta del cine y los aviones, obsesivo compulsivo, playboy asexuado, es un personaje scorsesiano antes de que el director haya decidido hacer una pelìcula sobre él. Recordemos: si nos presentaron a los mafiosos de “Buenos Muchachos” como dueños del mundo... ¿qué se puede esperar de uno que efectivamente lo fue? Lamentablemente, las dimensiones del personaje Hughes sobrepasan los de la elícula. Más aún si consideramos aquello que Scorsese deja de lado: sus relaciones de Hughes con la CIA, su anticastrismo, los turbios negocios en los que fue parte.
Scorsese soslaya estos datos, nunca mira de frente a su personaje: se mide a su lado. Lo maquilla para sus propios propósitos, lo engalana para su cine mezquino. Da miedo pensar en el agravamiento de estos vicios. Scorsese simpatiza con Hughes en su fetichismo: el millonario idolatra sus aviones como el director idolatra sus películas. Y eso da mala espina: que un cineasta talentoso en el retrato de oscuridad humana se obnubile con el tamaño de sus obras no promete ningún futuro.

Gonzalo Maza
“The aviator”. EE.UU. 2004. 166 minutos. Mayores de 14 años.

"ENTRE COPAS" / Alexander Payne lo hace de nuevo

2005-02-13T01:25:00.000-03:00

Luego de leer la lamentable defensa que hizo hoy en El Sábado Ascanio Cavallo a "El aviador", no he dejado de pensar en el estado de salud de las ex glorias del cine norteamericano. Me pasa seguido: esta semana casi caigo en depresión después de ver solo con unos días de diferencia la última de Scorsese (se estrena el próximo jueves) y "Million Dollar Baby" de Clint Eastwood (se estrena el 23 de febrero), ambos colijuntos esfuerzos de grandes directores que ya han hecho una cantidad suficiente de grandes películas, y que viven en una industria que año a año les da la oportunidad de mancillar su propio nombre (no olvidemos: ambas compiten este año como "Mejor Película" en los Oscars). Pero no hay caso: mientras "El aviador" es una clase de mantenimiento de un director que ya parece haber dicho todo lo que tenía que decir, "Million Dollar Baby" insiste con los temas lloricones de Eastwood de sus últimos años, lo que no tiene nada de malo en sí mismo, pero más parece una carta de disculpas y de bajo vuelo de quien yo pensaba que era un tipo rudo (tanto como personaje como cineasta).

Con eso en mente, y debo admitir, deseoso de alguna esperanza, esta noche fui a ver "Entre copas" ("Sideways", 124 minutos), la última película de Alexander Payne. Digamos que entrar al cine muy esperanzado no es la mejor forma de ver una película, y uno suele salir derrotado de esas funciones. Pero el hijo de puta de Payne demuestra que sus fortalezas residen precisamente en sus inquietudes, y entrega, a mi parecer, una de las mejores películas que he visto en los últimos años. Y eso que no tiene pretensión alguna de deslumbrar a nadie.

La historia es simple, casi inexistente. Dos amigos salen de viaje. Toman el auto para recorrer por algunos días los viñedos de la zona de Santa Barbara, en el Estado de California. El de la idea es de Miles (Paul Giamatti, el sobrepasado calvo de "Esplendor americano"), un depresivo profesor de escuela, asiduo gourmet y catador de vinos principiante, que entusiasma a Jack (Thomas Haden Church, semi-conocido hace unos años por una sitcom del cable excelente y de corta vida llamada "Ned & Stacy"), a quien conoce desde que compartieron pieza en la universidad. En el camino, nos damos cuenta que Jack, listo para casarse a la vuelta del viaje, tiene poco interés en los mostos y su agenda está en 1) darse un buen polvo antes de contraer nupcias y 2) de paso, que su amigo logre lo mismo y salga de dos años de depresión después de un divorcio.

Por supuesto, los acontecimientos dentro de la película de Payne están mejor contados que en esta sinopsis. Se van desprendiendo con elegante desenfado, aunque nada haya de elegante en la prosaica aventura que emprenden. La condición de perdedor de Miles es potencial: ha escrito una novela y, mientras viaja, está a la espera de que una pequeña editorial independiente se decida a publicarla. La frescura de Jack, por otro lado, es natural y bien intencionada: es actor de comerciales, con ambiciones a medio camino y es un buen amigo.

Pero quizás lo más inquietante de las capacidades narrativas de Payne (intuitivas en "La ciudadana Ruth", perfectas en "Elección", persuasivas en "Las confesiones de Schmidt") es que sean impredecibles y, muy a su pesar, inspiradas. Los primeros 20 minutos de "Entre copas" parecen feos, casi filmados con descaro y obviedad televisiva. Casi burlándose del decálogo de guionismo de Robert McKee que tanto daño le ha hecho al cine, en estos minutos no pasa nada y sus personajes parecen estar vacíos. Pero la paciencia ofrece recompensas tanto en la vida como en el cine, y la experiencia de encontrarse con Miles, Jack y las chicas que se tropiezan en su camino, dan la razón a los enólogos: los buenas cepas no son aquellas que más envejecen, sino aquellas que se beben en el momento justo.

Este es el momento justo para que Alexander Payne gane el Oscar. "Entre copas" es la mejor de las nominadas. Lo lamentable del asunto es que no lo va a ganar, y más lamentable sería que lo gane en unos años más, cuando esté haciendo el tipo de películas que hacen Eastwood y Scorsese hoy en día.

"BRIDGET JONES: AL BORDE DE LA RAZÓN" / Wikén

2005-02-11T09:32:00.000-03:00

Este es el comentario que aparece hoy en Wikén sobre la segunda parte de "Bridget Jones". -GM

“BRIDGET JONES: AL BORDE DE LA RAZÓN”
Sin amor propio

Habitualmente, quienes más se dedican a denostar a las mujeres, son las mujeres mismas. Este interesante fenómeno de la vida social, tomó exitosa traducción editorial a comienzos de esta década con el best seller de Helen Fielding, El diario de Bridget Jones, y una adaptación al cine dirigida por una debutante Sharon Maguire. Bridget Jones, la solitaria y torpe soltera, semi-alcohólica y en eterna lucha con el sobrepeso, se transformó en referente conversacional en todo el mundo. Al parecer, millones de mujeres se sintieron identificadas con las desventuras de la soltería, y decenas de lugares comunes sobre el sexo casual, la ausencia de hombres y la inseguridad encontraron su lugar.

Esta esperable segunda parte dirigida por otra británica, Beeban Kidron (Reinas o reyes), da pistas sobre la verdadera naturaleza del fenómeno Jones. Al parecer, lo dicho, dicho está, y esta secuela se dedica a repetir chistes, conversaciones y secuencias completas ya aparecidas en la primera parte. Así, podemos ver diferentes ángulos para la humillación femenina de Renée Zellweger en su habitual sobrepeso para el papel. Podemos ver nuevamente la misma escena de la periodista cayendo con su trasero sobre una cámara en uno de sus reportajes, las mismas aburridas fiestas familiares en la casa de la madre de la protagonista, y escuchar hasta las mismas canciones del soundtrack, una tras otra, mal pegadas, mientras Bridget corre a declararle su amor a quien ya sabemos que es su amor.
Los cambios, incluso, son extraviados intentos de darle cierta diferencia a las dos películas: una innecesaria (y hoy, superficial) secuencia en una cárcel tailandesa; las apariciones de Hugh Grant reducidas a 15 minutos de metraje (lo que para ciertas espectadoras será cercano a la estafa), y la preparación para el terreno de una eventual tercera parte: Bridget Jones se casa. Abusar así de la desesperación femenina mundial no tiene nombre, e irónicamente con el título, es una opción absolutamente razonable, pero carente de humanidad, para denostar a las mujeres.
Gonzalo Maza
"Bridget Jones: The edge of reason". Gran Bretaña / Francia / Alemania / Irlanda / Estados Unidos. 2004.108 minutos. Mayores de 14 años.

"UNA SERIE DE EVENTOS DESAFORTUNADOS" / Wikén

2005-01-31T12:58:00.000-03:00

La última de Jim Carrey, en el Wikén de esta semana. -GM.

“UNA SERIE DE EVENTOS DESAFORTUNADOS”

El paseo de los huerfanitos

Jim Carrey es el malo. Un alto, calvo, avejentando artista del mal, que vive en una casa derruida y al parecer no tiene mayor ocupación que complicar la existencia de tres niños que han perdido a sus padres en un misterioso incendio. Los huerfanitos quedan bajo la tutoría del Conde Olaf (Carrey) quien ambiciona deshacerse de ellos para quedarse con la fortuna que han heredado.
El mundo es azul, como si todos los días fueran invernales, y todas las horas transcurrieran en el magnífico instante de la mañana en que el sol aún no aparece. La espléndida fotografía del mexicano Emmanuel Lubezki (“La leyenda del jinete sin cabeza”, “Y tú mamá también”) pinta las aventuras de los tres niños (una inventora, un fanático de los libros y un bebé notoriamente expresivo) como se supone ven la vida los huérfanos: azul.

Las aventuras son endemoniadas: escapar de un auto antes de que lo choque un tren; saltar de una casa a punto de caer a un acantilado; hacerle el quite a víboras gigantes y a adultos que, cuando no son tontos (como los personajes que sorpresivamente interpretan Meryl Streep y Dustin Hoffman), son malintencionados.

Y aunque el relato (que resume tres libros del escritor infantil Lemony Snicket) no levanta el vuelo emocional que promete con su dirección de arte victoriana (familiar para cualquier que haya visto una de Tim Burton), su opción fronteriza por recrear esas sórdidas fábulas antiguas ponen a esta película de Brad Silberling un peldaño más arriba del resto de estrenos infantiles que, los padres saben, deben ser tragados con regularidad.

Gonzalo Maza

“Lemony Snicket’s A series of unfortunate events”. EE.UU. 2004. 108 minutos. Todo espectador, inconveniente para menores de 7 años.

Tres DVDs para buscar

2005-01-24T19:54:00.000-03:00

Terminar el 2004 y que excelentes películas pasen inadvertidas, es una injusticia mayúscula. Por ello, para que no sean olvidadas en las ignorantes estanterías de todo video club, agrego acá tres estupendas películas que no llegaron a los cines, pero que, con el DVD, uno puede (¡y debe!) ponerse al día.

"Niebla de guerra" (Fog of war: Eleven lessons from the life of Robert S. McNamara), el último documental de Errol Morris, una mirada mucho más adulta y dolida sobre la futilidad de la guerra que, sin ir más lejos, "Fahrenheiht 9/11". Casi como capítulo de la "Dimensión desconocida", un octogenario y bien educado caballero nos habla a cámara del horror de la guerra, con el entusiasmo de ingeniero y tras unos lentes que se empañan a cada tanto. Es Robert McNamara, nada menos: el secretario de guerra de John Kennedy, y quien tras su muerte, siguió en su cargo en el gobierno de Lyndon Johnson. A McNamara se le ha acusado históricamente de ser el causante de que la Guerra de Vietnam terminara como terminó, por ser un tecnócrata que vio el conflicto como un asunto estadístico, donde la bajas eran números y no personas. Su relato es estremecedor a varios niveles, primero, por la crudeza de la segunda mitad del Siglo XX, de la cual McNamara fue protagonista. Sus revelaciones, de primera fuente, de lo que ocurría en los pasillos del poder durante la crisis de los misiles de Cuba siguen transmitiendo la tensión que tuvieron en su minuto, y el relato de cómo EE.UU. acabó con Japón con ataques incendiarios antes de la bomba nuclear es estremecedor y, para mí, desconocido. Pero, además, el tratamiento de Morris es bello y perplejizante, usando transiciones inspiradas y una música del siempre idolatrado Philip Glass (existe todo un mito respecto a que Morris logra sacar lo mejor de los entrevistados, precisamente, porque los deja hablar y se concentra en no escuchar lo que dicen). Las once lecciones de McNamara funcionan como testamento político, documento histórico y retrato decadente de la violencia humana... todo con un cámara frente al rostro de un americano impasible.

"El despertar de los muertos: la comedia" (Shaun of the dead, en Chile solo en VHS): Para los huérfanos de George Romero como yo, una comedia británica de zombies suena como una buena idea. Pero una comedia de zombies sobre el fin del mundo, en medio de Londres, con dos vagos de más de 30 que aún se portan como niños de 12 años, y que deben recorrer la ciudad para salvar a una ex-novia que acaba de patear a uno de ellos, suena mejor. Esta comedia salvaje, precisa y profundamente british es una sorpresa para ver en grupo con amigos y reír a carcajadas (de la película y de los amigos).

"El precio de la verdad" (Shattered Glass) es la reconstrucción del escándalo más curioso del periodismo norteamericano a fines de los noventa: Stephen Glass es la joven estrella de la respetada revista New Republic hasta el momento en que descubren que la mayoría de sus artículos son inventados. La película está investigada con precisión periodística (el commentary track con el director y el editor que descubrió a Glass es revelador) y hecha con precisión y respeto por el encanto que hay detrás de todo estafador de las ideas.

"RAY" / Wikén

2005-01-23T23:47:00.000-03:00

Amigos, el comentario de la película de Taylor Hackford en el "Wikén" de este viernes. -GM

“RAY”
Biografía con blanqueador

Cuando se trata de músicos, las biopics o películas biográficas son un subgénero de difícil manejo si se desean resultados innovadores. No es casualidad que sea el territorio favorito para las producciones de televisión: cómo olvidar clásicos basurescos como “La historia de Karen Carpenter” (1989) o, mejor aún, “La historia de Ann Jillian” (1988), donde la cantante preferida de Las Vegas se interpretaba a sí misma combatiendo el cáncer. Es un viejo problema: los cantantes no proveen de historias muy novedosas. A menudo provienen de ambientes hostiles, a los que sobreviven en el instante supremo en que hacen brillar su talento ante el mundo, luchando día a día para no ahogarse por las malas influencias de sus cercanos o por su propio ego.
En medio de este pantano de lugares comunes, se hace difícil encontrar historias que vayan más allá del retrato condescendiente y acaramelado. Para ello se necesita una realizador que escape de las presiones de los artistas y sus herederos para armar un relato sólido y de mayor vuelo. Pero ha ocurrido:
Michael Apted transformó la vida de la cantante country Loretta Lynn en una sentido cuento social (“La hija del minero”, 1980), y Brian Gibson dejó una vara alta con “Tina” (1993), con Angela Bassett interpretando a una violentada Tina Turner escapando de su esposo Ike y de la tristeza del blues.

“Ray” pretende dar garantías de ir más allá en las biopics, pero tropieza consigo misma en el camino. En parte, es notoria la presencia del mismo Ray Charles (que reinterpretó varios de sus temas para la banda de sonido) y de su hijo homónimo que ofició de coproductor. El errático Taylor Hackford es el encargado del proyecto, y su carnet no solo incluye “Reto al destino” o “El abogado del diablo”, sino que también “Chuck Berry: Hail! Hail! Rock 'N' Roll!”, un inteligente documental-concierto-homenaje sobre el creador del rocanrol, editada en video pero imposible de encontrar. Esa cercanía con la buena música le permite licencias a Hackford, aunque limitadas: si bien tiene carta blanca para mostrar las no tan blancas actitudes del artista ciego (engañaba a su esposa con una corista de la banda, y consumió heroína por décadas), no puede escapar al blanqueo de imagen social de un cantante que hizo demasiados comerciales de tarjetas de crédito.

Si bien el bueno de Jaime Foxx (“Colateral”) personifica casi a la perfección al músico que unió el gospel, el jazz y el blues en sus discos, la historia no le permite adentrarse demasiado en las múltiples sub-historias que se abren en la cinta: la cobardía de Charles, el rol de su esposa, las críticas de sus pares. El relato termina abruptamente a mediados de los sesentas, estableciendo casi groseramente que el cantante recibió en 1979 un homenaje del estado de Georgia por su aporte al problema de los derechos civiles, cuando se negó a tocar en un recital solo para blancos.

Aunque la película reconstruye con emoción los años de Ray Charles en Atlantic Records (secuencias que serán una delicia para cualquier melómano), y es en sí misma un deleite en Dolby Sorround, su reverencia y poca distancia con el músico dejan la sensación que mucho hubo mucho más que contar que lo que se ve en pantalla.

Gonzalo Maza
“Ray”. Estados Unidos. 2004. 152 minutos.

"ALEXANDER" / Wikén

2005-01-23T00:33:00.000-03:00

Ufff. ¿Tres horas para esto? La crítica de la última de Oliver Stone, en "Wikén" de este viernes. -GM

“ALEXANDER”

¿Qué hay en la cabeza de Oliver Stone?

Después de ser espectador de las casi tres horas de metraje de “Alexander”, es difícil determinar el peso verdadero de la película sin tener en cuenta la agotadora aventura de sobrevivirla. “Alexander” no es larga: es eterna. Y no porque sea de esas películas que tengan mucho que relatar (algo que pasaba, sin ir más lejos, con “JFK”) sino, más bien, por lo contrario. Indecisa y exagerada, sin espacio para las sutilezas, es de esas cintas que se hacen cansadoras por su superficialidad. Pecado sobre pecado, si esa mirada epidérmica se extiende lo mismo que un viaje de Santiago a Curicó, estamos en problemas.

Y es curioso que así sea: la cinta está basada en una completa biografía de Alejandro Magno escrita por Robin Lane Fox, un profesor de la Universidad de Oxford quien, según se dice querida trivia, aparece como extra en esta película comandando la caballería macedonia. El director Oliver Stone, no menos susceptible a conmoverse por la guerra que el señor Fox, es un cineasta que ha hecho una carrera que va como un péndulo entre los temas de reconstrucción histórica (“Pelotón”, “The doors”) y los de crítica social (“Asesinos por naturaleza”, “Entre el cielo y la tierra”). Su película más admirable hasta el minuto, “JFK”, combina con precisión ambas sensibilidades. Otras, como “Un domingo cualquiera” hablan de que Stone se interesa por las películas de acción, con muy magros resultados. No tiene los puños apretados de Michael Mann, ni la espectacularidad pop de Michael Bay, ni la sed de aventura de Stephen Sommers. No, Stone no tiene nada de eso, pero quisiera tenerlo. Y el
resultado grandilocuente de ese deseo es esta “Alexander”.

¿Y qué resulta ser “Alexander”? ¿Un mecano instructivo, como era “JFK”? ¿Una mal llevada tragedia griega, como era “Nixon”? ¿El relato de un fan, como era “The Doors”? Algo de eso se puede atisbar en diversas secuencias de este relato biográfico. Pero lo que verdaderamente quiere ser es una épica de acción. Dos largas secuencias (una de la caballería macedonia, sobrevolada por una mística águila, y otra, con elefantes en la India) dan cuenta de ese deseo. Y no resulta tan mal. Pero la película que está en el medio resulta ser un recocido de lo que, se supone, Stone sabe hacer.

El director es más cercano a los personajes políticos que a la política misma, y eso hace aún más raro que su mirada del líder bélico no haya tomado partido por ninguna de las potencialidades que sugería la figura de Alejandro Magno en el papel. “Alexander” no es el desgarrado Richard Nixon, ni el confundido Jim Morrison. El héroe es presentado como un aproblemado veinteañero que conquista continentes para escapar de Olimpia (Angelina Jolie), su dominante madre, o para llegar más lejos que su desquiciado padre Filipo II de Macedonia (Val Kilmer), quien ya había dominado las distintas ciudades estado de Grecia. Lo paradojal para el espectador que no se ha distraído en el minuto 134 es: ¿cómo es posible que el bello inepto que interpreta Colin Farrell haya sido uno de los hombres más poderosos de la historia de la humanidad, haya conquistado Egipto y el imperio Persia, haya unido Oriente y Occidente bajo un mismo imperio, si hasta cuando se le escucha dar órdenes a sus tropas uno se cuestiona bajo qué criterio esos soldados le obedecen?

Esa pregunta se hace más fuerte con la insistencia de Stone con que Alejandro era bisexual. Y está bien. En la cultura griega era común que lo varones se relacionaran con personas de su mismo sexo. Pero, ¿y qué? Su amistad con Hefestión (Jared Leto) tiene un desarrollo mínimo, y aparece de la misma forma que desaparece en la trama: repentinamente. No completa al personaje, no amerita la polémica, y da pistas de la latente homofobia de Stone ya común en sus cintas.

Y en eso se van 175 minutos. “Alexander” es un ejercicio de grandilocuencia sorda solo para esos cinéfilos valientes que no se convencen de lo que diga un crítico, y que desean cerciorarse por sí mismos si las películas son buenas o bodrios. Para todos ellos, mucho ojo con Christopher Plummer como Aristóteles. Los demás, ¿no querrán disfrutar de las maravillas del verano?
Gonzalo Maza

“Alexander”. 2004. EE.UU. 175 minutos.

"BRIGADA 49" / Wikén

2005-01-22T00:15:00.000-03:00

Esta no es buena, pero tampoco es mala. A pesar de John Travolta, a continuación, la crítica en Wikén de esta película donde Joaquin Phoenix está gordo y casi irreconocible.

“BRIGADA 49”
Una de bomberos

En la ciudad de Baltimore, un edificio de 20 pisos arde en llamas. En el 12, el bombero Jack Morrison (Joaquin Phoenix, más grueso de lo que uno pudiera recordarlo) logra salvar la vida de dos víctimas, pero el suelo bajo sus pies se desploma y cae al vacío. “Brigada 49” es el viaje entre este accidente y la vida el bombero Morrison, en un relato paralelo convencional y rebosante de candidez.
Morrison, mal que mal, no es de los tipos malos. Es de los buenos. De los que entra como novato a la compañía de bomberos y que, dentro de una jugarreta, es recibido por un capitán que se hace pasar por ebrio (John Travolta) y otro veterano (Robert Patrick, “Terminator 2”) que se hace pasar por cura, con la intención de escucharle sus pecados. De los que hace turno en la compañía, y mata las horas leyendo el diario, jugando pinpón, compartiendo el ocio con sus compañeros, sus hermanos, a la espera de un gong que sea el llamado del próximo incendio. Morrison es de los que conoce a su futura mujer yendo de compras al supermercado. Y se casa con ella, y tienen dos hijos, y discuten de lo peligroso que es el trabajo, mientras salen de los funerales de los amigos que caen en desgracia.

“Brigada 49” es un desfile de bomberos, católicos, negros e irlandeses, en un medio ambiente musculoso con lluvia de cerveza y agua de mangueras. Aunque es una película honorífica y carente de distancia de sí misma, su relato conmueve por su sencillez, y pertenece a una tradición de películas que ya no se hacen, tributaria de John Ford con personajes salidos de una de Howard Hawks, pero sin ánimo de homenajes cinéfilos. Bien contada, con un guión carente de melodrama estructural, y con un director (Jay Russell, “Mi perro Skip”) que no se cree más listo que nadie. Un agrado cinematográfico.

“Ladder 49”. EE.UU. 2004. 105 minutos. Todo espectador, inconveniente para menores de 7 años.

Mis mejores películas de 2004

2005-01-20T11:38:00.000-03:00

El año pasado se estrenaron comercialmente 195 películas en Chile. Lo sé, porque las conté y organicé para un artículo especial de mis nuevos grandes amigos de Mabuse que salió publicado hace unos días. Según los 10 críticos encuestados, "Eterno resplandor de una mente sin recuerdos" fue la mejor película del año pasado. Aunque es una gran película del subgénero "chico que desconoce chica", según Daniel Villalobos en Civil Cinema, y un inspirado ensayo sobre el surrealismo de la memoria, la verdad, desde hace tiempo que he decidido armar este tipo de listado a partir de aquellas películas más diestras en el oficio de retratar seres humanos. Con eso en mente, armé este mis listado de las 10 mejores películas exhibidas el año pasado:

"Antes del atardecer" de Richard Linklater.
"Negocios entrañables" de Stephen Frears.
"Diarios de motocicleta" de Walter Salles.
"Eterno resplandor de una mente sin recuerdos" de Michel Gondry.
"Perdidos en Tokio" de Sophia Coppola.
"Chicas pesadas" de Mark S. Waters.
"Nadar solo" de Ezequiel Acuña.
"Escuela de rock" de Richard Linklater.
"El gran pez" de Tim Burton.
"Los increíbles" de Brad Bird.

Porque este es mi primer post en este blog, no entraré en detalles sobre esto, pero sí quiero agregar que, al igual que el bueno de David Walsh y su listado de las mejores del año pasado, yo también ya publicaré las mejores 10 películas que VI el año pasado, lo que incluye festivales, DVDs, cable y cosas así. Por lo pronto, saludos.